Simon PhillipsA L A I ZQ U I E R DA D E L C O N T R AT I E M P O

E N T R E V I S T A S

Ingrid Beaujean y Daniel Wong | Rodrigo y Gabriela: La fiera acústica | El cerebro de los Músicos

PAISTE | SELMER | CASIO | SHURE | PIONEER | ADAM | STEINBERGP R O D U C C I Ó N

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Rodrigo y Gabriela.La fi era acústica.

Por Benjamín Acosta

ProducciónInstrumentos, Gadgets y Apps

Johnny Indovina,el renacimiento artístico.

Por Natalia Cano

Home Studio.El Búnker

Daniel Wong &Ingrid Beujean.

Por Víctor Baldovinos

Escenario.División Minúscula

en el Teatro Metropolitan

Relajado y consciente del peso de sus baquetas, a Phillips se le ve en paz con el destino. Toto, Camel, Judas Priest, David Gilmour, The Who, Jeff Beck, Hiromi Trio, la lista es larga por lo que su beat es plenamente reconocido y lo que le ha ganado también el rol de lutier para fi rmas como Tama. Nosotros felices de celebrar con él nuestro noveno aniversario. Por Víctor Baldovinos

A la izquierda del contratiempo

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Simon Phillips

[ Año 10, Num. 109Julio 2014 ]

4. Noticias: Festival y Concurso Internacional de Piano Raíces México / Hilo Negro con Holocausto y DR Strings / Elena Durán y el homenaje sinfónico a Queen & The Beatles / 10. Eventos: Megadeth en Holocausto Music / Veerkamp y Tama Xtravaganza en SLP 22. Distor: Atto + Todd Clouser Por Alejandro González 42. Festival Balagan 2014 46. En Armonía Por Sandra Romo 48. Más allá del Pentagrama Por Mario Santos 52. Music Business: La Nueva Estación del jazz se llama Sala de Audio 54. Retail: Line 6, Pioneer y Celestion conquistan México desde sound:check Xpo

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E stamos a nada de cumplir la primera década y nos encontramos agradecidos por seguir entre ustedes y también con actitud para seguir “sonando” entre sus dedos por

muchos años más. La persistencia nos mueve, nos obliga porque allá afuera aún hay pro-yectos musicales, iniciativas artísticas, prácticas y metodologías autogestivas por entender y difundir que, como a ustedes, se han convertido en más que un reto, en un objetivo cuyo cumplimiento puede sumar a lo que ya existe para en verdad hacer fl uir la industria de la música en México.

Ni a ustedes ni a nosotros nos debe bastar con la condición creativa. A estas alturas aún hay quienes pretenden “hacerla en la música” sin considerar el aprendizaje constante no sólo para enriquecer su aproximación al instrumento que ejecuten –como obligado- sino también al desarrollo de habilidades en producción, técnicas de grabación, de sonorización en vivo, de imagen, de negocios, de gestión, de liderazgo, de innovación y uso de las tecnologías para adecuarlo, todo, a un proyecto de vida.

Esa ha sido la constante, y no casualmente, de lo expresado en entrevistas, eventos, artículos y reportajes que conforman esta edición cumpleañera con el perfi l de músicos consagrados como el de Simon Phillips que hizo de la praxis y cooperación un método de desarrollo creativo constante; como Larry Braggs y Johnny Indovina, que se reinventan así mismos para seguir con sus carreras después de Tower of Power y Human Drama; como Rodrigo y Gabriela, Daniel Wong e Ingrid Beujean, Iraida Noriega, Salvador Tercero, Xochihua y Lore Aquino que combinan curiosidad, acumulación de conocimiento, experiencia y emotividad, aptitudes, recursos y encantos para hacer de lo personal, el proyecto exitoso de una comunidad creativa cuya aspiración es trascender permanentemente.

Mucho trabajo, mucho que cambiar, mucho que hacer consciente. Y es esperanzador tener la certeza que no estamos solos. A nueve años, salud por insistir y gracias por dejarnos seguir en sus vidas para aprender y seguir creciendo.

La inteligencia musical

Editorial

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DIRECCIÓNJorge Urbano

COORDINADORA EDITORIALMarisol Pacheco

DISEÑO Jhonatan González

STAFF EDITORIALNizarindani Sopeña MERCADOTECNIARicardo Rodas

COMERCIALIZACIÓNClaudia Pérez

CIRCULACIÓNEdith García

OPERACIONESHoracio UrbanoJavier González Vázquez

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(55) 5240 1202 y 52401203info@musitech.com.mx www.musiclife.com.mx

Directorio

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MusiclifeMx

music:life. Revista mensual. Año 10, No. 109Editor responsable: Jorge Raúl Urbano CalvaNúmero de Reserva al Título de Derechode Autor: 04-2004-112916553100-102ISSN: 2007-0020Certifi cado de Licitud de Título: 13167Certifi cado de Licitud de Contenido: 10740Distribuido por COMERCIALIZADORA GBN, S.A. DE C.V. Calzada de Tlalpan 572 Despacho C-302, Col. Moderna, Delegación Benito Juárez, C.P. 03510 México D.F.; SEPOMEX, Circuito Parque 3, Col. Ciudad Satélite, Naucalpan, Edo. de México, C.P. 53100 Registro Sepomex PP09-1361 y distribuido por propios medios.Domicilio de la Publicación: Cofre de Perote 132, Fraccionamiento Los Pirules,C.P. 54040, Tlalnepantla, Estado de MéxicoImpreso en: Preprensa Digital, Caravaggio No.30, Colonia Mixcoac, C.P. 03910. México, D.F.

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noticias

Por primera vez se llevará a cabo en octu-bre un nutrido programa de actividades y certamen que tienen como eje central la ejecución pianística en nuestro país, iniciativa conjunta de la Asociación Musical Manuel M. Ponce A.C., Fundación Cultural Libre Creación A.C. y el Conservatorio Nacional de Música.

Denominado Raíces México, se trata de una jornada en la que se realizarán 13 conciertos, dos conferencias, seis clases magistrales y un concurso que abarca a intérpretes de 40 países, quienes tendrá como referencia de inspiración la obra de Francisco Gabilondo Soler “Cri-Cri” para competir por el premio económico de 100 mil pesos (primer lugar), 80 mil (segundo lugar) y 60 mil (tercer lugar) que la convocatoria ofrece y que complementa con otros estímulos, como la grabación de un disco producido por Jorge Avendaño Lührs, un piano vertical Petrof y colecciones de partituras Bärenreiter.

Con recitales de referentes del piano nacionales e internacionales como Mauricio Nader, Alfredo Isaac Aguilar Solano, Alejandro Barrañón, María Teresa Frenk, Farizat Tchibirova, Elena Kuznietsova; así como las galas y cla-ses magistrales con Katia & Marielle Labéque, Jorge Federico Osorio, Héctor Infanzón, Arturo Nieto, Manuel Delafl or, Vladimir Feltsman y Héctor Rojas, el evento se complementará con las conferencias “Tecnologías del Piano”, impartida por Enrique Nava; y “El Oído y la Música” que dictará el doctor y audiólogo Mario Romero. Todo ello en las instalaciones del Conservatorio Nacional de Música, particularmente en la Sala Silvestre Revueltas.

Desde luego, entre las actividades, se realizará también un concierto homenaje al “Grillito Cantor” en el que participarán el compositor, director de orquesta y productor Jorge Avendaño Lührs y la agrupación coral, Voz en Punto.

Festival & Concurso Internacionalde Piano Raíces México 2014

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noticias

De visita en las oficinas corporativas de Bose, en la ciudad de Framingham, Massachusetts, el interés por dar a conocer su gama de productos profesionales quedó de manifiesto con las demostraciones ahí realizadas. Junto a los sistemas sonoros RoomMatch y los ampli-ficadores PowerMatch, para eventos e instalaciones fijas, la familia de productos L1, sistemas de PA portátiles completos que entregan cobertura de 180 grados y alta resistencia a la retroalimentación, también pudo ser admirada.

Durante el recorrido a las instalaciones de la firma fundada en 1964 por el recientemente fallecido Dr. Amar Bose, la sala demo fue el escenario para conocer y escuchar con tiempo suficiente la gama L1, tras la explicación que ofreció Craig Jackson, jefe de línea de producto. Cada modelo de la familia (L1 Compact, L1 Model 1S y L1 Model II), pueden ser usados por músicos para audiencias de 100 a 500 personas, y además incluyen la mezcladora digital multicanal TI Tonematch, para un monitoreo que pueda hacerse por los mismos músicos, lo que demostró el guitarrista Charlie (…), invitado para la ocasión.

Bose, visitascorporativas

Con las nominaciones como director de Larry Thomas y presidente de Bob Roback, Fender afina su objetivo de desarrollar innovación y estrategias para consolidarse en los mercados emergentes de comercialización de instrumentos musicales, siendo el capital reputacional que ha hecho legendaria a la marca, así como la innovación y la creativi-dad, los aspectos clave a administrar en esta era de la información que sigue transformando los hábitos de consumo, adquisición y uso de la música.

Thomas ha sido miembro del consejo directivo de la compañía desde 2009 y es conocido por la pasión e ímpetu que ha transmitido a sus compañeros para cumplir los objetivos de la or-ganización. A él se deben las modificaciones en los pisos de venta y la constante capacitación de los vendedores, así como la construcción de espacios temáticos que permitan al público y usuarios de la marca, conocer la historia y herencia de la firma para la música. “Todos en Fender estamos agradecidos y apreciamos las importantes contribuciones que ha hecho Larry para mantener el éxito de Fender e incrementar su legado. Ha sido un campeón incansable que ha compartido su pasión y experiencia para sacar lo mejor de todos en cada nivel de esta empresa”, expresó Mark Fukugana, co presidente del consejo.

Por su parte, Bob Roback (LAUNCH Media Inc., Dashbox y Media Farm) sube a la presidencia para mantener el espíritu emprendedor y de gestión estratégica de negocios en el área digital que ha traído y ejecutado con éxito en la firma. La principal característica de esta labor se refleja en la invención de tácticas que aumentan la interacción de los músicos con los fans, sumándolos como mentores y publirrelacionistas de sus productos, en el reñido ámbito de la marketing digital. “Bob trae un impresionante cúmulo de habilidades que complementarán la estra-tegia de crecimiento de Fender. Nuestra búsqueda está encaminada en desarrollar ese potencial que brinda lo digital para una marca como Fender”, expresó Scott Gilbertson, integrante del consejo directivo.

Para Bob el reto es grande: “Estoy feliz y halagado de tener esta oportunidad para contribuir por el futuro de esta icónica y reverenciada marca musical, para crear situaciones de desarrollo que conecten más a los músicos con sus fans”. Habrá que se-guirles los pasos cuyo eco en suelo nacional tiene en la Fender Custom Shop del Distrito Federal (Holocausto Music) y la fábrica en Ensenada, sus claros ejemplos.

Fender, liderazgo en nuevas manos

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Con gran éxito en las butacas se llevó a cabo el concierto sinfónico en homenaje a la música de Queen & The Beatles que, convocado por la flautista Elena Durán con el apoyo de OCESA en el Auditorio Nacional, reunió a la Orquesta Juvenil Universitaria Eduardo Mata y un coro de 300 cantantes conformado por las Facultades de Ciencias, Filosofía y Letras, Ingeniería, Derecho y FES Acatlán de la UNAM, así como el Convivium Musicum y la Banda de Gaitas del Batallón de San Patricio para exponer ante el respetable los hilos conductores que enlazan el repertorio del rock, el pop, el progresivo e incluso la ópera de estas agrupa-ciones británicas con la música de concierto, siendo uno de sus principales promotores el trabajo del director Louis Clark, quien entre otros, ha dirigido los destinos de la popular English Pops Orchestra y cuya presencia se había anunciado para la velada.

Sin embargo, por motivos de salud el director no pudo asistir y fue la batuta del joven director guanajuatense, Iván López Reynoso, la encargada de conducir el viaje por la discografía de la Reyna, con la que arrancó el concierto entregando “We are the Champions”, “Under Pressure”, “Somebody to Love”, “Bohemian Rhapsody”, en el que Elena entrega uno de sus solos más emotivos de la noche; “Radio Gaga” y “We will Rock You” con la que músicos y público fueron de menos a más en entusiasmo hasta sucumbir, en esa pieza que daba fin al repaso por la música de la banda liderada por Freddie Mercury, en festivo ejercicio de canto y coreografía solicitada por el coro universitario.

Tras la pausa que significó el intermedio, un primer medley a The Beatles arrancó con la intro de “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” y “With a Little Help from my Friends”, a la que siguió “Lucy in the Sky with Diamonds”. Llegó el momento de “Eleanor Rigby”, tema que permite el lucimiento íntegro de los arreglos para la orquesta y, al tiempo, el momento en que los músicos consiguieron el punto clímax de su ejecución al imponer precisa potencia y emotividad, que deja la vibra alta para recibir el segundo medley beatle con “All you need is Love”, “Penny Lane”, “Yellow Submarine”, “Get Back” y “Obladi obla-da”. Hay que destacar también la prístina

intervención de músicos invitados para en-riquecer la base rítmica y melódica: en la batería Salvador Merchand, al bajo el retoño de éste y al piano Edgar Ibarra (cómplice de Elena con quien ha trabajado arreglos para música popular mexicana de José Alfredo Jiménez y Manuel Esperón). Incluso, Elena sorprenderá al público al entregar su versión de “Bésame Mucho” que fue aplaudido con cálido agradecimiento.

Para Elena Durán, los momentos para hacer lucir su dominio técnico y personalidad sonora como solista se dio en las piezas “Blackbird” y, claro la que le puso en oídos de la realeza británica y Sir Paul McCartney, “Rupert and the Frog Song”. Está emocionada y logra transmitir esa vibra y energía en cada aliento que brinda a través de su Yamaha handmade silver Serie 800.

El final es espectacular. Suenan los acordes de “Mull of Kintyre” y la letra en voz de la soprano Michelle Dickey envuelve, poco a poco el ambiente que da paso a la entrada de la Banda de Gaitas del Batallón de San Patricio. Le expectación es alta y sólo la supera al culminarse el aplauso copioso del público, a quien Elena vuelve a pedir manos al aire para volver a escuchar “We Will Rock You” que da enorme colofón a la fiesta que nos permite confirmar el peso del legado de las dos emblemáticas bandas del Reino Unido. La Goya universitaria resuena y hay razón pues los músicos universitarios comandados en la Sala Neza por Jan Latham Koeing, cumplieron con creces.

Elena Durán y su flauta dirigenel homenaje a Queen & The Beatles

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Es un hecho: el vinil sigue a la pos de sus fueros. Y así lo prueban el ligero, pero real incremento en ventas para este formato dado por la IFPI y la consultora Nielsen en su reporte anual con un 32 por ciento del pastel en el 2013, con los Estados Unidos y el Reino Unido apun-tando los indicadores más altos (en International Federation of the Phonographic Industry (IFPI), “Recording Industry in Numbers-Analysis of Key Industries trends”. www.ifpi.org).

Y no es fortuito que sea el país vecino el que mantenga a la alza esta tendencia, pues fue ahí donde surgió en el 2008 la iniciativa del Record Store Day (RSD) con el que Eric Levin, Michael Kurtz, Carrie Colliton, Amy Dorfman, Don Van Cleave y Brian Poehner, convocaron a melómanos, coleccio-nistas músicos y aficionados a reconocer a las tiendas de discos que mantienen abiertas sus puertas para que la gente adquiera, intercambie y difunda el mundo de la música. Actividad que a seis años de distancia goza de una nutrida participación internacional y hacen posible el lanzamiento de ediciones especiales, presentaciones y conciertos exclusivos, agenda a la que México no ha sido ajena al tener embajadores afiliados como DISCOTECA y a tiendas de culto como Fracture Records.

En este contexto, la comunidad musical toda –los que la crean y los que la disfrutan- aplaude la expansión de la fábrica de impresión, United Record Pressing con sede en Nashville que justo un día antes de la celebración del RSD en abril pasado dio a conocer la ampliación de su infraestructura con seis impresoras de vinilos operando las 24 horas del día y así lograr atender la creciente demanda que tanto las disqueras

independientes como las transnacionales vienen so-licitando del formato para ediciones especiales o de colección de los discos de catálogo y novedades de que disponen.

Con operaciones ininterrumpidas desde 1949, United Record Pressing ha sido la incubadora responsable de poner bajo las agujas de las tornamesas gran parte de la discografía del rock en la Unión Americana, historia que incluye a The Beatles. Jay Millar, presidente de la compañía, compartió con orgullo que “confiaban en crecer el porcentaje de producción un 30 por ciento este 2014. Actualmente estamos ampliando las instalaciones a un segundo edificio, tras una inversión equivalente de 5 millones de dólares”.

Sonando fuerte a

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Abundan las miradas de sospecha (y otras más de desconocimiento) hacia los llamados “mercados de la música”. Lo que algunos ven como un apa-rador de un centro comercial, tan lejano del ideal artístico al que se estaba acostumbrado, es en realidad algo no sólo deseable sino en muchos casos necesario.

La posibilidad de ser un músico autogestivo encontró en la era digital un cariz de realidad que en otros tiempos existía solamente a modo de sentencia política. Esos músicos pudieron armar una pieza con un estudio en casa, ya sea en estado de demo o incluso en su estado fi nal. Pudieron, además, meter esa pieza en una botella y lanzarla al mar con la certeza de que alguien la encontraría, abriría la botella y en su interior escucharían una revelación.

El problema es que, de un momento a otro, no era una botella sino miles, quizás millones. Internet, abrió una posibilidad para ese músico y simultánea-mente a muchos más. Con el tiempo, en Fundación Tónica nos hemos convencido de que no basta lanzar la botella. Es importante crear una estruc-tura y sobre todo, una estrategia para que esa creación no sólo llegue a los oídos de un adolescente que navega errante por la red, sino que además de él, la pueda escuchar la persona que va a hacer lo necesario para llevarla a un escenario. Hoy, más que nunca, el músico no come de reproducciones en soundcloud; tiene que tocar y tiene que hacerlo cada vez en más lugares.

La educación musical tradicional ha castrado la imaginación estratégica necesaria para que los músicos puedan trazarse esos caminos y no perderse oportunidades clave. Pocas universidades – la mayoría privadas – han com-prendido que la teoría y la técnica ya no pueden vivir sin un complemento que ofrezca las herramientas de las que los músicos echen mano para ser

Tónica Festival y la Feria JazzMexicano de Exportación

sustentables y que sus horizontes no se agoten en su territorialidad inmediata, sino que puedan, como algunos músicos mexicanos lo han hecho en los últimos dos años, sonar y sonar fuerte en el extranjero.

Desde esa convicción hemos encontrado en el modelo de mercado de la música una coordenada clara para direccionar los siguientes pasos que daremos en la segunda edición del Encuentro de Jazz en Jalisco / Tónica Festival. La Feria: Jazz mexicano de exportación es la cristalización de esa convicción, un espacio en el que 13 proyectos mexicanos podrán interpretar su música y ser escuchados por programado-res de festivales como John Cumming, fundador del London Jazz Festival, Brice Rosenbloom, director del Winter Jazz Festival de Nueva York, Valerie Malot, directora de 3D Familiy o Fernando Toussaint del Festival de Jazz de la Rivera Maya.

El esfuerzo para convocar a estos gurús de la industria de la música contem-poránea es enorme, y ambicioso. No será la presentación que escucharán 20,000 personas, pero sí será una clara oportunidad de que un público selecto se convierta en el pasaporte para los más codiciados escenarios del mundo. Con esa certeza y fi rmeza abrazamos la Feria: Jazz mexicano de exportación como un proyecto que deberá permanecer en nuestra agenda de prioridades en el presente y hacia el futuro.

Los proyectos seleccionados para esa primera Feria son: A Love Electric / Alex Otaola & Iraida Noriega / Arreola + Carballo / Chocolate Smo ke Gang / Flucturas / Grupo de Juan Alzate / Huazzteco / Maraakame / Mexkla / San Juan Project / T’Orus / Troker

Eventos

Por Rafael Uriega

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Megadeth y Holocausto Music:Temblor de trash metalLos fanáticos de la legenda-ria banda de Megadeth vivieron un momento sublime y digno de recordar, previo a su presentación en México en el Palacio de los Deportes, ello debido a que la reco-nocida firma de guitarras Jackson y Holocausto Music organizaron una firma de autógrafos y un meet and greet con Chris Broderick (guitarrista) y David Ellefson (bajista), dos de los integrantes del cuarteto californiano.

La mecánica para asistir y conocer de cerca a los mú-sicos de Megadeth consistió en responder correctamente una trivia en las redes sociales de la distribuidora de equipo de audio e ilumi-nación profesional así como de instrumentos musicales, y subir una foto en la que se mostrara todo el repertorio de objetos que se tiene de la banda, o bien subir un video en el que se tocara un riff de algún tema del grupo.

Los fanáticos se dieron cita en las instalaciones de Holocausto Music, ubicada en la calle de Bolívar 76, en el Centro Histórico de la Ciudad de México. Al interior de la tienda, personal de seguridad y de logística, encabezado por Rosalba

los esperaban alrededor de 60 fanáticos con guitarras, posters, carteles, discos compactos, vinilos, fotos, playeras, y hasta un cráneo los cuales fueron firmados por los músicos, además de tomarse con ellos la foto del recuerdo, abrazar y saludar a sus ídolos.

Todo transcurría conforme a lo planeado, músicos y fanáticos creaban un ambiente de camaradería muy cordial cuando de repente la música de fondo fue opacada nada menos que por la Alerta Sísmica del Valle de México y segundos después inició un fuerte sismo de 6.4 grados en la escala de Richter. A pesar de ello los fans ni se inmutaron y por el contrario comenzaron a gritar Megadeth mientras duraba el temblor. Por su parte, los músicos nunca se pusieron nerviosos, al contrario, con-tinuaron con su entusiasmo y siguieron con la firma y la toma fotos.

Una vez que pasó el temblor, Chris y David no dejaron pasar la oportunidad y salieron a la terraza para tomarse la respectiva clásica foto “selfing” con los gana-dores del Meet and Greet. Posteriormente, bajaron al piso de venta para continuar con la firma de autógrafos. Allí los esperaban alrededor de 200 personas, ansiosas por conocer a sus ídolos.

Sin duda el esfuerzo realiza-do por la firma Jackson y la boutique Holocausto Music dio excelentes resultados: David subió a su canal de YouTube un video en el que muestra su estancia en México, quedó fascinado.

Esto fue en el marco de la octava visita de Megadeth a México en la que promocionó su décimo cuarto álbum Super Collider. La banda ha vendi-do más de 50 millones de discos en todo el mundo y es reconocida como la pionera en el género trash metal.

Díaz, gerente del lugar, daba las últimas indicaciones a los fans ganadores.

Chris Broderick y David Ellefson se dirigieron al Roof Garden, donde se encuentra la Fender Custom Shop de Holocausto Music. Allí

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Con el apoyo de la tienda de instrumentos musicales Karma Music de San Luis Potosí, Casa Veerkamp llevó a esa región del centro-norte de México su cuarta edición del Tama Xtravaganza, evento festivo para los ejecutantes de la batería en el que con la guía de sus músicos patrocinados presenta las bondades y diferenciadores de los tambores de origen japonés.

Así, para esta jornada la alineación de músicos convocó a Giovanni Figueroa, Carlos Moguel, León Soriano y Alonso Cortés, a quienes se sumó el talento internacional del sello rítmico y poder del metal, John Tempesta (The Cult , Exodus, Testament, White Zombie, Helmet). Coordinados por Yanina Quiroz, gerente de mercadotecnia y relación con artistas de Veerkamp, la misión fue propiciar un encuentro dinámico de mayor interacción con los asistentes, mayoritariamente bateris-tas, para que lograran probar los modelos, ya fueran profesionales o principiantes:

“Fue un Tama diferente con un público muy receptivo, la convocatoria y el trabajo de nuestro anfi trión, Karma Music, lograron que de los casi 400 asistentes, el 90 por ciento fueran bateristas y eso nos permitió un armar un diálogo más directo para la presentación de cada músico. En esta ocasión no sólo vinieron músicos de jazz, como normalmente ha ocurrido, sino que trajimos intérpretes de géneros variados como fue la suma de León Soriano y Alonso Cortés. Ellos hicieron una presen-tación distinta con el público pues los hicieron participar: les repartimos ins-trumentos para que tocaran con ellos y la respuesta fue interesante porque los integramos. Eso acercó a quienes no necesariamente do-minaban el lenguaje de la técnica para tocar la batería y les permitió probarlas sin complejos”, apuntó Yanina.

Como extra, se aprovechó la ocasión para presentar ante la comunidad de la base rítmica el modelo Silver Star Coctail, combo de pequeño formato, ligero y portátil, que se adecua al baterista que constantemente toca en foros como bares y casas de cultura, hermana menor de las reconocidas Silver Star y Super Star, como señaló la coordinadora: “Al hablar de las ventajas de cada modelo logramos enfocarnos en cómo poder usarlas en diversos contextos musicales y enfatizar la forma en que las distintas confi guraciones sirven a cada género; todo de manera fl uida y muy participativa de parte del público”.

Al fi nal del día, los entusiastas bateristas que acudieron al evento formarán parte de un sistema de seguimiento y atención al cliente que les permitirá recibir promociones y descuentos especiales, al comprar en Karma Music; además de mantenerles al tanto de las novedades y actividades que a futuro se presenten de la marca Tama y, claro, Casa Veerkamp y su distribuidor aliado. Trato preferencial, como debe ser para quien muestra interés.

Lo que siguió en la agenda formativa y de promoción de la Veerkamp, fue el Sabian Day en los Mochis Sinaloa, al que convocaron un millar de personas. Imparables.

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entrevistas

Por Benjamín Acosta @benjaminacosta

Rodrigo y GabrielaLa fiera acústicaSu repercusión es notable fuera de nuestro país. La audacia y pasión que imprimen en la intrincada forma de ejecutar sus guitarras, ha encantado a buena parte del público europeo. 9 Dead Alive, su cuarto álbum de estu-dio, muestra un sonido más cercano a sus orígenes rockeros.

Su interpretación es tan precisa como vigorosa. En esa medida, el agota-miento físico es inevitable. “Después de cada concierto, sumergimos las manos y los antebrazos en agua con hielo durante varios minutos, para relajarnos y evitar algún problema muscular”, explica Rodrigo Pineda Sánchez quien, junto con Gabriela Quintero, forma parte de esta dupla que no ha cesado de explorar el universo de la guitarra acústica, teniendo como antesala de los grandes escenarios las calles de Dublín, Irlanda, donde llegaron en 1998.

Ese sonido que cautivó a un público que suele contagiarse de la emotividad que desata una orquesta, las armonías proyectadas por un ensamble o, incluso, por la estructura melódica de la música pop, se mantiene. En eso ha consistido la labor de estos instrumentistas cuya determinación los traslada de las plazas públicas y los pubs a festivales como Glastonbury, T in the Park y Coachella.

Interpretar con una velocidad que provoca admiración y usar el cuerpo de sus guitarras como instrumentos de percusión, son algunos elementos que atrapan a todo aquel escucha que sólo requiere de sensibilidad. “No nos con-sideramos virtuosos. Creo que en esos casos se pierde la noción de lo que realmente importa, que es la música y la estructura de la pieza”, puntualiza Rodrigo, quien militaba en el grupo de trash metal Tierra Ácida, donde conoció a Gabriela cuando ambos tenían unos 15 años de edad.

“A veces Gaby me pide que bajemos la velocidad y eso no tiene que ver con el virtuosismo, sino con el hecho de que en mi cabeza tenga ideas de heavy metal y eso de pronto me gana. Hemos estudiado mucho, pero todo lo que hemos aprendido al fi nal, lo tocamos

de corazón, con el ánimo de compartir y sentir que uno mismo es el instrumento por el cual sale el mensaje de la música”.

Y cuando Rodrigo habla acerca de las lecciones recibidas, evoca ese sistema autodidacta que ambos desarrollaron circunstancialmente. “En realidad estudiamos hasta el grado cero. Hicimos un examen para la Escuela Superior de Música pero nos re-chazaron, así que ahí quedó el intento. Venimos como cualquier músico de rock, donde la mayoría son empíricos. A la fecha no tenemos el conocimiento para saber leer o escribir música. Todo lo aprendemos de memoria”, confi esa quien musicalizaba producciones en Canal Once y más tarde –con la iner-cia prolífi ca del dueto– colaboran en el score de los fi lmes Piratas del Caribe y El Gato con Botas.

“En un inicio la gente se desconcer-taba porque nos asociaban con el fl amenco. Cuando se daban cuenta que nuestra música tiene riffs de heavy metal, entonces notaron que era otra cosa. Me encanta el fl amenco, pero era un mensaje erróneo, sobre todo para la gente que quería un show de ese género. Al principio me daba risa, pero después era molesto por la gente que iba a vernos confundida”.

Su nuevo disco, además de situarse dentro de ciertos parámetros del rock, es una dedicatoria a las personas que se han ido de este mundo, pero cuyas ideas prevalecen en este siglo. “Es una celebración a lo que signifi ca la grandeza de las mentes brillantes que pueden hacernos creer que hay cosas buenas en este mundo y que no todo se proyecta en escala de grises”, comenta el músico de 40 años.

9 Dead Alive representa la antítesis de Area 52, su anterior álbum que fue grabado en La Habana y con el acompañamiento de un ensamble que integraron más de una decena de músi-cos cubanos que reforzaron su esencia afrocaribeña. En esta ocasión, el dueto se concentró en su casa en Dublín para reunir todas las piezas musicales y registrarlas como si fuera un concierto íntimo, mientas ejecutan guitarras que forman parte de The Electric Nylon Strings Series NX de Yamaha.

“Quisimos grabarlo de tal forma que permaneciera un sonido directo, crudo, conciso. El estudio lo convertimos en un espacio tan privado como si fuera nuestra recámara. Fue así como lo asi-milamos con la intención de aterrizarlo de una manera que, al escucharlo, sientas que estamos ahí, contigo”.

TrotamundosDe Glasgow a París y de Londres a Madrid, Zurich y Múnich. El kilometraje sigue en aumento cuando entusiasman al público en Tokio y Sidney, mientras que los neoyorquinos agotaron las entradas en el Radio City Music Hall para verlos. La audiencia se diversifi ca cuando Barack Obama los invita en un par de ocasiones en la Casa Blanca.

El rock no tiene la culpaCon Rodrigo y Gabriela (2006), su segundo álbum de estudio y producido por John Leckie (Stone Roses, Radiohead) alcanzaron el primer lugar de ventas en Irlanda, por encima de Arctic Monkeys y Johnny Cash. El disco contiene una destacada versión de “Stairway to Heaven” de Led Zeppelin, misma que Jimmy Page celebró.

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entrevistas

Por Natalia Cano@Bikini_Bandit

JOHNNYINDOVINA,el renacimiento

artístico Cuando Johnny Indovina interpretó la

canción “This Tangled Web”, durante el último concierto que la agrupación de rock gótico Human Drama ofreció en México, en diciembre de 2005, el cantautor est adounidense pensó que quizá sería la última vez que se pararía sobre un escenario. Tras el anuncio de la separación de la banda, el músico entró en una especie de “crisis existencial y artística” que le hizo replantearse la idea de su retiro defi nitivo.

“No sabía qué iba a hacer después de Human Drama. Sólo recuerdo la emoción de entender que quizá estaría tocando “This Tangled Web” por última vez. Recuerdo haber visto (en su concierto en México) a algunas personas llorando, sentí que yo también iba a llorar en cualquier momento. ¡Fue un momento catártico!”, dice Indovina.

Con su proyecto Sound Of The Blue Heart, el rockero dio vida a los álbumes Beauty? (2006) y Wind of Change (2009), pero fue realmente con su nuevo álbum Trials of the Writer que el músico nacido en New Orleans se enfrentó a un renacimiento artís-tico, en donde presenta un concepto completamente en solitario que lo reivindica como cantautor.

Después de una carrera tan fructífera con Human Drama y otros proyectos sonoros, ¿qué nuevas experiencias pudiste vivir en esta nueva faceta?“Yo sólo espero que (mis fans) pue-dan comprobar que he madurado como artista. Ha sido un proceso de desarrollo para mí y espero que siga siendo así hasta el día que deje de hacer música. Espero que lo vean (su proyecto solista) como una extensión de Human Drama, que me vean como un compositor más maduro que está trabajando para ser mejor, que después de 30 ó 35 años sigo trabajando duro para evolucionar”.

¿Cuál es el hilo conductor de Trials of the Writer?“Éste es un álbum conceptual fuerte. El hilo conductor del disco narra el camino que un escritor toma desde que es joven hasta que envejece, y los sacrifi cios que tiene que hacer por su arte, y la manera en cómo se siente al fi nal cuando ya no hay nadie que lo escuche. Es un concepto muy fuerte al que le tuve que construir un pequeño fi nal”.

México se ha convertido en un “segundo hogar” para ti y ahora esos lazos se refrendan con la participación de Ely Guerra en tu disco. ¿Cómo surgió la invitación para grabar a dúo “Ring Them Bells”?“Por muchos años quise hacer un dúo con algún músico mexicano, pero no sabía quién podría ser esa persona. Una noche estaba cenando en un lugar en la Zona Rosa y escuché esta voz que provenía del estéreo, entonces supe que quería esa voz femenina cantando conmigo. Contactamos a Ely Guerra, y ella no sólo hizo mi álbum aún mejor y más importante, también conocí a una de las personas más bellas que he conocido en toda mi vida”.

¿Cómo grabaron la canción? ¿Pudieron entrar al estudio o se hizo a distancia?“Fue un poco de las dos formas, tuvimos varias conversaciones por teléfono, luego nos vimos en la Ciudad de México, cenamos un par de veces juntos, hablamos de lo que yo creía que iba a resultar bien. Después de varias charlas, al fi nal ella grabó en el D.F , y nos las mandaba

a nosotros, las discutíamos y resultó muy bien. Escribimos una canción muy especial , que tienen la voz de una mujer y un hombre, llamada “The Truth Inside a Lie”. Fue una gran colaboración que se hizo mucho en persona o en países separados”.

¿Tienes un home studio?“Sí, de hecho, tengo dos estudios diferentes donde trabajo. Uno está en casa y otro está en otro lugar. Lo que hago es grabar los bajos y la batería, y algunas guitarras eléctricas en ese estudio. Y luego me llevo esa grabación a casa y termino las voces y la guitarra acústica. Toda mi parte la hago en el estudio en casa. Puedo trabajar de dos formas: viajo a la Ciudad de México, si necesito grabar a alguien allá, o viajo a Nueva Orleans o Nashville si necesito grabar a algún artista allá. Así es que, como verán, trabajo de diversas formas”.

¿Cómo es el proceso de grabación de un álbum?“Primero empiezo con el concepto que estoy intentando expresar en un álbum. Luego pienso en los temas y en algunas ideas de lo que estoy sintiendo en el momento, lo trato de mantener lo más actual posible en mis pensamientos. Luego de ese pun-to generalmente agarro mi guitarra acústica y comienzo a trabajar en la vibra de lo que va a ser el álbum, el sentimiento que quiero imprimir en el disco. Generalmente me gusta comenzar con mi guitarra acústica y las vocales”.

¿Has pensado en producir otras bandas?“Estaría dispuesto a hacerlo, aunque no es algo que busque. Así que sí, si alguien me contacta y quiere que le ayude a crear un álbum, estaría abierto a la posibilidad, si sintiera que puedo ofrecerle algo. Me encanta trabajar con gente y me encanta trabajar en la música”.

¿Qué escucha Johnny Indovina? ¿Alguna propues-ta nueva que haya captado tu atención?“Para ser sinceros, me vuelve loco la música electrónica. El año pasado escuché una banda que me gustó mucho, Imagine Dragons. ¡Fuera de eso nada! ¡Difícilmente alguien podría reemplazar a Bob Dylan en mi colección de discos!”.

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Entrevistas

Por Víctor Baldovinos Facebook/VictorBaldovinos

Daniel: “creo en la combinación de la intuición natural y la intelectualidad”.Preparación tradicional. “Primero hicimos las composiciones para dueto y poco a poco fuimos armando nuestro repertorio, que originalmente incluía algunos standards de jazz, aunque al final ya no incluimos ninguno”, precisa Daniel al iniciar la entrevista; quedó muy bien con temas originales para grabar entre dos. Desde el principio, el formato fue así. Ese era el reto y tomamos ciertos modelos clásicos. Creo que la sonoridad resultante fue bastante original, dado que la voz no funciona como una tradicional sino como un instrumento musical, que es como debe ser. Y en estas composiciones cumple dicha función al 125 por ciento”.

Orden del día. “La guía maestra fue grabar de acuerdo a la antigüedad de las piezas. Teníamos repertorio casi para dos discos pero varias quedaron fuera por derecho de antigüedad, al ser más nuevas”, argumenta el piano man; “ese fue el criterio: la pieza más antigua sería “Samba Simple”, que es la última del CD. Esa fue la primera que montamos. Y “Rycha”, que Ingrid ya había grabado con Beaujean Project. Lo que pasó con esa pieza en particular fue que le hice un arreglo, la rearmonicé y modifiqué algunos compases para hacerla a mi estilo”.

“El jazz es un género radicalmente distinto a estilos como el pop o algunas variantes del rock. Recuerdo una clínica de Peter Erskine hablando de su experiencia con Steely Dan. Decía

Ingrid Beaujeany Daniel Wong:

confiar enlo que crees

Blanco y negro. La pre producción, el acoplamiento del teclado con la voz y las formas orgánicas de grabar fueron temas que con

nosotros abordaron los maestros Ingrid Beaujean y Daniel Wong horas antes de presentar en el Lunario del Auditorio Nacional su álbum a dúo con el que se sumaron también a la celebración del Día Internacional del Jazz en México. De ese viaje creativo y de producción, nos dieron parte.

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Entrevistas

que una de las piezas estaba de-masiado lenta y él decidió subirla cinco beats por minuto (bpm) en el metrónomo. Al terminar el show, Donald Fagen fue para hablar con él: ‘¿qué pasó con esa rola?’. El director se dio cuenta que esta-ba arriba. El pop tiene un lugar estable. El estilo disco debe estar a 120 bpm, exactamente”.

El jazz es más liberal. “Una pieza pudo ser grabada a 80 bpm y en vivo tocada en 160 bpm porque ese día estabas muy feliz”, analiza el maestro; “y también puede ser una versión maravillo-sa. En cambio, si le subes la velocidad a “Billy Jean”, la echas a perder. Si la tocas al doble de velocidad (240 bpm), ya no es “Billy Jean”. Tiene que ser precisa. En el jazz tenemos ese elemento orgánico porque cada vez que toques, va a ser diferente. Es una fortuna muy grande la que tenemos”.

En la sala. “Pegaditos, al piano se le trató de aislar lo más que se pudo, con paneles de acrílico pero en el micró-fono de voz se oye cierto piano. Eso fue a favor de la integración musical del dueto: tenemos que estar totalmente pegados, para poder grabar un jazz verdadero. El jazz en multitrack es un poco extraño y casi nadie lo graba así”, subraya el pianista.

Entre ébano y marfil. “Normalmente compongo en mi piano acústico Yamaha C2 de media cola, que es una maravilla”, sus ojos brillan; “es mi baby. Estoy enamorado de ese sonido y trato de buscar que el piano con el que grabe sea por lo menos así o de ahí para arriba. Así, con el que grabamos era un Steinway de gran concierto, cola entera. En la grabación estuve muy contento con el sonido del instrumento. En un formato de dueto, para cualquier pianista es muy importante que el instrumento sea de alta calidad para que el timbre ayude con su sonoridad a la música”.

No hay camino al improvisar. “Mi pensamiento es que real-mente no se puede enseñar a improvisar, puedes enseñar re-cursos, herramientas, escalas, proponer que tengan información auditiva y escuchen música porque el verdadero fondo de la improvisación viene de algo interno, es una habilidad con la que se nace y que también se puede desarrollar. Lo que es verdad, es que hay que tener la mayor cantidad de recursos armónicos y conocimientos del área”.

“Un consejo que le doy a mis alumnos: el pianista es un músico muy intelectual. Cuando vas a improvisar, piensas: éste es un acorde de Sol m9, que puede ser 2do grado de Fa. En cambio, una cantante pocas veces se pone a pensar eso: simplemente deja salir lo que hay dentro”, Daniel finaliza: “creo en la combinación de la intuición natural y la intelectualidad. Cuando llegas a un balance de ambas, se crea un sólo hermoso. Esa es la finalidad”.

Ingrid: “Buscábamos algo que no fuera la cantante y su pianista acompañando”.“Algo que me agrada de Daniel es que ciertos maestros imponen su método y muchos alumnos están esperando que alguien les enseñe todo, que teniéndolo, ya van a resolver su vida musical”, valora la cantante Ingrid Beaujean; “él dice justo lo contrario:

‘busca tú propio camino y en-cuentra tú personalidad’. Falta mucho de eso en los músicos: personalidad. Cuando escucha-mos lo que nos gusta, sabemos quiénes son porque desarrollan su lenguaje. Si hacen algún remate, sabes que son ellos. La gente tiene miedo a caer en sus propios clichés”, afirma; “y creo que es parte de ir desarrollando tú personalidad musical”.

Proceso compositivo. “El que más uso es escribir muchas for-mas de decir la idea que quiero transmitir en la canción: si quiero

hablar del amor, lo describo de diferentes formas, escribo muchas cosas sobre lo mismo, voy depurando y tomo la letra, sus variaciones y hasta después, pienso en armonía y melodía. La mayoría de las veces, parto del texto”.

Contrasta. “Otras veces, tengo la armonía que me gusta, con una rítmica para el bajo;

pero no tengo melodía ni letra. Después intento poner la letra para que defina el compás. Si estoy aprendiendo a utilizar cierto tipo de compases, intento que la letra sea parte de ése porque es mi forma de interiorizar el tiempo a través de la composición”.

Sin maquetas ni clics“Grabamos en dos días”, admite la compositora. “No sé si esto añada frescura porque los temas tienen que madurar. Creo que conforme tocas las piezas, va cambiando la música y ese fue el momento perfecto para grabar. De hecho, grabamos juntos. Nos daba la referencia de cómo sonarían nuestros conciertos”.

Improvisar con scat. “Es lo que más me cuesta trabajo porque no es como en el piano: si tocas Sol, sale un Sol. En la voz, es muy diferente. Lo primero que le digo a mis alumnos es que estudien onomatopeyas. Las onomatopeyas son esas sílabas que utiliza-mos en el scat. Que desarrollen un lenguaje con estas sílabas”. Recomienda: “hay un libro de Bob Stoloff. Él hizo un método en el que hace rítmicas con esas onomatopeyas y te ayuda a improvisar; porque nos topamos con cantantes que tienen muchas ideas pero que no suenan claras”.

Secretos del jazz. “Hay que tener buena dicción al momento de la improvisación; empezar con las onomatopeyas y que tengas capacidad para que se entienda lo que dices. Que empieces a soltar tu intuición, sentarte al piano, tocar, escuchar el acorde por horas y después ir al siguiente. Es un proceso largo que vale la pena; te sentirás más seguro”.

Canto sincopado. “Lo que le digo a mis alumnas es que comien-cen a cantar y luego a entender las cosas porque he encontrado gente que sabe mucho de música pero que no canta nada; sabe perfecto qué escala poner y sus nombres pero no la puede cantar. Les recomiendo: canten y después entiendan. Pongan nombres y estudien técnica de canto clásico, que les va ayudar; no que ten-gan que impostar la voz como en la música clásica pero sí respirar bien, apoyar con el diafragma; no utilizar la garganta y relajarse al cantar. Los cantantes tenemos que estudiar armonía básica para entender lo que hacemos y saber dónde estamos”, concluye Ingrid.

El jazz a piano y voz sucede con:Ingrid Beaujean.

Micrófonos: Electro-Voice N/D767a y Shure SM-58. Daniel Wong.

Piano acústico: Yamaha C2 media cola.Sintetizador: Roland Phantom.Piano digital: Roland RD-700.

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Entrevistas

¿Qué momentos han definido tu entrega al canto?“Lo hago desde chica, con más convicción desde los 14 años, no tenía tan claro qué estilo pero me atraía el pop y los boleros, los tríos porque era lo que se escuchaba en casa, muy especialmente las canciones de Armando Manzanero. Entré a un grupo vocal-coreográfico, éramos dos chicos y dos chicas, entre ellos Francisco Paniagua, compositor chiapaneco que ha hecho varias letras para banda. Tuvimos presencia en el sur del país, Oaxaca, Veracruz y cuando venimos al DF para tocar puertas las cosas no se dieron y a la postre se desintegró el grupo”.

“Fue cuando llegó la trova, el canto de autor y el folclor latinoamericano a mi vida. Estos me inspiraron a componer y entré a un concurso que me permitió irme a vivir a Monterrey donde tenía contactos y allá empecé a trabajar en bares. No me definía como cantautora y eso me llevó a explorar otros ritmos y estilos como el bossa nova y el jazz. Decidí que debía estudiar y regresé al DF donde estuve en el DIM, Fermatta y el Sindicato de Músicos donde ya me puse a armar mi proyecto

en forma, coincidió con una participación junto a Armando Manzanero y eso me dejó claro qué quería hacer y así arrancó el Lore Aquino Project”.

Musicalmente ¿quién te ayuda a afinar lo que querías?“Fernando Meza, pianista y arreglista a quien le estaré infinitamente agradecida por arropar mis canciones y la música que quería interpretar. Fer concebía los primeros arreglos y le fue dando como la forma de la fusión que quería. Antes de él, conocí a Víctor Patrón con quien coincidí cuando acudía al PapaBeto, el foro de jazz de la ciudad en aquellos días, donde también conocí a Enrique Nery y ese grupo de músicos increíbles”.

“A Víctor le mostré mis canciones, le gustó mi voz y me invitó a grabar coros para algunas producciones que tenía y también hicimos una presentación en vivo con canciones mías, standards en el PapaBeto con puro maestro del género y obviamente le eché muchas ganas. Así fuimos trabajando, se fue corriendo la voz y él me ofreció hacer el arreglo de mi canción “Pinceladas”, la primera que puse a consideración de la gente por medio de MySpace”.

¿Qué aprendizaje te dejó esta primera producción?“De entrada confiar, atreverse y persistir. Fue eso lo que me puso con estos músicos y cantantes increíbles para pedirles que participaran en mi disco. Ya en la producción ejecutiva para hacer el disco, coincidir con Pepe Corona fue maravilloso para mí, es un sonidista extraordinario y le debo mucho de mis logros, fue quien me introdujo al trabajo de la música desde que yo tenía 17 años, entonces arrancaba su estudio de grabación en Tuxtla Gutiérrez, Corona Pro Audio. Ahí aprendí a grabar en estudio y a identificar cómo colocar la voz y diferenciar entre lo que ocurre ahí y lo que pasa en vivo. Por él conocí a

Marco Tulio Rodríguez, quien a la postre fue el productor musical de mi disco”.

“Como mujer, la única cosa que te puede detener es el miedo. Hay que ser valiente para estar aquí y sobre todo amar mucho lo que haces. Y además usar nuestro lado femenino para interactuar en terrenos que en teoría son de hombres, como la ingeniería de audio en vivo y estudio. Al principio cuesta pero me documenté tanto para cómo manejar mi proyecto como manager y entender los aspectos técnicos para sonar como yo quería. La regué pero así aprendí a no soltar y ser valiente”.

Técnicamente, cómo cuidas y fortaleces tu voz“Tengo dos maestros clave. El primero fue Alfonso Marín, un barítono quien me enseño a vencer el miedo para sacar la voz, su guía sobre la respiración y vocalización con escalas fue definitiva para mí. Luego tomé clases con Iraida, quien me vino a cambiar todo el concepto para entender cómo colocar y sentir el cuerpo para externar toda la energía y sacarla. Si bien no me considero intérprete de jazz, sí me gusta improvisar y tomar los recursos de éste para hacer lo que me gusta: pop, funk y bossa nova que es mi delirio”.

CANTOY COMPOSICIÓN.LOS HÉROES…

Antonio Carlos Jobim / Caetano Veloso / Jorge Vercillo / Chico

Pinheiro… y las herramientas

Micrófono Shure 58 / Grabadora portátil Sony

En No es Suficiente: Micrófono Neumann TLM 103 con

preamplificador Avalon Vp737Ingeniero: Salvador Aguilar / Mezcla y Masterización: Pepe

Corona

Lore Aquino.La escala del éxitoes sumar las partesC on su disco debut No es suficiente, la chiapaneca

Lore Aquino pudo materializar el sueño de presentar su canto y canciones: un proyecto musical de fusión donde el funk, los ritmos afrocaribeños, la balada, el pop y el jazz coexisten y que capturó la atención de quienes hoy forman su lista de mentores con Víctor Patrón, Fernando Meza, Pepe Hernández e Iraida Noriega, entre ellos. El camino autogestivo ha sido un reto que ha abrazado de manera ejemplar, sin descuidar el crecimiento de sus aptitudes vocales. Fo

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Entrevistas

Xochihua es un power trio nacido al oriente del Distrito Federal, conformado por los hermanos y primo Flores: Carlos en la batería,

Juan al bajo y Eratóstenes en la guitarra y voz. Su propuesta exhibe en la instrumentación y estructura de la canción y letras, los rasgos de sus filias con bandas del llamado Colectivo Rupestre, que se bastaba de guitarra y voz para hacer sonar las coplas de sus composiciones. Tanto así, que son figuras como la de Carlos Alvarado y Rafael Catana las que han dado su espalda-razo al trío. Tras su actuación en Showcase Incubadora de Talento de sound:check Xpo su tarea autogestiva y de producción cambió y de ello atestigua su primer disco, Sexadelia sobre la cual habla Eratóstenes.

¿En qué consiste la propuesta de Xochihua“Somos una banda de rock en español con batería, bajo, guitarra y voz. Desde que iniciamos esto hace cuatro años la premisa ha sido hacer canciones con lo mínimo, sin que eso se asocie a carencia, mantener lo íntimo de un ensayo, la idea primera de la vibra que se logra cuando arrancas una improvisación o melodía que te prende. De esos momentos en que estás dándole en el ensayo con una chela y la música ocurre. por eso lo llamo “sexadelia”: esa emoción que te pone chinita la piel al sonar algo que está fluyendo bien rico. También podríamos llamarla “sensuadelia”; te filtra y se mantiene vibrando en la piel”. ¿De dónde viene la influencia más importante?“Por un lado de un gusto por las películas de vampiros de los años setenta, particularmente del soundtrack de una película llamada Vampiros Lesbos: “Sexadelic Dance Party”, que te pone a bailar muy a gusto sin tantas florituras e impregnando esta sensación de goce que te comento; y, por el otro, de estas bandas que tocaron en Avándaro como la mítica División del Norte, y las que de ahí emergieron, a quienes nos gusta rendir ofrenda por la entraña que lograban imprimir en su música, aún en tiempos de prohibición y con los recursos de que disponían, y así hasta llegar a grupo como La Barranca”.

Hablas de hacer con lo que tienes como principio creativo…“Sí porque hemos visto bandas que de repente se ocupan más de primero hacerse de la guitarra Gibson o Fender de su héroe, en lugar de atender a si tienen una rola chida qué compartir. Nosotros partimos de esta dotación y vamos armando la sesión: en ocasiones llega la letra, otras la melodía primero; no hay un patrón pero sí procuramos desechar en el “baúl de los intentos” lo que no nos deje sentir ese placer al tocar”.

Tras su participación en sound:check Xpo entrarían al estu-dio, ¿cambio su criterio de la producción y grabar? “Totalmente. Veníamos de una mala experiencia de grabar con gente que nos vio la cara. Por recomendación de Carlos Alvarado supimos de Mikel Hernández que tiene su home studio -New Energy Studio-, con quien coincidimos en la expo y ahí lo contactamos directo. Hoy Mike es el cuarto integrante de la banda: Es un tipo dedicado, apasionado que se prepara y se ha ido armando de equipo de gran nivel. Le hemos aprendido mucho, tiene un sentido de la producción claro y eso llevó nuestra música a otro sitio en cuanto a sonido. De hecho ya decidimos invertir con él para que compre plug ins y así podamos seguir grabando bajo su tutela. El disco lo hicimos con Pro Tools 11 y una cantidad inmensa de plug ins que también usó para la mezcla. Y nos llevó a masterizar a Estudio 19”.

“Esta experiencia de grabación también nos hizo mejorar nuestro equipo, yo me mandé a hacer una guitarra con Mario Nava que me pudiera dar feeling y potencia en la onda vintage; mi hermano tiene un bajo Fender Squire indonés y en la batería mi primo ya trae una Pearl, dejamos la Power Beat con la que arrancamos. En vivo, hemos aprendido a micro-fonear los amplis, y yo a nivel vocal tengo más noción de cuándo atacar el micro, cuándo alejarme para hacer algo muy melódico o rasposo, dominar las distancias entre mi voz y el micro. Los tres somos matemáticos de profesión –mi hermano y primo aún por titularse-, crecimos en familia de músicos aficionados y de bohemia, somos autodidactas y por eso cantamos lo que nos pasa, sin otra pretensión”.

Xochihua,sexadelia y rocanrol

XOCHIHUA - SEXADELIA SE DEJA SENTIR CON:Batería: Pearl Custom (5 piezas de maple)Bombo 22”x18”, tarola 14”x5.5”, toms (12”x9”, 13”x10”, 16”x16”)Platillos: Zildjian Serie Constatinopla y K; SabianGuitarras: Fender Stratocaster American Standard modificada con Seymour Duncan Pickups; Paul Red Smith Custom 24 de 1987 con Sweet Switch; Paul Red Smith SE Torero; Eagle modificada con pastillas JB y 59 de Seymour Duncan.Bajos: Fender Precision American Standard con pastillas EMG; Fender Squier Jaguar de 5 cuerdasAmplificadores: Marshall JCM 800 (80s) Combo 2x12; Ampeg (Head); Hartke 4x10Stompoboxes: Electro Harmonix Holy Grail Reverb, Big Muff Pi, Polly Chorus; Line 6: MM4 Modulation, DL 4 Delay; Dunlop: Cry Baby Dimebag Darrell; Lovepedal: Leslius (de boutique); Boss: Distortion DS1; Digitech: Whammy; E-Bow; Pro Co Rat y SansAmp Tech 21 Classic.Microfonía: Audio Technica Artist Series ATM 450; AKG Perception y AKG D112; Shure: Beta 52A, SM57, SM57 Beta, SM58 Beta; Heil PR 48, PR 28 Plug ins: Avid Eleven, McDsp Revolver Convolution Reverb, EQ. 4030, Filterbank, Channel G; Mastering: 4040 Retro Limiter, ML 4000, MC 2000; Waves: Signature Series: Maserati, Manny Marroquin, Eddie Kramer, Chris Lord Alge, Jack Joseph Puig, Waves Horizon Bundle, Waves Studio Classics Collection, Tape Tube & Transistors, One Knob Series, GTR Waves.

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Por Víctor Baldovinos Facebook: VictorBaldovinos

Entrevistas

Larry Braggs, maestro vocal en el Festival Tónica

Los aliados vocales de Larry Micrófono: SeenheiserEvolution SKM 565 G2.

Monitores personales: Alien Ears.

A la Perla de Occidente. Larry Braggs será el maestro de voz en el Seminario Internacional de Jazz a celebrarse en el Instituto Cultural Cabañas de Guadalajara del 6 al 13 de julio. El popular vocalista fue la voz principal de Tower of Power (de 1999 a 2003) y ha compartido escenario con Stevie Ray Vaughan y Lenny Kravitz, además de ser el líder del Coro Vesper, con quienes cantó en la inauguración del edifi cio de la ONU Viena y frente a varias cortes europeas.

Larry es graduado por la Universidad de Arkansas en Pine Bluffs. “Pienso en las cosas que hice ahí y las mentes brillantes que estuvieron conmigo”, refl exionó en exclusiva unos días antes de su llegada a Jalisco; “Los que me ayudaron a ser la persona que soy ahora, el entrenamiento que tuve para ser un buen ciudadano y profesional en lo que hago. Hoy trato de transmitir esto a la siguiente generación: sé lo mejor que puedas, el mejor profesionis-ta de la carrera que elegiste y asegurarte de hacer un buen esfuerzo en tu área”. Y aconseja: “nunca le permitas a nadie decir que no puedes hacer algo. Son las cosas que trato de recordar y sigo adelante con ellas”.

Sobre sus clases en el Festival Tónica, adelantó: “serán sobre la improvisación y cantar acompañado de un grupo, aumentar las habilidades vocales sobre el escenario, la forma de cantar con otros intérpretes y verse profesional cuando estás actuando”.

La improvisación es un tema importante para los vocalistas. “Con la música puede suceder cualquier cosa. Los ins-trumentos se pueden romper o las luces apagarse. Así que, como cantante, siempre debes estar escuchando y listo para moverte a la siguiente posición. No solamente debes decir: ‘muy bien, así está perfecto’. Debes interactuar con el público, ver si un tema no está funcio-nando; lo que te lleva en otra dirección. Para un cantante, la improvisación se presenta de diferentes maneras”.

Se trata de ser un front man que aliente al respetable. “Si no están de buen humor, debes darle un giro a la multitud; debes

llevarlos por un viaje, a un paseo y ser ca-paz de darles algo que los lleve al clímax; algo que vocalmente pueda moverlos a donde tu quieres”.

En ocasiones funciona, en otras no, admite el autor de My Time: “por eso, como cantante debes pensar rápido, mantenerte en ambiente y siempre dirigir la banda hacia donde ellos necesitan ir porque si la banda se sale de contexto (por decir algo), hay que traerla de regreso a donde deben. Los cantantes tenemos que ser una especie de director de orquesta. Debes ser capaz de pensar rápido. Por eso, como vocalista es tan importante saber improvisar, eso te ayuda como músico porque tu voz es lo único que tienes: no tocas un instrumento, estás cantando”.

Muchos pueden cantar pero no todos entretener“(En Guadalajara) voy a mostrarles la ma-nera de conducirse sobre un escenario, en vivo, cuál es la diferencia a cuando estás en el estudio; cómo obtener lo máximo posible de tu voz cuando estás actuando y cómo ser más grande; esto va hacerte mejor que un vocalista que simplemente está sentado en el estu-dio. Lo que haremos será descubrir caminos para mejorar el desempeño como cantante. No trataré de ense-ñarles a cantar; pero les mostraré cómo ser mejores intérpretes”.

Vocalizar antes del show. “Es una decisión personal”, admite; “ya sabes: mucha gente tiene técnicas diferentes. Esto funciona indivi-dualmente. Para mí, por el hecho de cantar tanto en giras (cerca de 200 conciertos al año) lo que me benefi cia es descansar la voz antes

de la función. Otros intérpretes calientan en el back stage 15 ó 20 minutos antes de subir. Así que, depende de lo que funciona para ti: tu organismo y también psicológicamente, la rutina que practi-ques antes de subir al escenario”.

Cuidado con la voz. “Además de des-cansar, sobre el escenario bebo una gran cantidad de agua helada porque me gusta refrescar mis cuerdas vocales mien-tras actúo; pero fuera de los escenarios, trato de no forzar la garganta. En lugar de hacer muchos ejercicios, prefi ero dejar la voz en paz porque canto tan fuerte y con tanto poder, que para mi resulta mejor no hacer nada y tomar agua bien fría”.

My Time, su primer álbum después de Tower of Power. “Me gustaría que todos conozcan mi nuevo CD, que aparecerá durante este verano”, invita el cantante: “acabo de terminarlo, junto con David Sanborn y el baterista Danny Seraphine (Chicago). Los invito a visitar mi página web (www.larrybraggsmusic.com) para que ordenen ya una copia. Voy au-tografi ar personalmente cada una, antes de mandárselas a casa”, prometió Larry.

Y, mientras tanto, nos vemos en Guadalajara.

@soypopesponjaPor Alejandro González Castillo

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Su nombre es Atto, e inició su andar musical con Raxas

cuando aún era adolescente. Luego formaría parte de Los Concorde y Los Flash Tacos, además de liderar Atto & The Majestics. Hoy día presenta Soy tractor/ 24 cuadros, un álbum cuya cara A asolea el mundo personal del autor mientras el rostro B opera como el soundtrack de una película inexistente.

¿Cuál fue el primer instrumento al quete acercaste?“Empecé con la batería desde pequeño, pero la dejé porque lo que quería era componer canciones. Tomé clases de piano, guitarra y bajo en mi adolescencia y luego me fui a Los Àngeles al Musicians Institute of Technology y de ahí me mudé a Berkley. Cada quien se clava en lo que le importa más; algunos se dedican a las redes sociales, otros a ejecutar excelente, unos más a verse bien sobre el escenario y así. Lo más

importante para mí es hacer buenas canciones”. Cuenta de tu nuevo disco, del lado A.“Lo produje con Sacha Triujeque. Para mí, lo más importante de una grabación es la base rítmica, la batería y el bajo marcan la diferencia entre una grabación mediocre y una de primer mundo; y eso lo hace muy bien Sacha, registra una base buenísima para construirle encima lo que uno quiera. En cuanto a instrumentación, básicamente me aventé todo el disco yo; bajos, guitarras, pianos, sintes, marimbas, clavicordios, cuerdas y programación de batería. El resto lo hicieron músicos de estudio; como trompeta, sax y batería. Es un disco más confesional. Defi nitivamente. Mis trabajos previos solían hablar de personajes, de fi estas; pero ahora las letras retratan de una parte mía que estaba escondida, íntima. Me eché un clavado a mi interior”.

¿Qué hay del lado B?“Estoy enamorado del cine e hice un experimento cinemático; creé un soundtrack para una película que no existe, que yo me fui imaginando. El lado B es instrumental, y esto me permitió experimentar muchos sonidos sin estar atado a las estructuras de la música pop”.

¿Qué es lo que máste enorgullecede este álbum?“El hecho de que a nivel armónico subí un peldaño. Muy inspirado en lo que hizo Queen en A night at the opera, quise hacer una canción armónicamente similar a la de los ingleses, tomando en cuenta la distancia que nos separa. Así nació “Te perdí”, donde usé todos los recursos armónicos que he aprendido durante toda mi vida para modular, cambiar el ritmo y hacer melodías contrapuestas. Es un tema lleno de disminuidos, aumentados y sietes; de pronto paso de una tonalidad a otra. Además, es la primera canción que compongo

con dos puentes. Esto es padre, porque cuando la montaba con mi tecladista nos reíamos, pues pasábamos de una escala mayor a otra menor. Digamos que puse todo mi conocimiento en una sola rola”.

Aprendiste muchode tu propia voztrabajando así. “Así fue. Como vocalista gozo de doblar los tracks, uso mucho ese recurso. He descubierto que me gusta mi voz. Bueno, más o menos; a veces sí y a veces no, siempre he tenido dudas con mi voz”. ¿Y cómo harás para reproducir todo estoen directo?“No tengo doce brazos, así que para presentar en vivo el disco estoy planeando hacer un acto dividido en dos partes. Una donde toco el piano acompa-ñado de trombón, sax y cello; y otra que se constituye con la presencia de Los Majestics, para ejecutar juntos lo más rocanrole-ro y prendido del repertorio”.

ATTO USA:Guitarra: Fender Stratocaster

y Les Paul CustomBajo: Yamaha (cinco cuerdas)

Batería: DWTeclados: Mini Korg y M-Audio

conectados a ReasonAmplifi cadores: Marshall JCM

900, Fender De Ville, Twin Reverb y Ampeg STV 4

Micrófonos: Shure SM57 y SM58

Atto. Cinematografía introspectiva

@soypopesponja

Cinematografía introspectiva

P A L A B R A S M Á S P A L A B R A S M E N O S

Por Alejandro González Castillo

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TODD CLOUSER

“T engo doce años con mi Gibson ES 335. Mi papá

me la regaló y la cuido mucho. Me encanta su color, azul”. Así habla de su guitarra Todd Clouser, líder de A Love Electric, mientras la afi na. Luego, responde las nueve preguntas de Distor.

¿Escuela de música o escuela de la vida? “Vida. Porque para mí la música se transmite comunicando experiencias de la vida real; no algo que se aprende en un salón. Eso busco yo, platicar con la gente, escuchar su verdad a través de la música. Claro que me gustó ir la escuela, estudié un poco para contar con ciertas herramientas, pero luego decidí tocar con mucha gente y viajar. Y así aprendí más”.

¿Recuerdas cuál fue la primera canción que escribiste? “Tenía como doce años, estaba aburrido en clase de Ciencias

y escribí un poema al que

luego le puse música. Fue un

ejercicio interesante llamado “Need to fl y”,

un título acorde para un niño de esa edad”.

¿Existe alguna composición

que te gustaría robar? “Uh. Con todo respeto hacia la propiedad intelectual, sí me gustaría. Se me ocurre una

de Tom Waits, “Hold on”; y muchas de Bob Dylan, como

“Visions of Johanna”. Aunque pienso que si alguien más cantara esas canciones, éstas perderían fuerza”. ¿Alguna vez has extraviado un instrumento? “He tenido buena suerte, pero una vez me robaron. En Iowa, tras un concierto, alguien se llevó mi , y traía pedales únicos, raros. Supongo que fue alguien de otra banda”.

¿Existe algún instrumento que te gustaría aprender a tocar? “El contrabajo. Me gusta su cuerpo, su rudeza, y a veces juego con él, pero me parece un instrumento complicado”. ¿Miras con recelo a algún tipo de músico en especial?“Respeto a todos siempre y cuando exista honestidad en sus corazones. Yo hago música para relacionarme, para entenderme. Entonces me molesta cuando alguien está mintiendo. Todos tenemos que ganar dinero, eso lo entiendo, pero jamás hay que extraviar esa sensación de querer compartir la música con la gente, nuestra responsabilidad de ser honestos al dar algo en la vida. Afortunadamente es fácil localizar cuando alguien miente. En el arte no existen falsedades”. ¿Cuál es la parte más complicada de tu labor como músico? “Es duro mantener la perspectiva de un niño al momento de hacer música. No pensar en el dinero, sino dedicarse a trabajar con amor. No pensar en la moda, en el mercado. Deshacerse de aspectos falsos, que distraen, como la fama, por ejemplo. Hacer de lado todo eso. Hay que ser inocente, pero sin que esto signifi que comportarse inmaduramente”. ¿Cuál es tu instrumento favorito? “Depende qué tipo de música vaya a hacer. Pero el piano es muy bonito para componer y también para salir a escena. No lo toco del todo bien, pero puedo acompañarme de uno con efi ciencia”.

Para terminar, ensambla la agrupación de tus sueños.“Va a sonar ridículo, pero lo que actualmente hago con Hernan Hecht y Aarón Cruz es muy especial. Juntos, en A Love Electric, encontramos una vibra especial, algo difícil de encontrar. Fantaseando, pienso en músicos célebres; ¿qué pasaría si yo alguna vez tocara con Charles Mingus? Pero, ¿nos entenderíamos?”.

Producción

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[ Instrumentos ]

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Paiste PlatillosMasters SeriesCon los modelos Dark Crash y Dark Hi-Hat, se amplía la familia Masters que la marca arrancó con doce platos ride, gama que sobresale por los tonos oscuros del sonido que construyen estos platillos fabricados en aleación de cobre y estaño. La asesoría de los bateristas Gregory Hutchinson y André Ceccarelli hizo posible estas tres variantes de crash (16”, 18” y 20”) y dos contras (14” y 15”), cuyo acento tímbrico facilita explorar las dinámicas sutiles.

Yamaha de México(55) 5804 0600www.yamaha.com.mx

Dean ZelinskyGuitarra eléctrica Z-GLIDEComodidad, rapidez es lo que el diseño singular de este modelo de las encordadas Dean Z provee, al eliminar el roce del brazo con la superfi cie de la guitarra. Así el llamado Z-GLIDE brinda un cuello de fricción menos que facilita el deslizamiento de por el cuello del instrumento. Invención del fundador de la marca Dean Zelinsky , garantiza que sólo haya un porcentaje de contacto del 30 por ciento entre la mano del ejecutante y la guitarra; incluso, el Z-GLIDE fue diseñado para atrapar la humedad y el sudor.

“Este es probablemente el primer gran avance en el diseño de la guitarra en muchos años . Ninguna otra compañía ha abordado agresivamente la sensación superfi cial en los cuellos de la guitarra. Para otras empresas, satinado o cuellos sin terminar son la “solución”, así ha sido durante años ... pero nada se acerca a lo que el Z –GLIDE logra en la sensación de tocar”, afi rmó sobre su patente, el empresario. El modelo que ostenta el diseño Z-GLIDE Custom, se identifi ca como StrettaVita con pastillas DZPLG Signature Alnico Magnets y perillas para ajuste y control de Volumen/Tono/3-Way/Coil Tap. Se puede adquirir en cinco combinaciones cromáticas.

Holocausto Music(55) 5709 9046 www.holocaustomusic.com www.deanzelinsky.com

Producción

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[ Instrumentos ]

Selmer Prelude Saxofón alto AS710Indicado para subir un grado la exigencia a la que se somete el ejecutante amateur al pasar al rubro profesional, este sax favorece la proyección de los sonidos, enfatizando el tono y potencia impreso en éste. Cuerpo y llaves con lacado en oro, afinación en F# posee también un mecanismo de ajuste en C# e incluye boquilla.

Casa Veerkamp (55) 5609 3716www.veerkamp.com www.conn-selmer.com

Joyo Pedal de efecto | JF-33 Analog Delay

Para añadir ese matiz meloso y dulce del clásico efecto de retardo a los riffs, el circuito del Analog Delay de la firma asiática acentúa desde el clásico sonido de

“eco”, duplicar un acorde o dar más cuerpo y presencia a una nota.

Distribuidora Thunder | (55) 5370 1606 | www.distribuidorathunder.com | www.joyoaudio.com

CasioPiano digitalPrivia PX-130RDCon 88 teclas y polifonía de 128 tonos, posee 60 melodías e incluye metrónomo. Entrada MIDI y USB para editar y grabar composiciones propias, perfecto para las tareas de pre producción de canciones y arreglo musical.

Distribuidora Gonher (55) 9152 4600www.distribuidoragonher.comwww.casio.com

Producción

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[ Instrumentos ]

AquarianPad electroacústico | onHEAD PEDAñade expresividad a tus pads de percusión electrónica con este aditamento percutivo cuya tecnología inHEAD FSR, el sensor que captura y dispara la vibración que recibe, transformándolo en un sonido de E-Drum que no pierde naturalidad. Preferentemente, añádase en módulos de batería electrónica de Aquarian, aunque es compatible con varios de diferentes marcas.

Vari Internacional | (55) 9183 2700www.varinter.com.mx | www.aquariandrumheads.com

WashburnGuitarra eléctricaParallaxe Solar Series Disponible con seis y siete cuerdas, escala de 25.5” y el reputado estilo en puente EverTune que los ejecutantes de metal han favorecido, los modelos de esta serie de Washburn son resultado de la colaboración con el guitarrista y productor de metal, Ola Englund (Feared). Fabricada en cuerpo liso con mástil de arce y diapasón de ébano, tiene 24 trastes, pastillas Seymour Duncan SH-1 y SH-14 así como afi nadores Buzz Felten.

Distribuidora Gonher(55) 9152 4600www.distribuidoragonher.comwww.washburn.com

Shure Auriculares

aislantesSE846

Producto de equipar estos intrauriculares con cuatro microbocinas de alta defi nición

y un subwoofer, así como operar con una confi guración triple del sistema de

frecuencias, estos audífonos permiten la reproducción del sonido con una destacada

nitidez en las gamas graves de -3dB a 90Hz. Poseen cable desmontable ajustable

y es la mezcla de sus diez placas de acero inoxidable unidas con soldadura de

precisión, lo que evita la invasión de ruido externo y así mantener la claridad y el

detalle de lo que se escucha. Vienen en su estuche resistente al agua y el uso rudo.

Representaciones de Audio(55) 3300 4550www.rda.com.mx

www.shure.com.mx

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Nueva serieSonido profesional para todos

La serie Cromo de altavoces activos, está dedicado a un mercado donde se busca un sistema de audio con características profesionales con un bajo costo. Brindando un altavoz efectivo de alto desempeño y una excelente calidad sonora.

Importado y distribuido por: Representaciones de Audio.Tel. 33 00 45 50 Fax. 33 00 45 69 E-mail: db@repdeaudio.com.mx

Cromo 12Bafle auto-amplificado de 12”

• Potencia: 240+60 Watts RMS• Max SPL: 126 dB• Dispersión: 90°/70° x60°

Cromo 8Bafle auto-amplificado de 8”

• Potencia: 80+20 Watts RMS• Max SPL: 118 dB• Dispersión: 90°/70° x60°

Cromo 10Bafle auto-amplificado de 10”

• Potencia: 140 + 40 Watts RMS• Max SPL: 121 dB• Dispersión: 90°/70° x60°

La serie Cromo cuenta con la más alta tecnología en amplificación Digital Digipro® para una máxima eficiencia. Cuenta con un procesador Digital (DSP) que permite calibrar el sonido perfectamente entre sus elementos. Eficiente dispersión por medio de una trompeta asimétrica con la cual permitirá cubrir mejor sus áreas de audiencia, esto le ayudará a resolver una amplia gama de aplicaciones como sistemas de audio en vivo, refuerzos sonoros, instalaciones, sistemas portátiles, etc.

Ad-dBTech-half.indd 1 31/1/13 09:45:13

Producción [ Gadgets ]

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Pioneer Estación para mezclas RMX-100Ya sea que se le ocupe como controlador remoto táctil o creador de efectos y sampleo, esta versión de la RMX se añade a tareas de pre producción sonora y actos en vivo, al permitir usar presets personales mediante tarjeta SD, que se suman a los ya establecidos en el equipo, creados por dj’s como Chuckie, Kissy Sell Out, Kutski, James Zabiela, Doorly y Laidback Luke.

Pioneer Méxicowww.pioneer-mexico.com.mx

Roland Sintetizador de bajosTB3Heredero del modelo TB-303 que selló el beat de la música electrónica de los años ochenta, esta revitalizada herramienta integra reproducir los circuitos analógicos originales y añade controles intuitivos y pad’s sensibles, de fácil operación para la edición de las ondas de sus osciladores y filtros. Su galería comprende 134 archivos sonoros (los tonos originales del TB-303, entre ellos), cuatro nuevos osciladores, bajos procesados, leads y efectos con potenciómetros.

www.rolandus.com

BossLooper | RC-505Para cantantes, beatboxers y show en vivo, esta mesa para crear loops se maneja con las manos e incluye cinco pistas estéreo con perillas de ajuste dedicadas y faders para el volumen independientes. Ofrece 85 patrones rítmicos, 99 frases editables para ser personalizadas; control externo vía MIDI o pedales de expresión, conexión USB para importar/exportar archivos, entrada XLR para micrófono con alimentación phantom y entrada para instrumento mono/estéreo.

Casa Veerkamp | (55) 5709 3716www.veerkamp.com | www.bossus.com

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StantonAudífonos DJ Pro 3000

De diseño cerrado, plegables y giratorios, se ajustan a las orejas para aislar el sonido. Cuentan con sistema de sonido estéreo, drivers de neodimio de 50 mm para dar carácter a los bajos y respuesta de frecuencia de 20Hz a

20kHz. Ofrece conector de 1/4”, indicador del beat vía luz LED en color azul; cable y adaptador mini plug, todo en funda para su traslado y resguardo.

Representaciones de Audio (55) 3300 4550www.rda.com.mx

www.stantondj.com

Producción [ Apps ]

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AVID SCORCH Transforma tu iPhone o iPad en un atril y biblioteca virtual de partituras, editable para aprender, practicar

y tocar en vivo. Su base es el software de notación musical Sibelius con la ventaja de generar interacción en tiempo real para visualizar la partitura completa o por secciones. Precio: 26 pesos.

SHEETRACK LITEPerfecta para aprender y compartir partituras de repertorio clásico. Podría convertirse en la favorita si eres ejecutante en ciernes y/o director de orquesta. Su interfaz permite descarga y “pase de página”

veloz. También se pueden hacer anotaciones y trabajar con composiciones propias. Precio: Gratis

CLEARTUNEPor si aún no añades a tus básicos un afi nador, éste es

uno cromático para instrumentos y diapasón y así dejar a punto instrumentos de cuerda, de viento-madera y teclados. Funciones de notación y tempo seleccionable, pantalla de ajuste de tono ultrasensible de 25 centésimas, elección

de nota manual o automática. Precio: 49 pesos.

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Producción [ Home Studio ]

El BunkerFilosofía: Productor, tecladista y diseña-dor de audio, Diego Tejeida cursó estu-dios en Ingeniería y Diseño de Audio en la Universidad Point Blank London, además de producción de música contemporánea en piano en el London Centre of Contemporary Music. En adición a su faceta como productor, músico de sesión y de acompañamiento, es integrante de la agrupación inglesa de rock progresivo, Haken.

Sus inquietudes por conocer y dominar la creación de sonidos han ocupado sus energías, primero durante su estancia en Reino Unido y, ahora también en las estancias que lo traen a la Ciudad de México cuando la banda no está en gira. “Necesitaba un lugar donde poder traba-jar. El diseño, adaptación, construcción y tratamiento acústico del lugar me tomó un par de meses y parte del equipo que tengo lo fui recolectando sobre la marcha en los últimos diez años. Para afinar cosas de la construcción y tratamiento acústico tuve que invertir una fuerte porción de mis ahorros y pedir un par de préstamos para sacarlo adelante y dejar el Bunker listo para cualquier reto que pudiera presentarse”.

”Ante el reto económico para hacerme de más equipo, lo que aprendí fue a ser eficiente con equipo costeable para la “gente común”. Mucha gente, sobre todo de generaciones más jóvenes, piensa que si tienes tal sintetizador, tal consola o tal micrófono garantizará que seas bueno y no necesariamente es así. El segundo reto fue el tratamiento acústico del live room y el control room, tuve que investigar dónde conseguir foam acústico. Tengo ocho paneles difusores de madera en el control room y live room que elaboré con material

reciclado, lo mismo que el tratamiento acústico de la puerta del live room y las trampas corta bajos, para las que ocupé foam más grueso que reciclé de muebles y sillones viejos”.

En cuanto al equipo el criterio fue tener versatilidad: “Quería flexibilidad para manipular el sonido a mi gusto, ya fuera al añadir un toque moderno, vintage o experi-mental, de acuerdo a los requerimientos de la ocasión. Por eso, adquirí un equipo de grabación lo más fiel y neutral posible para después enfocarme en cómo dar carácter al sonido. Así opté por pre-amps que fueran lo más limpios, fieles y libres de artefactos posible (Mackie). Para el diseño de audio utilizo todo: tengo un par de micro amps de un watt (Fender y Marshall), excelentes

para crear ese Telephone Effect en voces y en general para crear esa vibra lo-fi, así como un pre amp vintage de bulbos sacado directa-mente de una tornamesa/

consola de los años sesenta que heredé de mis abuelos. En general el software que utilizo es una combinación de emulaciones de equipos clásicos combina-dos con plug-ins modernos”. Usos: El Bunker es multi usos. Se da ser-vicio de producción completa (grabacion, post producción, mixing y master); para grabar proyectos propios o colaboracio-nes; también funge como aula para dar clases de audio y producción.

Proyectos: Los dos bonus tracks en el álbum The Mountain de Haken (Insideout Records, Alemania) fueron post producidos y mezclados en el Bunker, así como gran parte de las grabaciones de teclados de todo el disco. Post producción de doblaje para una televisora nacional y produccion completa para bandas locales.

Lista de equipo: Computadora: Apple Macbook Pro (procesador i7 a 2.9 GHZ y 16 GB RAM) // DAW y Software: Logic Pro X; Melodyne Editor Waves, Native Instruments // Mezcladora y convertidores A/D: Mackie Onyx 1620i; M-Audio Firewire 410 // Monitores: PreSonus Eris E8 // Microfonía: AKG C1000S (x2); Shure SM57, SM58, SM7B; Behringer C-2 (x2); Samson Q Tom (x3), Q Kick; Superlux DRK-B5C2MKII Drum Microphone Kit // Hardware FX y emulación de amplificación: Avid Eleven Rack; Korg Kaoss Pad; Digitech rp200 // Backline: pianos vertical Wurlitzer Berlin Piano; sintes Korg Karma Korg, N1; controlador MIDI M Audio Oxygen 88; teclado MIDI RS MD1800; bajo Epiphone Viola Bass. Guitarras: Epiphone LPS con pastillas Seymour Duncan; Westfield b220ceq; acústica Washburn Lyon LD9; mandolina Catania Carmelo No 2. Amplificadores: Orange Tiny Terror con Orange Cab 1x12; Laney HCM60R Hardcore Max, Laney 200w Bass Combo; Ibanez IBZ10A; Marshall MS-2 Micro Amp; Fender Micro Amp.

Contacto: https://www.facebook.com/

DiegoTejeidaOfficial // Twitter: @DiegoTejeida

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Producción[ Home Studio ]

AdamMonitor de campo cercanoS1XEquipado con drivers HexaCore, tweeter X-ART y amplificadores PWM, es un altavoz de referencia compacto que entrega potencia RMS/Pico 1x200/280/1x50/100 watts, con SPL máximo de 113dB y respuesta de frecuencia de 40Hz a 50kHz.

Hi Tech Audio (55) 5709 0233www.hta-audio.com www.adam-audio.com

Steinberg Interfaz de audio USB

UR22Ultra portátil, la UR22 viene equipada con el software Cubase AI 7 y calidad de grabación de 192kHz 24 bits. Con potencia phantom, entrada y salida MIDI más una para audífonos, provee de capturas

D-pre, listas para trabajos depurados en post producción.

Yamaha de México (55) 5804 0600www.yamaha.com.mx www.steinberg.net

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Por Víctor Baldovinos Facebook/VictorBaldovinos

SIMON PHILLIPS:a la izquierda del contratiempo

“…dejé la escena pop incluso la rockeray ahora estoy tocando más jazz porquepara mi, ahí está realmente la música:es emocional, tiene pasión y es orgánica.Yo quiero esto en la música”.

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Cuando se anunció que uno de los bateristas más espectaculares en el océano del rock visitaría El Lunario de la ciudad de México para tocar con la compositora ja-ponesa Hiromi Uehara y el gran bajista Anthony Jackson, la cita con la historia quedó acordada.

Relajado y consciente del peso de sus baquetas, a Phillips se le ve en paz con el destino. Sentado en cómodo sillón, Simon dice: “empecé a tocar cuando tenía tres años y medio. Mi primera batería fue una Boosey & Hawkes Edgware color azul perla marina de cuatro piezas (bombo 20”, tarola 5 1/2x14”, toms 12 y 16”, parches cuero de vaca). Era una compañía inglesa poco conocida de aquella época, los años sesenta, y mis ídolos de entonces eran Gene Krupa, Buddy Rich, Louie Bellson y obviamente el baterista (Dave Rogers) que tocaba en la banda de papá. De hecho, él es responsable de que me volviera baterista”.

Natural. Simon comenzó a actuar profesio-nalmente a los doce años con el grupo de dixieland que desde 1925 dirigía su padre, Sid Phillips. “Crecí en una familia musi-cal; papá hizo giras por Europa en los años treinta. Mamá también era muy musical y aunque no ejercía, era buena pianista; una persona entusiasta y divertida, que le interesaban las grabaciones. Por ella, en casa teníamos dos viejas grabadoras de cinta Revox D36 porque registraba toda la música que papá hacía y fue un poco como me involucré con las sesiones y los equipos”.

Todavía adolescente, el baterista vistió las rayas blancas y rojas del dixie durante cuatro años. “Crecí tocando piezas de Benny Goodman, Artie Shaw, Bob Crosby y Stan Kenton. Luego me puse a escuchar Blood, Sweat and Tears y el primer álbum de Chicago Transit Authority, con Danny Seraphine. Todavía me gusta y son un gran fan de Danny. Ahora lo conozco y nos vemos a veces. Es muy agradable”.

A los dieciséis, Phillips fue el músico de sesión más joven de Londres. Apenas empe-zaba, cuando le ofrecieron trabajo en una prometedora comedia musical: Jesus Christ Superstar. “Y así me hice de mi primera batería profesional, una Premier Black Diamond Pearl con bombo de 20” y tom de piso 20x16”, describe.

Rápidamente la agenda se llenó. Desde Judas Priest hasta Camel, Simon nave-gó por muchos estilos pero siempre dejando la huella de su golpeo.

Sin grupo de garaje“No había nadie de mi edad con quién pudiera tocar: yo tenía doce años cuando me convertí en profesional”, Phillips mira al pasado; “estuve trabajando con adultos desde la pubertad y no había nadie de mi edad con quién tocar. De hecho, yo era muy solitario en ese aspecto porque tocaba con gente mayor. Me resultaba difícil estar en un grupo porque, desde un punto vista, no podía socializar; ni podía entrar a los pubs y muchos menos beber alcohol. Y ya sabes que en aquel entonces, si estabas en una banda, tenías que beber, especialmente en Inglaterra”.

Las juntas, en el pub. “Era como empezaban los conjuntos”, y sonríe. “Yo era muy joven y cuando empecé a grabar. Los demás músicos tenían al menos 25 y yo era el músico de sesión más joven de Londres en ese momento. No hubo nadie más chico durante un buen tiempo. En verdad me fue complicado estar en situación de integrarme a un grupo. Hice audiciones para un par de bandas y me hubieran contratado pero les preocupaba mi edad; al salir de gira a EU y pensaban que habría problemas. Fue muy extraño. Mi primer grupo de rock´n roll se llamaba Chopyn y era de una chica Ann O´Dell, quién antes tocó con Blue Mink. Ella fundó el conjunto, nos fi rmaron con Jet Records y salimos de gira con Electric Light Orchestra. Ese fue mi primer grupo”, señala el compositor.

Tama, una relación de 35 años“Comencé con ellos en 1979 y uso varias de sus baterías. Tengo unas Starclassic Maple (varias, incluso), y mi versión signature de ese modelo, con las capas de maderas maple y bubinga. También hicimos mi batería Bubinga Elite, solamente con ese tipo de madera y es la que tengo en mi casa en Chicago. Poseo una Mirage hecha de plexiglás que si bien es un gran instrumento porque suena totalmente distinto, tiene la desventaja de no sonar tan gran-diosa al grabar: El bombo es bueno pero el resto de los toms no registran y ello me restringe a usarlos para hacer sesiones; eso sí, en vivo, los toms son muy interesantes y suenan realmente bien”.

Durante su fructífera carrera, Simon ha estado grabando, viajando mucho y haciendo DVDs instruccionales pero se ha dado el tiempo para diseñar algunos tambores de apellido Tama. “La primera tarola signature fue la Gladiator. De hecho, cuando comenzamos a diseñar tarolas en 1994, la idea original era muy diferente. La Gladiator se iba a hacer de maple sólido con medida de 6 1/2x14”, con lugs separados. Estaba basada en la antigua tarola Leedy modelo 1939 que yo tenía”.

StarclassicStarclassic (varias, incluso), y mi versión (varias, incluso), y mi versión

de ese modelo, con las capas de de ese modelo, con las capas de . También hicimos . También hicimos

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diosa al grabar: El bombo es bueno no registran

y ello me restringe a usarlos para hacer y ello me restringe a usarlos para hacer sesiones; eso sí, en vivo, los toms son muy sesiones; eso sí, en vivo, los toms son muy interesantes y suenan realmente bien”.

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Central

Se realizaron algunos prototipos. “Pero sim-plemente no pudieron fabricar Gladiators de maple sólido en serie”, lamenta el británico, “así que: dejamos la idea por un tiempo. Entre tanto, los técnicos de Tama construyeron una tarola de 5 1/2x14” con vaso de bronce (modelo PB-365) y comencé a usarla. Fue el primer tambor de metal que utilicé y lo hice durante años. La adoraba, absolutamente, les dije: ‘¿saben qué? Vamos a cambiar esto: vamos hacer la Gladiator con vaso de metal; pero además les especifi qué que debería ser fabricada con cuerpo de bronce niquelado y hardware color plata. Y eso fue todo. Eso es la Gladiator”.

No pasó mucho tiempo antes de que el virtuoso diseñara su siguiente tarola. “Pensé que la próxima debería ser de madera”, refl exiona; “quería hacer una mezcla de pliegues maple y bubinga. Tama ya había construido tarolas utilizando bubinga y birch; pero nunca habían combinado maple y bubinga. Entonces, les pedí: ‘regresemos al diseño original de 6 1/2x14”, con 8 lugs do-bles pero vamos hacerla con un compuesto de pliegues de maple y bubinga, con bordes planos y una ligera inclinación en el fi lo, muy discreta. Sólo para que las baquetas duren más’. De otro modo, la gente iba estar

rompiendo baquetas por todos lados. Y esto hizo una diferencia en el sonido. Esa tarola se convirtió en la Monarch”.

Llegó la Pageant. “Es el mismo vaso maple-bubinga con 5 1/2” de profundidad”, ana-liza Simon, “pero de 12” de diámetro con tensores die cast. Posteriormente, apareció una segunda versión de la tarola Monarch porque los técnicos me enviaron un prototipo armado con lugs sencillos y sonaba realmen-te bien, muy diferente a la de lugs largos de doble entrada. Entonces, tuve que decirles: ‘¡vamos a meterla a producción también! Tiene un tono diferente pero es del mismo color que mi batería Tama Bubinga Elite signature. Es la tarola que le queda y acor-damos que se llamaría Monarch signature”.

Con tacto al cuero. “Realmente nunca cambio de parches entre estudio y en vivo: uso los mismos Remo Ambassador Clear para gira y para grabar. El mismo tipo, en todos los tam-bores menos en la tarola”, precisa el experto, “en ésta tengo Ambassador Coated”.

Círculo exclusivoZildjian, el fabricante árabe de platillos, notó su talento hace siete lustros. “Casi al

“Absolutamente maravilloso.Adoro venir a la ciudadde México”.El capitán Phillipsvolvió a casa.

con 5 1/2” de profundidad”, ana-liza Simon, “pero de 12” de diámetro con

. Posteriormente, apareció Monarch

porque los técnicos me enviaron un prototipo sencillos y sonaba realmen-

largos de doble entrada. Entonces, tuve que decirles: ‘¡vamos a meterla a producción también!Tiene un tono diferente pero es del mismo

Elite. Es la tarola que le queda y acor-

”.

Con tacto al cuero. “Realmente nunca cambio

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Platillos: Zildjian.• (01) A Custom Ride 22”.

• (01) A Oriental China Trash 22”.• (01) A Oriental Classic China 20”.

• (01) Sound Lab Proto Type Crash 19”.• (01) Sound Lab Proto Type Crash 18”.

• (01) Sound Lab Proto Type Crash 17”.• (01) A Custom Crash 17”.

• (01) Sound Lab Proto Type Hi Hat 14”.• (01) A Custom Splash 12”.

Parches: Remo.• (13) Ambassador Clear (bombos, toms y octabanes).

• (04) Ambassador Coated (tarolas).• (01) Timpani Drumhead (gong bass).

• Baquetas: Pro Mark 707 signature.• Will Kennedy 5-A.

Microfonía: Shure.

EL SET COMPLETOBatería: Tama Bubinga Elite.

• (02) Bombo 15x24”.• (01) Tarola Gladiator 5 1/2x14”• (1mm bronze black nickel plated).

• (01) Tarola Monarch 6 1/2x14”• (3 maple / 3 bubinga / 2 maple).

• (01) Tarola Pageant 5 1/2x12” (7 maple).• (01) Tarola SP1465HASimon Phillips Anniversary

6 1/2x14” (2 maple / 3 bubinga / 2 maple).• (01) Tom 7x10”.

• (01) Tom 9x12”.• (01) Tom 10x13”.

• (01) Tom 11x14”.• (01) Tom de piso 12x15”.

• (01) Tom de piso 13x16”.• (01) Tom de piso 14x18”.

• (04) Octaban 443,472, 536 y 600mm.

• (01) Gong Bass Drum 14x20”.

• (3 maple / 3 bubinga / 2 maple).• (01) Tarola Pageant 5 1/2x12” (7 maple).

6 1/2x14” (2 maple / 3 bubinga / 2 maple).

• (01) Tom de piso 12x15”.• (01) Tom de piso 13x16”.

• (01) Tom de piso 14x18”.• (04) Octaban 443,

472, 536 y 600mm.• (01) Gong Bass Drum 14x20”.

• (01) A Custom Ride 22”.

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COMPLETO

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“…grabar se ha vuelto mucho más mecánico. No sólo hablo del ritmo y el tempo: también musicalmente, con la utilización del melodine. Todas las voces me suenan mal”, se pone severo; “me cansa tanto todo ese melodine, el sonido del afinador que actualmente se ha generalizado tanto. Se ha vuelto tan popular, que la gente aprende a cantar así. Es una locura”.

EN LA AGENDA. LAS COLABORACIONESHiromi Uehara.

Trilok Gurtu.David Gilmour.

Mike Rutherford.Mike Oldfield.Jon Anderson.

Trevor Rabin.Jeff Beck.

Joe Satriani.Jack Bruce.

Michael Shenker.Derek Sherinian.

Russ Balard.Phil Manzanera.Duncan Browne.Tears for Fears.

Big Country.Judas Priest.

The Who.

Maxus.Camel.Ph.D.801.Toto.Toya.

Disney.

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mismo tiempo (que Tama)”, expone el maes-tro, “pero en realidad, Zildjian no le apuesta a los diseños hechos por bateristas: lo que hacen, es que le dan entrada a las ideas de los músicos, para posteriormente construir los platillos a partir de ellas. Sin embargo, les pedí construir un juego de platillos. Este de aquí es mi set personal (basados en la Armand Series). La mayoría fueron hechos con aleaciones custom y algunos son proto-tipos”, asegura.

“Y son más grandes, de manera que el de 22” es como un Armand ride”, dice marcando distancia, “pero mi A Custom ride es un poco más pesado, casi todos y son muy buenos. Luego me consiguieron unos crashes prototipo Sound Lab de 17 y 18”. El platillo de 19” es omo un Avedis Zildjian; pero más delgado”, repasa la configuración; “el splash es un A Custom de 12” y el china es un A Oriental Trash edición especial, inspirado en el Avedis Zildjian Knocker, que nada más él sólo pesa casi 4.5 kilos. Es muy grueso y estuvo basado en un platillo Swish Knocker 1979 que tuve, el cual no fueron capaces de recrear, pero se esmeraron mucho para poderlo hacer. Los platillos de contratiempo también son prototipos serie Sound Lab, de 14”.De buena raíz. “Las baquetas con punta de madera hacen sonar al platillo de ride mucho mejor. No me gusta con punta de nylon”, considera el cesionista, “de hecho, ya llevo 32 años con baquetas Promark y uso dos modelos: mi propia 707 signature, y para tocar jazz o straight ahead, tengo la vieja modelo Will Kennedy que es parecida a una 5-A, del mismo largo y ancho pero la punta es diferente. Mi 707 signature es redonda, de modo que suena muy bien en los tambores pero no lo hace tanto en el ride. Es demasiado pesada”, reconoce.

Sonorizar, la cerezaOtro factor determinante del éxito, fue su conocimiento sobre microfonía, de la mano de Shure. “Para los platillos, tengo de overheads micrófonos KSM-27”, anota el también productor; “en el hi hat instalo un KSM 141 y para la tarola uso SM-57. En los toms aplico los KSM-181, que es un micrófono de condensador al que le puedes cambiar la cápsula y viene con cuatro dife-rentes: cardioide, híper cardioide, figura de ocho y omni direccional. Yo tengo el clásico patrón cardioide, la más común”.

Para cualquier ocasión. “En los dos bombos tenemos micrófonos Beta B52 modificados”, ilustra el creador de Protocolo; “son como los 52 normales, pero esos entran en un clip que se atornilla al stand, lo cual no es muy bueno porque después de instalarlos en éste, metal contra metal, la mitad del sonido provendrá de la base, del suelo y tengo

que poner la base del micrófono sobre hule espuma. Por ello solicité a los técnicos de Shure que le hicieran una entrada redonda con rosca, pusieran el jack XLR a un lado del perno y, con un poco de suerte, podríamos fijarlos a un clip AKG SA-40 para montarlos directamente al bombo. Ahora, ya cumplí 20 años de estar con Shure”, se alegra.

Revolucionar con músicaLos estilos que Phillips ha interpretado nunca fueron los mismos. “La música ha cambiado muchas, muchas veces”, relata el autor de V8; “tú sabes, la estructura básica de los acordes, la armonía, eso realmente no ha cambiado: simplemente es la forma en la que es usada. Lo que digo es que la música pop si ha cambiado y de verdad que yo vi el principio de ese cam-bio. Yo estuve en los estudios a la mitad de los años setenta y tuvimos que empezar a tocar siguiendo un clic. Cuando empecé a hacer sesiones, nunca tuvimos eso: simplemente tocá-bamos. Y esto pasó a lo largo de esa década, incluso en los años ochenta sólo en la música pop; no con el rock”, argumenta.

Abordaje digital. “El pop empezaba hacerse con un clic y las secuencias comenzaban aparecer”, Simon hace una pausa, “ac-tualmente, cada beat de la música pop es tan metronómico, ya sabes: todo mundo se encuentra atado al Pro Tools y los pro-cesadores; por eso digo que grabar se ha vuelto mucho más mecánico. No sólo hablo del ritmo y el tempo: también musicalmente con la utilización del melodine. Todas las voces me suenan mal. Me cansa tanto todo ese melodine, el sonido del afinador que actualmente se ha generalizado tanto. Se ha vuelto tan popular, que la gente aprende a cantar así. Es una locura”.

SIMÓN DICE.SUS GRABACIONES

ESCOGIDAS• Spectrum. “Por Billy Cobham, mi ídolo”.

• There and Back.“Jeff Beck, el mejor con Ken Scott”.

• Sin after Sin. “Judas Priest, el álbum”.

• Single Factor. “Camel, en estudios Abbey Road”.

• Tommy.“The Who, la gira de 1989 por el 25 Aniversario”.

• Hold the Line. “Mis 21 años de estar en Toto”.

• Buddy Rich Big Band.“La grabación: nunca toqué en alguno de los conciertos; sólo el disco y fue muy divertido”.

• Bombo con parche cerrado.“Amo a Tony Williams; otro de mis ídolos”.

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Central

No comparte. “En los últimos años, como que dejé la escena pop incluso la rockera (abandonó Toto en enero de 2014) y ahora estoy tocando más jazz porque para mi ahí está realmente la música: es emocional, tiene pasión y es orgánica. Yo quiero esto en la música. Crecí con eso y también crecí tocando jazz. Mucha gente piensa en mi como un baterista de rock y en especial ahora que estoy tocando jazz con Hiromi, muchos críticos de jazz piensan en mi como un rockero. Supuestamente, es todo lo que saben de mí pero no: yo empecé siendo un baterista de jazz. De hecho, siendo un baterista de dixieland”, concluye Simon Phillips.

Siempre amable. El baterista se despide de nosotros, sale del camerino rumbo al soundcheck en el Lunario y atiende a las indicaciones del ingeniero de sonido. Horas más tarde, el trío de virtuosos subió al tablado del Campo Marte, con la misión de cautivar a los mexicanos con una vertiginosa interpretación de new age-jazz original. A sus pies, el respetable quedó hechizado después de hora y media de concierto. Hay Simon para rato.

• Protocol (1988).• Force Majeure (1992).• Symbiosis (1995).• Another Lifetime (1997).

• Out of the Blue (1999).• Vantage Point (2000).• Protocol II (2013).

DISCOGRAFÍA EN SOLITARIO

Simon para rato. (1997).

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Festivales

Por Víctor BaldovinosFacebook/VíctorBaldovinos

Festival Balagan 2014:Baile en la ruta del Corasón

La joya de la vida. Regresó el ambiente del circo pueblerino (balagan) y las ca-ravanas ambulantes. Este festival se ha convertido en una tradición errante que recibe a los seguidores de la música del Este de Europa, el estilo klezmer y las nuevas propuestas urbanas del punk o la escena electrónica.

La tercera edición del Balagan Fest se llevó a cabo en El Plaza Condesa de la capital del país y fue estelariza-da por el fenómeno gypsy punk de los neoyorkinos Golem; las electro delicias del Slavic Soul Party! y desde Oaxaca llegó la Orquesta Pasatono, representando a la cultura nacional con una orquesta mixteca del Siglo XXI. La cumbre balagan del Plaza también fue aprovechada para anunciar la transformación de Discos Corasón en una empresa fonográfi ca virtual, cuyo catálogo estará a disposición del

público en cualquier parte del mundo y a todo color. Unos días antes del di-vertido banquete, nos reunimos con sus protagonistas Mary Farquharson, directiva del sello grabador, la compo-sitora Annette Ezekiel (acordeón en Golem), el trombonista Matt Moran (Slavic Soul Party! Sound System) y Rubén Luengas (bajo quinto y director) de la Orquesta Pasatono, con quienes conversamos sobre el intermi-nable andar del ser y la música.

En los primeros compases, la Orquesta Pasatono se gana a la concurrencia con mixteca alegría. Slavic Soul Party! Sound System pone caliente la pista, gracias a su dance balcanizado y el broche de oro lo brinda la gentil mons-truosidad de Golem, con sus éxitos My Horse (composición que habla sobre los horrores del campo de con-centración durante la Segunda Guerra Mundial), Mikveh Bath (de mucha vibra dub) y Vodka is Poison, saludable.

El público lo pideMonstruo popular. En vista del sonado éxito durante la edición 2013, Golem, el grupo neoyorkino de gypsy punk, volvió a programarse para la fi esta del Plaza. “Nuestro espectáculo ofrece principal-mente temas de nuestro nuevo CD, Tanz (¡Baila!), que está siendo editado por Discos Corasón, lo que nos tiene muy emocionados”, adelantó Annette Ezekiel, compositora del sexteto; “además, tocare-mos algunas de nuestras viejas canciones, de los discos que la gente ya conoce”.

Tanz apareció mundialmente a fi nales de abril, lanzado en exclusiva por Discos Corasón, a diferencia de sus dos entregas anteriores, comercializa-das por Jdub Records; la disquera independiente de Patti Smith. El cambio de casa grabadora se debió a que Ezekiel y los muchachos buscaban promoverse fuera del mundo de la música judía, lo que refl eja su buena aceptación en México.

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Festivales

El viaje de seis. “La principal difi cultad para promovernos en vivo es fi nanciera”, admite Annette; “porque es muy caro para nosotros ir a cualquier lado o hacer que la gente nos llame para dar conciertos”, reconoce; “es duro para ellos pues requiere de un gran compromiso fi nanciero, de manera que estamos muy agradecidos con el Festival Balagan por traernos de nuevo este año”.

Estructura composicional en buenos términos. “Para la música, usualmente yo llego al ensayo con las bases del arreglo y enton-ces, cada integrante del grupo introduce y escribe su propia parte; en otros casos, voy con la idea de una melodía original y luego desarrollamos la estructura juntos, en la ban-da; es un proceso de mucha colaboración.”

Teclado custom. “Mi acordeón lo ensambló un lutier alemán que vive en Nueva York”, destacó la ejecutante; “lo hizo con mis especifi caciones de fábrica porque ha sido muy difícil para mi, como acordeonista en un grupo de rock, encontrar el sistema de micro-foneo correcto pues los demás instrumentos están a tan alto volumen, que yo siempre retroalimentaba. Ahora tengo un micrófono dinámico en el interior del acordeón y toco por medio de un amplifi cador porque me gusta la distorsión, más que el sonido limpio y puro del acordeón tradicional”.

Klezmer funkSlavic Soul Party! es un combo de músicos que interpretan ritmos balcánicos, jazz y gós-pel. De las entrañas de su original propuesta, detalla Matt Moran (trombonista y director): “Lo que hacemos es una combinación de músicos en vivo, tocando junto con un DJ. No somos un grupo de balkan tradicional: venimos de Nueva York y fuimos inspirados por la música balcánica, pero cambiamos el estilo con otros elementos, desde adentro más que poner algo encima de él”.

Con fi losofía. “Nuestro DJ se llama Curtis Hasselbring y hace tiempo fue integrante de la banda”, subraya el trombonista; “él co-noce nuestras ideas sobre este tipo de música y con él transformamos nuestro sonido acús-tico en uno electrónico pero desde la raíz, en vez de agregar por encima los ritmos que hoy se tocan. Curtis comienza por escuchar la pieza original y piensa en qué aspectos de la composición va modifi car para que ésta evolucione de distinta forma. Por eso Slavic Soul Party! sacó un CD remix del que Curt hizo cuatro de las mezclas”.

“Rumenka”, uno de los remixes. “En ella, puedes escuchar cómo utiliza las melodías originales de la trompeta, para repetirlas una y otra vez. Curt escucha lo mejor de cada composición para hacerte sentir como

Festivales

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Festivales

si miraras un caleidoscopio, donde las mismas piezas se mantienen girando y producen un ritmo de fondo, sobre lo que agrega nuevos elementos”.

Desde antes. “Lo que me gusta de trabajar con Curt es que realmente es-cucha las emociones de la grabación original y luego, le brinda a la música otra perspectiva pero manteniendo una conexión con el tema principal, cosa que considero muy afortunada. En el Balagan Fest haremos una gran fi esta”.

Gitanos en el IstmoEs poco sabido. “Hoy en día, en Oaxaca hay una comunidad de gente romaní”, ilustra Rubén Luengas (bajo quinto y Director) de Pasatono: “es probable que en su andar por todo el estado se haya quedado algo de su música por ahí y más en la cultura mixteca, de donde provengo y en la que absorbemos muchas cosas. En los años veinte llegó el jazz, el banjo con el dixieland y nos lo apropiamos. Se tocaba swing, one step y el charleston. De repente, todo esto le dio mucha riqueza a nuestra historia cultural”.

Pasatono es recreación de las orquestas a principios del siglo XX. “Tuvieron gran auge en la región mixteca hasta los años sesenta”, y expone la dotación;

“estaban formadas por cuerdas frota-das (violines, chelo, contrabajo), cuer-das pulsadas (bajo quinto, jarana mixteca), alientos de madera (clarinete, fl auta), alientos de metal (trompeta, ba-rítono bombardino) y percusiones (set de batería, bombo, tambora, platillos, tarola y timbal danzonero). Nosotros somos nueve músicos”.

Originario de Tezoatlán de Seguro y Luna, Rubén nos habló sobre el bajo quinto. “Es como el bajo sexto, pero una versión más antigua y de cinco órdenes de cuerda, las tres primeras son dobles y las dos últimas (cuarta y quinta), sencillas. Esto hace al bajo quinto ser como dos instrumentos porque arriba tiene el bajo y abajo, la guitarra: llena mucho, complementa el acompañamiento armónico y hace contrapuntos en la música. Es el instru-mento clásico tradicional de la mixteca baja, de donde soy. Por desgracia, poca gente lo toca y casi nadie lo construye pero es un instrumento con posibilidades muy ricas, como solista, con acompañamiento de violín o en ensamble orquestal”.

En el Balagan Fest, repertorio festivo. “Presentaremos música de nuestro nue-vo disco Maroma pero también habrá piezas que venimos tocando desde

hace 16 años. Todo orientado a en-contrar puntos en común con las otras bandas porque hay células rítmicas que nos enlazan; historias musicales que nos juntan: el circo, el clown, el payaso mexicano y el malabarista. Estará la “Obertura Maromera”, que es el tema del disco pero que también vamos tocar un paso doble, asociado con la música de salón. O un danzón porque tiene células rítmicas de origen africa-no que están emparentadas con los estilos balcánicos”, concluye sonriendo Rubén, y además remata: “de repente, se vuelven puntos de comunicación. Ya escucharán un “danzón balcaneado”.

La hipótesis se cumple. Al cierre del festival las bandas convocadas confl u-yen la rítmica del tema que hermanó a músicos y concurrencia en suelo nacional al clamor unísono de “no soy jaranero, soy un cenzontle, yo soy maromero” que la Orquesta Pasatono ofreció a manera de regalo sorpresa para la audiencia.

La noche, copiosa en lluvia, cayó en el Plaza Condesa. Los cientos de entusiastas del klezmer que vibraron y armaron baile se retiran.

La caravana llegó e incluyó circo.¡Pura vida!

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Industria [ En Armonía ]

Por Sandra Romo* @figmx

Fisioterapeuta Cadenista especialista en Músicos, co fundadora de FiG health sandraromo@figmx.com // www.figmx.com

El cerebro de los músicosD urante la formación musical se desarrollan habilidades cog-

nitivas, perceptuales y motoras orquestadas por el cerebro, logrando inmensas conexiones nerviosas, por lo que no es extraño que una educación musical bien guiada tenga un impacto positivo en programas escolares, terapéuticos y sociales reforzando la llamada inteligencia musical, útil para todos los seres humanos.

Muchas investigaciones científicas respaldan que existen diferen-cias anatómicas y fisiológicas entre el cerebro de los músicos y los no músicos. La lectura a primera vista, por ejemplo, es una tarea que depende de la rápida integración multimodal de la informa-ción sensorial y se ha visto que aumenta la materia gris de las zonas involucradas del cerebro de músicos profesionales en comparación con los músicos aficionados. Otro ejemplo es el del cuerpo callo-so, que es más grueso y está más desarrollado en los músicos que en otras personas; esto comprueba que la música incrementa las cone-xiones neuronales y estimula tanto el aprendizaje como la creatividad.

El hemisferio derecho se encarga de la coordinación, percepción y memoria musical, además, controla los aspectos de la entona-ción en el canto y en personas sin conocimientos musicales, controla también la percepción musical. Por su parte, el hemisferio izquierdo se encarga de razonar el volumen y la letra musical controla casi todos los aspectos del lenguaje; así como gran parte de los musicales, tanto perceptivos como de producción. El aprendizaje de la música, se extiende a todo lo largo de la corteza cerebral.

El sistema límbico, muy relacionado con las emociones, tiene un papel significativo de los sentimientos de gratificación o frustración al percibir el sonido musical. Aunque el lóbulo temporal derecho es el encargado del procesamiento básico del sonido y de separar la armonía de otros tonos musicales, se puede establecer lo dicho por Oliver Sacks: “es un hecho que no existe un área específi-camente para la música en el cerebro humano sino más bien, la participación de una docena de redes musicales dispersas por todo el cerebro” 1

Por otro lado, durante la improvisación, disminuye la actividad de la corteza prefrontal dorsolateral del cerebro, relacionada con las acciones planificadas y de autocensura, mientras que se activan áreas muy similares a cuando se está soñando. La corteza prefrontal

medial del cerebro también se activa durante la improvisación, la cual está relacionada con la personalidad, la subjetividad y la consciencia del ser como individuo.

Crear, interpretar, ejecutar y escuchar música, activa grandes áreas del cerebro por lo que deberíamos recalcar que estudiar música es verdaderamente una actividad cerebral, o, en otras palabras, al hacer música ponemos en forma a nuestro cerebro. Es necesario tomar consciencia de que estudiar un instrumento, no es sólo prac-ticar y aprender repetidamente el mismo movimiento. Por ello, los invito a profundizar en nuevos métodos de enseñanza-aprendizaje y a explorar más la improvisación como vía para reflejar la perso-

nalidad y experimentar la libertad.

CURIOSIDADES:

• La música comparte con las matemáticas, entre otras cosas, el razonamiento abstracto por lo que se ha demostrado que

los niños con entrenamiento musical resuelven mejor los

problemas matemáticos.• La terapia musical, tanto tocar un instru-mento como escuchar música, es muy usada en enfermos y adultos mayores, al ser bené-

fica para mejorar la atención, la pérdida de

memoria, la depresión y el aislamiento.• Una de cada diez mil personas tiene una cuali-dad cerebral llamada “oído

absoluto”, que es la habilidad para identificar una nota sin ayu-

da de otra que sirva de referencia. Jimi Hendrix, conseguía aprenderse el

repertorio entero de una banda musical en una o dos horas.• Según las investigaciones realizadas por un equipo de psicólogos de Hong Kong, los niños

que reciben clases de música tienen mejor memoria verbal que aquellos que no participan de este tipo de entrenamiento.

• Se ha comprobado que debido a la gran relación que existe entre la memoria y la música, los músicos tienen menor riesgo de desarrollar deterioros mentales.

• Las alucinaciones musicales tienen su origen en un funcionamiento fallido de una red cerebral y provocan que el paciente escuche música constantemente en su mente.

Puede apreciarse más de la actividad cerebral en los músicos en este video:http://www.youtube.com/watch?v=eQGqNlevh2o

1 En el libro Musicofilia, del Dr. Oliver Sacks

El cerebro de los músicos

Grabaciones en vivo de repertorio tradicional

italiano y mexicano

www.urtextonline.com

Tenor Javier Camarena @tenorjcamarena

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Industria [ Más allá del Pentagrama ]

Por Mario Santos @marisantosmex

¿Por quéescribimosla música?

A lo largo del tiempo, la música se ha representado gráfi camente de muchas maneras. Desde aproxima-

damente el siglo IV a.C., los músicos se han planteado el problema y la solución de escribir la música con el fi n de dejar algún registro de ella. Ya escrita o representada de una manera visual, la música puede ser enseñada, aprendida y fi nalmente interpretada por más músicos.

Un poco de historiaEn muchas referencias históricas se describe, con cierta claridad, que los músicos utilizaban la escritura para aprender música a reserva de que mucha de ésta se improvisaba. En Grecia, por ejemplo, la música se interpretaba partiendo de un texto poético; se aprendían los tonos básicos de la com-posición que estaban escritos y lo demás se improvisaba de acuerdo al texto, hecho que además nos confi rma la ancestral relación entre la música y la poesía. Igualmente, atendiendo también a una paradójica y ancestral costumbre en la que un hombre compone música para una mujer que lo inspira, la composición musical más antigua que se conoce escrita es una obra compuesta en Grecia por un hombre llamado Seikilos dedicada a su esposa Euterpe, obra musical inscrita

sobre una pequeña columna de mármol en su tumba.

Epitafi o de Seikilos s.IV a.C.: La escritura musical implica un problema básico, que con-

siste en procurar que lo escrito represente lo mas fi elmente posible lo que está sonando. A través de la historia, los

músicos han inventado distintos sistemas que incluyen desde los neumas, símbolos que se escribían sobre un texto para

representar distintos sonidos que no representaban un ritmo específi co, hasta la notación actual.

Neumas, s.XIVYa para el siglo XV, la notación musical se había estandarizado

de tal forma que ya los compositores del Renacimiento y del Barroco escribían sus composiciones con un mismo sistema y mucho mas preciso, pues se indicaba en él ya no solo la altura de los sonidos, sino la duración y la métrica.

“El Arte de la Fuga” 1738-1742,Johann Sebastian BachLa escritura musical que hoy conocemos es muy precisa debido a que representa fi elmente los aspectos básicos de una composición musical. En relación a los sonidos: su altura, duración, dinámica o intensidad, carácter y articulación; además de representar con una precisión notable la métrica y el ritmo de la música.

La desafi ante actualidad En nuestros días y sobre todo debido a la industrialización de la música pop, el rock, la música electrónica y otros géneros musicales, parece comenzar a estar en cierto desuso la escritura musical. Para entender porqué esta sucediendo esto, debemos tomar un pequeño viaje al pasado.Debemos entender que durante siglos, el único medio para escuchar una obra musical fue a través de un músico y de un instrumento musical o a través de la voz humana. El músico debía cantar o tocar un instru-mento y leer música para interpretar la obra. De hecho, en las épocas de Mozart por ejemplo, el lanzamiento al mercado de una obra

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Industria[ Más allá del Pentagrama ]

musical, que sería en nuestros días el análogo lanzamiento de un disco, consistía en que el editor de las obras del compositor anunciara en cierta ciudad, la nueva sonata de Mozart para piano, estando ya a la venta en los estantes de su tienda. Así, el público corría a las tiendas a comprar la partitura, para llevarla a su casa, ponerla sobre el atril del pianoforte o clavecín de la sala, comenzar a leerla y así poder disfrutarla. Incluso debemos mencionar que al no existir fotocopiadoras, las obras orquestales se copiaban a mano, cada parte del score y cada atril. Varios biógrafos de Beethoven describen cómo el compositor alemán, andaba muy seguido corriendo terminando de componer el score, estando dos o tres copistas sentados afuera en la sala de su casa, ya ansiosos por co-menzar a copiar a mano las partes individuales para llegar a

tiempo al ensayo con la orquesta.Debemos entender también que la música clásica tenía un

carácter menos improvisado que la música actual, esto es, que las obras musicales se concebían como únicas, interpretadas

por supuesto al criterio del intérprete, pero la obra estaba constituida por un grupo de notas e indicaciones que siempre

eran las mismas plasmadas en una partitura. Incluso, sin olvidar que la improvisación existía en la música clásica como en las cadenzas(1) de los conciertos, éstas se escribían frecuentemen-te en la misma partitura, como las cadenzas de los conciertos para piano del mismo Beethoven.

Lo obligadoEl día de hoy existen muchos medios, aparte de un instru-mento musical, para componer y producir música. A reserva de que considero personalmente que el instrumento musical es el medio universal para componer y producir música, reconozco que actualmente la música está complementada por otros medios y, sobre todo, por una infi nidad de herramientas tecnológicas. El carácter improvisado de mucha de la música actual, ha provocado que los músicos de una banda de rock por ejemplo, no consideren la escritura musical como parte fundamental en el proceso de la composición. La música de una banda de rock se “escribe”, por decirlo de alguna manera, en el garaje, en la sala de ensayos,

los músicos se aprenden la música de memoria y no tanto por una partitura. Igualmente, hoy no se escribe la música electrónica, toda vez que no es característica-

mente una música susceptible de ser reinterpretada o de ser apreciada a través de tocarla en un instrumento

musical; su reinterpretación depende más de la imita-ción o de hacerla sonar parecidamente, que de la

lectura de una partitura. De hecho, cabe mencionar que escribir cierta

música actual donde la improvisación tiene una importancia esencial como el jazz o en la música

fl amenca, no es tan fácil transcribir ciertas ideas musicales que no se ajustan a un tempo o patrones

regulares en cuanto a métrica o incluso a una afi nación regular. Recuerdo bien el caso de un libro que encontré en Madrid con la música escrita de Paco de Lucía, en el cual un músico intentó transcribirla en una partitura. El mismo autor y editor del libro hacía la advertencia de haber intentado acercarse a través de la escritura a lo que sonaba el gran músico.Sin embargo, debe quedarnos muy claro que hoy debe escribirse en una partitura o programa de escritura musical, toda idea musical que implique la participación de instrumentos de tradición clásica: una sección o solista de cuerdas, los instrumentos de viento, instrumentos de percusión y por supuesto, debe escribirse cualquier arreglo o composición concebido para una orquesta de cámara o sinfónica. Igualmente, es necesario escribir en el jazz: un arreglo o compo-sición para una big band o dotación pequeña donde la música esté orquestada. Para resumirlo, se escribe en notación musical todo aquello que en una composición musical es obligado es decir, aquello que debe tocarse tal cual como el compositor lo concibió; y, en oposición, no se escribe -normalmente- todo aquello que deba ser improvisado o que pueda ser tocado a criterio o gusto del intérprete. Yo no escribo jamás por ejemplo, un fi ll de batería, pues asumo que el baterista lo hará espontáneamente, bajo mi dirección, pero concibien-do él una mejor idea en su propio instrumento que la que yo pueda escribirle.De tal forma que por más que nuestra tecnología avanza, que contamos con más recursos y herramientas valiosas

que nos permiten escuchar ideas musicales con una orquesta sin tenerla junto a nosotros, la escritura musi-

cal sigue siendo fundamental, si es que tu intención con la música es abordarla profesionalmente. Si

la tienes como hobby, basta con un Garage Band o una tornamesa para ser feliz.Leer música expande tu cultura musical, desarrolla ciertas habilidades cerebrales y fi nalmente para mí, es comparable con lo que sucede cuando una persona analfa-beta no sabe leer: no tiene acceso a los libros ni al valioso saber del mundo.La notación musical nos ha servido para dejar huella de las obras musicales a las generaciones posteriores, así como el día de hoy, no siendo necesaria la notación musical en todos los casos, lo que nos deja huella de las obras musicales es la grabación, maravilloso recurso donde podemos encontrar y escuchar

plasmada fi elmente, la interpretación de un

artista.

(1) Cadenza: parte improvisada

tocada por el solista de un

concierto para piano,

violín u otro instrumento).

“Leer música expande tu

cultura musical, desarrolla ciertas

habilidades cerebrales y

fi nalmente para mí, es comparable con

lo que sucede cuando una persona analfabeta

no sabe leer: no tiene acceso a los libros ni al

valioso saber del mundo”.

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Industria [ Escenario ]

Por Víctor Baldovinos Facebook/VictorBaldovinos

D e Reynosa. Durante los últimos años, las raíces “fi losopunk” del grupo tamaulipeco División Minúscula se fueron sofi sticando hasta

llegar a un amable estilo que coquetea con el blues acústico y convoca largas fi las de seguidores, como quedó demostrado en los conciertos que los del norte del país dieron en el Teatro Metropolitan.

Enoc Álvarez, Production Manager del grupo, es en parte responsable del impacto que División Minúscula tiene en el graderío. Enoc fue baterista, empleado de ventas de instrumentos y comenzó a trabajar sobre el escenario hace 16 años; además de División con quien lleva año y medio, se mantiene como integrante regular en el staff en Kinky. Sobre los detalles fi nos que imperan en la propuesta del sexteto de Reynosa, nos deja saber antes de arrancar el soundcheck.

“Comienzo por la batería y el teclado”, precisa Enoc, “Kiko” (Alejandro Blake, baterista del combo) está patrocinado por parches Evans y si falla algún tom o tengo que ajustarlo, siempre consulto con el ingeniero de sala. En los teclados, “Bucho” (Rodrigo Monfort) trae los sonidos procesados por computadora, lo que facilita mi labor acá”, valora.

Y de ahí, a los gabinetes: “En las guitarras usamos Marshall y les instalamos microfonía en estéreo pues antes la ajustaban en mono. Fue algo que platiqué con el ingeniero y decidimos hacer el cambio a estéreo. Para el Bad Cat Hot Cat colocamos un micrófono en la parte de atrás de la bocina y otro al frente. Con los altavoces para el bajo Ampeg, aplicamos micrófonos Shure Beta 52, (para que capten el speaker) y una caja directa que toma el sonido del line out del amplifi cador”, detalla.

Mantenerlo interesanteLos músicos toman ahora la pa-

labra para precisar el ajuste y minucias de su sonido en vivo. Javier Blake (guitarra y

voz): “En la prueba de sonido, antes de abrir

sala, hacemos una rola sólo con los monito-

res, tratamos de nivelar los

toma el sonido del line out del amplifi cador”, detalla.

Mantenerlo interesanteLos músicos toman ahora la pa-

labra para precisar el ajuste y minucias de su sonido en vivo. Javier Blake (guitarra y

voz): “En la prueba de sonido, antes de abrir

sala, hacemos una rola sólo con los monito-

res, tratamos de nivelar los

DivisiónMinúscula

en el TeatroMetropolitan

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Industria[ Escenario ]

EQUIPO MAYÚSCULOGuitarras: Fender y Gretsch

Cuerdas: D´AddarioCables: Planet Waves

Afi nadores: Boss Cromatic Tuner

DIVIDIDOS, EL SET UP PERSONALJavier Blake

Guitarras: (02) Fender Telecaster, (01) Fender American Vintage, (01) Fender Custom 1972, (01) Martin

(acústica). Pastillas: Río Grande. Efectos: (01) Ibanez TS 808 Tube Screamer, (01) Holy Grail Reverb, (01) Line 6 Delay. Amplifi cadores: (01) Marshall JCM 800 (01) Bad Cat Hot Cat. Micrófono: (01)

Shure PG-58 inalámbrico.

Ricardo “Ricci” PérezGuitarras: (01) Fender Stratocaster

American Deluxe, (01) Gretsch Duo Jet, (01) Gretsch Black Penguin. Efectos:

(01) Wampler Tape Echo Delay, (01) Electro-Harmonix LPB-1 booster,

(01) Boss Noise Suppressor (01) Boss DD-3 Digital Delay. Amplifi cador:

(01) Marshall JCM 800

Efrén BarónGuitarras Fender: (01) Telecaster,

(01) Jazzmaster. Pastillas: Soupbar P90. Efectos: (01)

Acid Fuzz Custom, (01) MXR Phase 90, (01) Diamond

Memory Lane Delay, (01) Rat ProCo Distortion, (01) G2D Cream

Tone, (01) Ibanez TS 808 Tube Screamer. Amplifi cador: (01) Fender Super-Sonic, (01) Marshall JCM 800.

Rodrigo “Bucho” Monfort Sintetizadores: (01) Yamaha

Motif 88 teclas, (01) Nord Lead III. Controlador: (01) Novation Xio Synth

49 (4 octavas). Computadora: (01) Apple MacBook Pro. Software: MOTU

Digital Performer y órgano virtual Native Instruments B4.

Alejandro LuqueBajos Fender: American Precision Bass, (01)

Precision Elite, (01) Sting Signature Precision Bass, (01) Jazz Bass, (01) Precision Deluxe. Efectos:

Fulltone Mosfet Bass Drive Distortion, (01) Arion SCH-Z stereo chorus. Amplifi cador: (02) Ampeg SVT-CL.

Alejandro “Kiko” BlakeBatería: Sticks & Beats

(01) Bombo 16x24”; (01) Tom 13” y (01) Tom de piso 16”; (01) Tarola 5x14” Rosewood. Platillos: Bosphorus Cymbals. Parches:

Evans G2 coated. Baquetas: Pro-Mark 5-B punta madera, Pro-Mark Hot Rods y escobillas. Metrónomo: Roland Dr. Beat DB-90.

amplifi cadores y que todos es-tén cómodos con el suyo sin que nadie estorbe. Sobre eso, el ingeniero en sala hace las modifi caciones”.

“En este show usé dos amplis Marshall JCM 800 porque me gusta que tienen mucho tono, sin tanta ganancia y eso te da oportunidad de escuchar cada cuerda, los acordes y detalles de la guitarra. Para levantar su poder uso un overdrive Ibanez Tube Screamer clásico. En defi nitiva baso mi sonido en la combinación del JCM 800 con el Tube Screamer, trabajando los amplifi cadores divididos en split”.

Por su parte, Ricardo “Ricci” Pérez (guitarras), mantiene un proceso un poco más minucioso: “Las afi no en diferentes tonos: hay canciones en Mi, otras en Re. A veces bajamos pero, en la ecualiza-ción, trato de mantener un canal limpio y dos distorsionados: uno de esos canales lleva un efecto de fuzz Wampler, para los solos. No le doy mucho tratamiento: simplemente me dejo ir por cómo está sonando el lugar”, resume el norteño.

Efrén Barón (guitarra) subrayó el esmero técnico. “Somos muy estrictos en los conciertos y antes, invitamos a nuestro staff para que cheque la ecua-lización del amplifi cador y los pedales. Tienen fotografías de todo y ellos se encargan de ajustarlos igual a como los ajusto en el ensayo. Los pedales no los muevo nunca”. Y revela: “las guitarras son complicadas para en vivo porque todas tienen volúmenes diferentes: la Telecaster tiene pastillas P90; en otra tengo unas single coil de Joe Barden y debo mover constantemente los volúmenes en vivo; eso ya es parte de la tocada”.

Bucho se ve sereno. “El controlador Novation que tengo es como una interfaz de audio integrada: tiene cable USB y el programa Digital Performer, donde tengo cargados los sintes virtuales. El órgano B4 de Native Instruments me gusta mucho”, explica el tecladista; “pero, antes de salir de la interfaz, suelo añadirle alguna compresión, un poco de ecualización o un efecto. El teclado va por caja directa a la consola de sala y lo bueno que tiene el Novation es su mando X-Y con el que puedo moverme en diferentes ángulos y activar el efecto de Leslie”, se alegra.

Toca el turno al bajista, Alejandro Luque, un “hombre Fender”: “Desde que empecé a tocar uso Fender sobre cualquier otro y para este concierto ocupo mis American Precision Bass y el Precision Elite, que sólo se hizo entre 1986 y 1988; es vintage y mi favorito. Además, tocaré con un Sting Signature que es muy cómodo”.

Redobles de poder, Kiko expone su tarea tras los tambores: “Realmente me gusta afi nar los tambores para que sean graves, que estén “ponchados” el bombo y los toms; gordos y con ataque. La tarola tiene que estar en medio. Considero que los toms y el bombo son el bajo de mi batería y los pla-tillos, los agudos. Entonces, la tarola tiene que ir justo en medio y debe tener bajos, medios y agudos. Hacer que amarre toda ya que en vivo toco con tres guitarristas, un tecladista y un bajista: hay mucho sonido a través del cual cortar para que me escuche bien”.

¡Arriba el norti, qué pues!

Fotografías: Cortesía Lado Be / Luis Rojo

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Industria [ Music Business ]

La Nueva Estación del jazzse llama Sala de Audio

A lgo muy bueno sigue pasándole al jazz mexicano. Ustedes músicos ávi-dos en mostrar sus proyectos, deben tomar nota de ello y saber lo que

hay detrás de este disco llamado Nueva Estación con Iraida Noriega (voz) y el trío de Israel Cupich (contrabajo), Gustavo Nandayapa (batería) y Roberto Blanch (piano), placa que sólo se consigue en formato digital y que lleva más de 2,500 descargas.

Y para ello esta vez no sólo nos refe-riremos a la música como tal, porque son los arreglos, la interpretación de estos músicos de renombre las que han cautivado el oído al replantear temas del rock, pop y progresivo de los años ochenta, lo mismo de Mecano que de Annie Lennox, de Marcial Alejandro que de Elton John, de Rafa Mendoza y King Crimson (y una composición original de coautoría entre Iraida y Guadalupe Galván); y, además, el disco muestra entre el correr de los bits que hacen posible su reproducción, ese otro factor clave que lo tiene con tan buena estrella: Nueva Estación forma parte de ese catálogo de más de una treintena de discos que ha sido posible adquirir gracias al esquema de grabación, ganar-ganar, impulsado y desarrollado por Enrique Nery y Salvador Tercero en las entrañas de la escuela de capacitación

sonora que fundó el reconocido ingenie-ro, Sala de Audio.

Así lo relata Salvador Tercero: “La locura nació un día que me encontraba traba-jando en el estudio con Enrique Nery quien me dijo cómo surgió y operaba el famoso sello GRP Records de Dave Grusin y Larry Rusen, que hizo posible grabar y así descubrir a músicos fantásticos de finales de los años setenta y en los ochenta. Aquello funcionaba así: había un grupo de amigos de Dave quienes grababan cuando él los requería y viceversa, eran músicos con afinidad en lo musical pero también en lo afectivo, cooperaban en la obra del otro. Yo, que siempre he vivido rodeado de música, que soy músico frustrado conocí esa historia en los tiempos en que me encontraba a los músicos mexicanos de jazz, como era el caso de Nery, toca y toca en los bares

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Industria[ Music Business ]

MicrófonosBatería: AKG D112 (Kick); Shure SM 57 (SN Up); Sennheiser e609 (SN Dwn); Shure SM 81 (HH); Oktava MC012 (toms); Shure KSM 137 (OH). Bajo: Shure KSM 32 (bass hi); Shure KSM 32 (bass lo); Avalon (bass line). Piano: Neumann KM 184

Voz: AKG 414Melódica: Shure KSM 44Pre amps: Sony MCI, Amek 9091, Drawmer 1960, Focusrite Red 1, HHB Radius 10Sistema de grabación y mezcla: Mac Pro G5 con Pro Tools HD 8 Interfaces: 192 (2) y 96i (1)

sus propios proyectos o bien en sesiones de grabación o como acompañantes de otros artistas”.

“Enrique me decía ‘brother, brother, al-guien tiene que hacer esto’, y fue como me puse a investigar cómo porque si bien estaba ya en la industria del disco, no tenía claro cómo operar para desa-rrollar algo así. Lo primero que hice fue pensar en un sello discográfico, tenía un estudio de grabación en Polanco equipado con lo necesario para hacer las grabaciones y así sacamos el primer disco, que fue Mexicanista, esa joya que nos dejó Enrique. Empezamos con el pie derecho, nos fue muy bien. Poco a poco fueron saliendo más proyectos de músicos como Israel Cupich, Pepe Hernández, Israel Luján, Aarón Cruz e Iraida Noriega”.

La coincidencia en tiempos y atender esa necesidad de los músicos jazzistas mexicanos por tener registro de sus pro-puestas, fueron depurando el esquema de servicio que la entonces naciente escuela de enseñanza en audio ofre-cía. “Para mí era lamentable que, por un lado, en las escuelas que te instruían en sonorización y grabación te pedían, tal cual, salir a buscar a los músicos que ibas a grabar en los salones de clase o en el parque, donde los consiguieras. Y no porque para mí el asunto es grabar proyectos ya bien conformados. Y, por el otro lado, estaban estos músicos de gran nivel que no tenían dónde grabar lo suyo”.

“Por mi parte fui creciendo Sala de Audio como estudio de grabación y tenía claro que no iba a lograr mantenerlo sólo como un estudio que se rentase para producir, así que lo comencé a ocupar como centro de enseñanza. Lo que pensé fue un intercambio: a los músicos ofrecerles el estudio para que mis alumnos los grabasen con las exigencias de una producción ejecutiva bien hecha como tal, y ellos su tiempo y vibras para hacerlo posible”, compartió Salvador.

Hoy el fruto de ese intercambio es un servicio profesional de grabación que da experiencia y créditos reales a los alumnos como ingenieros y productores, y a su vez, hace posible tener referencia física en disco de la escena jazzística mexicana entre cuyos nombres también destacan Eugenio Toussaint, Gabriel Puentes, Alejandro Otaola, A Love Electric, Nur Slim, Aguamala, Pablo Prieto, Alejandro Mercado, entre muchos

más. “Se volvió en un ga-nar-ganar. Hacía falta que los músicos se organizaran y dónde poner en cinta su trabajo. Los alumnos viven un experiencia de apren-dizaje de alto nivel con un esquema de grabación que implica los tiempos, lenguaje, conocimiento y presión de una producción profesional. Se tienen que poner las pilas y hacerlo excelente”, remata el educador de audio. El esquema para la Nueva EstaciónAsí el sistema y servicio con el que ope-ra Sala de Audio, para la grabación del trío con Iraida, Israel Rodríguez fungió como productor ejecutivo de la misma, aportando también su experiencia como músico al proyecto. “Si recalco a quien lea esto que no por ser una escuela y que los alumnos sean los que te grabaran se tenga duda de que la labor se hará profesionalmente. El compromiso es ya el de entregar una grabación de altísima calidad que para los estudiantes representa su proyecto final. En el caso de este disco, la meti-culosidad para registrar los instrumentos y las voces fue grande como obedece al nivel de músicos que tuvimos. Ellos conocen sus instrumentos, saben lo que quieren y cómo pedirlo, así que la labor fue darles eso”, expresó Isra.

Con los arreglos de Iraida ya montados por el trío, se hicieron tres sesiones de grabación en donde la premisa sonora que el combo pedía, escuchar en los tema un “lenguaje de jazz contempo-ráneo, con profundidad, precisión y flotación simultáneas” como vislumbraba la cantante, rigió la grabación desde el cuarto de control hasta el proceso de

mezcla. “En verdad esto que pasa con Sala de Audio es mágico porque el compromiso se asume por ambas par-tes. Cuando llegas ya tienen tiradas las líneas listas para conectarte y arrancar. Se cuida cada aspecto y, además, para el caso del jazz Sala de Audio cuenta con un piano y cuarto donde grabarlo, que es muy importante porque se trata de hacerlo en vivo y de la manera más efectiva y eficiente posible, que se logre capturar tanto el sonido como la vibra y eso pocos estudios lo ofrecen”, amplió Iraida. Dicho piano se consiguió gracias al apoyo de Roberto Martínez y es un instrumento cuya calidad sonora es aclamada por varias generaciones de músicos nacionales y extranjeros.

En definitiva, el servicio armado por Sala de Audio es referente de los esquemas de producción y grabación musical en nuestro país. Representa uno de esos círculos virtuosos que en materia de gestión musical exige un país posee-dor de una de las más vastas riqueza sonoras del mundo. El jazz, como género que implica la cooperación y libertad creativa lo ha hecho posible y es a favor de la preservación de esta incansable industria creativa. La lista de espera es grande pero hoy ya sabes que hay una opción donde, además de hacer tangible tu música, permites la consolidación formativa de los futuros ingenieros de audio.

EL EQUIPO DE SALA DE AUDIO PARA NUEVA ESTACIÓN

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Industria [ Retail ]

Line 6, calidad sonoray riqueza tonal en sistemas inalámbricosCon un prestigio

ampliamente conocido por músicos e ingenieros en el mundo, provisto por su impecable sistema de modelado de sonido, Line 6 viene incursionando en el competido mundo del audio digital al desa-rrollar sistemas propios de envío de señal por radiofrecuencia, que le han permitido crear una gama de alto nivel en productos inalámbricos de microfonía, como los señalados para la series XD-V y los equipos Relay G para guitarra y bajo. Sobre las bondades que estos brindan sobre el escenario a los músicos habló Don Boomer, ingeniero de aplicaciones de sonido en vivo de la compañía en su pasada visita a sound:check Xpo, con el apoyo de Yamaha de México.

¿Cómo trabaja Line 6 la transmisión de señal en sus equipos para no comprometer la calidad del sonido? “Inventamos un sistema que nos permite tomar el audio desde la fuente original y enviarlo directo al receptor, a partir de configurar un protocolo de envío de radiofrecuencias que no compitiera con las señales que ya hay en el aire: lo que se envía por smartphones, televisión por cable, sistemas de navegación, etcétera. Hay saturación en el espacio de banda que la revolución digital ha pedido en los últimos años. Depuramos ese protocolo de envío de datos para trabajar la señal lejos de ese espectro donde ya hay demasiada información circulando”.

¿Cómo funciona? “Lo que tenemos es un sistema que opera en la frecuencia de 2.4 GHz, la cual permite hacer diversos protocolos de radioco-municación (ahí está también, por ejemplo, la WiFi). Por el desarrollo de las tecnologías digitales, la capacidad para transmitir datos por el espacio está saturada y nuestra labor a nivel ingeniería ha sido crear ondas diferentes para transmitir por radiofrecuencia, en un pedazo distinto de esa banda. Eso por un lado, lo otro fue acondicionar el receptor para decodificar éstas sin perder la calidad del sonido ni la riqueza tonal del instrumento musical o cantante”.

“Por eso nuestros micrófonos pueden operar en cualquier lugar, porque contemplamos estos ajustes de banda que varían según el sitio donde te encuentres, ya no tienes que cambiar de equipo y ese es un gran beneficio que por ejemplo, en regiones como Europa, además de Estados Unidos nos está haciendo crecer pues garantizamos un súper sonido y un manejo eficiente de radiofrecuencias”.

¿Qué adecuaciones vinieron de la interacción con los músicos? De entrada asegurar que no pierden el tono natural de su instrumento. En las pruebas

existía esta inquietud de no percibir la misma riqueza tonal que al usar su guitarra con cable. Al superar ese factor, el atributo de modelado de sonido que ya es sello de la marca, les ha hecho tenemos como una gran opción. Tienen un sistema de 2.4 Ghz de seis a 14 canales (los sistemas wireless Relay), con simulación de tono de cable. Eso añade versatilidad y libertad para moverse por el escenario. Ese factor era crucial para los guitarristas, que si iban a quitar su cable eso no afectara el atributo sonoro de su instrumento. Ahora valora la pureza en la transmisión de la señal de nuestros productos. Todos estamos en pos de desarrollar el súper micrófono inalámbrico, y la ventaja es que usamos el mismo sistema de radio, el mismo código digital sólo que lo hemos puesto en un paquete distinto, que incluye un diseño ad hoc del receptor que, en el caso de los guitarristas y bajistas, hemos asociado a la forma en que interactúan con sus pedales”. ¿Están siendo ya reque-ridos para los shows en vivo? “En Estados Unidos sí, poco a poco las grandes producciones donde se ocupan de 60 cana-les en adelante, están valorando esta ventaja de ofrecer un manejo de frecuencias eficiente y calidad sonora. Y es que si pensamos en evento como un Super Bowl, donde hay más de 2 millones de sistemas inalám-bricos que si bien no funcionan al mismo tiempo, están en el mismo venue, se requiere de una enorme coordinación y ahí se usaron varios de nuestros productos porque necesitaban trabajar el envío de señal de manera muy depurada. Esas experiencias poco a poco nos están poniendo sobre el escenario con los músicos y cantantes”.

Don Boomer

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