Vanguardias artísticas : Se llama vanguardias artísticas a los movimientos rupturistas de

las artes plásticas que surgieron a partir del siglo XX, y que

tuvieron como objetivo expresar los nuevos tiempos por medio

de la innovación del lenguaje pictórico y/o escultórico. Entre

ellos, podemos mencionar al cubismo, al futurismo, al dadaísmo,

al abstraccionismo (con sus diferentes corrientes) y al

surrealismo.

La palabra vanguardia, proviene de la expresión francesa avant-

garde y esta del latín ab ante, que quiere decir ‘sin nadie

adelante’, y garde, que significa ‘guardar’. Originalmente el

término se usaba en la jerga militar para referir a los que

encabezan el pelotón abriendo paso en la contienda.

Características de las vanguardias

Ruptura con la tradición Rechazo del naturalismo en el arte Lenguaje plástico original Espíritu libertario Espíritu de provocación Introducción del humor y del sarcasmo Proclamación de la autonomía del lenguaje plástico Justificación por medio de manifiestos Carácter conceptual Influencia del arte no occidental Breve duración

Contexto histórico de las vanguardias artísticas

En el siglo XIX Europa se movía en un escenario de

transformación y tensiones políticas, económicas y sociales

derivadas de la revolución industrial, el capitalismo, el

imperialismo, el nacionalismo, la masificación de la sociedad y la

secularización.

Junto a esto, la invención de la fotografía y, más tarde, del cine,

supuso un golpe para las artes. Si hasta entonces el arte

occidental se dedicaba a la imitación de la naturaleza, ¿a qué se

dedicaría en la “era de la reproductibilidad técnica de la imagen”?

Para los artistas de finales del XIX crecía la necesidad de

encontrar un nuevo sentido al arte, así como la voluntad

diferenciadora de estilo. Esto, se expresó en el impresionismo, el

postimpresionismo, el expresionismo y el fauvismo. Pero, a pesar

de sus innovaciones, estos movimientos aún estaban atados a

ciertas prerrogativas del arte tradicional.

Origen de las vanguardias artísticas

En los jóvenes artistas predominaba la percepción del

agotamiento del arte tradicional y una actitud crítica frente al

orden ideológico reinante (de tipo burgués), que usaba las artes

para legitimarse. Valoraban, en cambio, la obra de los artistas

fuera de lote como los postimpresionistas (Van Gogh, Cézanne,

Gauguin, Matisse, entre otros).

Algunos jóvenes artistas en diferentes partes de Europa

desarrollaban propuestas escandalosas, ansiosos como estaban

por renovar las artes y dar un golpe definitivo al gusto burgués.

Uno de los primeros fue Pablo Picasso con el lienzo Las

señoritas de Avignon, prefiguración del cubismo. A partir de ese

momento, comenzaron a surgir las llamadas vanguardias

históricas.

Vanguardias históricas es una expresión que se usa para referir

a las vanguardias artísticas que aparecieron en la primera mitad

del siglo XX, las cuales corresponden a la primera ola de

vanguardias.

Estas son el cubismo (1907), el futurismo (1909), el

abstraccionismo lírico (1910), el dadaísmo (1913), el

constructivismo (1914), el suprematismo (1915), el

neoplasticismo (1917) y el surrealismo (1924).

Contextualmente, estas vanguardias abarcan desde el período

previo a la Primera Guerra Mundial, hasta el período de

entreguerras, es decir, el inicio de la Segunda Guerra Mundial.

En el período de entreguerras tuvo mucha importancia la

aparición de la Bauhaus, escuela alemana de arquitectura y

diseño con vocación internacionalista, en la que se dieron cita

importantes artistas de vanguardia que renovaron la cultura

visual del siglo XX.

Movimientos vanguardistas

Cubismo

Futurismo

Abstracción lírica

Dadaísmo

Constructivismo

Suprematismo

Neoplasticismo

Surrealismo

Expresionismo abstracto

Pop art o arte pop

Op art o cinetismo

Happening

Arte conceptual

Performance

Hiperrealismo

Minimalism0

Primera ola de movimientos de vanguardia

La primera ola de las vanguardias abarca desde cerca de 1907, con

la aparición del cubismo, hasta el llamado período entreguerras, con

la aparición del surrealismo.

Cubismo (1907)

Pablo

Picasso. Guitarra y violín. 1912. Óleo sobre lienzo. 65,5 x 54,3 cm.

Museo de Arte Moderno. Nueva York.

Fue un movimiento artístico, especialmente pictórico aunque

también tuvo su expresión en escultura. Sus máximos exponentes

fueron Pablo Picasso, Juan Gris y Georges Braque. Se caracterizó

por la síntesis geométrica, la representación de diversos planos en

uno solo y la aplicación de técnicas mixtas como el collage y la

tipografía. Fue el primer movimiento en romper totalmente con los

principios del arte tradicional.

El cubismo es un movimiento vanguardista de inicios del siglo XX

que se caracteriza por el uso dominante de figuras geométricas

como los rectángulos, los triángulos y, especialmente, los cubos, de

donde toma su nombre. Su objetivo es romper con la

representación naturalista y plasmar varios planos de modo

simultáneo sobre la superficie de un cuadro.

Convencionalmente se establece su inicio en el año 1907, cuando

Pablo Picasso (1881-1973) presentó por primera vez la pintura Les

Demoiselles d' Avignon ("Las damas de Avignon").

En este primer intento, Picasso incorpora influencias del arte

africano primitivo y del postimpresionismo, especialmente del pintor

francés Paul Cézanne (1839-1906).

Además de encontrar inspiración en las formas del arte exótico, el

cubismo intentó representar la cuarta dimensión a través de

hiperpoliedros, cuyas ideas de espacio-tiempo se inspiran en la

teoría de la relatividad de Albert Einstein de 1905.

Todas sus características llevaron al cubismo a ser considerado una

expresión plástica más racional y analítica, que contrastaba con

otros movimientos inspirados en la subjetividad o la emocionalidad.

Características del cubismo

El cubismo se caracteriza principalmente por los siguientes

elementos:

Visión analítica de los elementos de representación;

Poca perspectiva y profundidad espacial;

Uso de figuras geométricas: cubos, cilindros, etc.;

Incorporación de varios ángulos en un mismo plano;

Preferencia por las líneas rectas;

Aplicación de técnicas mixtas: collage, tipografía, etc.

Surrealismo: características y principales artistasEn 1924, en París, André Breton (1896-1966), escritor y poeta

francés, escribió un manifiesto después de cortar relaciones con

Tristan Tzara, líder del movimiento dadaísta, y así nace el

Surrealismo, al que muchos consideran la última de las grandes

vanguardias.

Manifiesto Surrealista - André Breton - 1924

Portada: versión de Le Viol - óleo sobre tela, 1934 - René Magritte,

MoMa, NY

El surrealismo emerge en París en 1924. Se esparce por Europa a

pocos años de concluida la I Guerra Mundial hasta la llegada de la II

guerra Mundial. Por ende, la influencia de este movimiento ha

llegado hasta nuestros días.

Es cierto que el término surrealismo está asociado a André Breton y

su manifiesto, pero fue usado por primera vez por Guillaume

Apollinaire (1880-1918), escritor y crítico de arte francés, en el

prólogo de su pieza Las tetas de Tiresias escrito en 1917.

Características El inconsciente y el automatismo

Mesa de pedestal en el estudio - óleo sobre tela, 1922 - André

Masson (1896-1987, pintor, escultor, ilustrador, diseñador y escritor

francés)

El manifiesto de Breton está inspirado en el libro de Freud La

interpretación de los sueños, en el que el autor explora la idea de

que la mente humana posee un nivel oculto llamado inconsciente,

es decir aquello de lo que la mayor parte del tiempo las personas no

tienen conciencia, como la palabra lo indica.

El Surrealismo, pretendía superar esta limitación del inconsciente,

permitiendo que el subconsciente se expresase a través del arte.

De esa forma el automatismo, se convirtió en una de las

características del Surrealismo, en defensa de la expresión artística

sin límites y sin el control de la razón. Para lograr este objetivo, los

artistas llegaron a elaborar obras en estados de trance e hipnosis.

Ejemplo de automatismo: La mer se retire (El mar se retira) 1941 -

André Masson

En la práctica, el automatismo consistía en trasponer en papel,

lienzo o cualquier otro soporte de expresión artística, un

pensamiento o sueño directamente del subconsciente, sin ejercer

control estético o moral.

El objetivo era que la creación artística se automatizara

(automatismo) tal como es automática la respiración o la acción del

pestañeo. Era así un intento de protesta contra las normas

establecidas, tanto en el arte como en el ámbito social.

Los surrealistas creían que la creatividad que nacía del

subconsciente de un artista era más auténtica y poderosa que la

derivada de la consciencia. También estaban interesados en

explorar el lenguaje de los sueños que creían que revelaba los

sentimientos y deseos ocultos.

De una forma general, se puede decir que la idea era lograr la

mayor espontaneidad posible, algo que se reveló más o menos

fácilmente en el dibujo y la escritura, pero no tanto así en la pintura,

pues esta es una disciplina muy compleja que no permite tanta

espontaneidad.

Otras técnicas y procesos creativos

Ejemplo de la técnica frottage: L'Évadé (o Fugitivo) 1926 - Max

Ernst

El automatismo no siempre funcionaba bien en otras formas de

expresión artística, así que otras técnicas fueron usadas para

alcanzar la anhelada espontaneidad de creación.

Una de estas técnicas fue el frottage, que consistía en pasar un

lápiz, por ejemplo, sobre una superficie rugosa, creando así formas

y texturas en el soporte para crear una obra nueva a partir de ese

material.

Otro ejemplo es la decalcomanía, una técnica en la cual cierta

cantidad de tinta es arrojada contra un lienzo o papel. Esta

superficie se dobla por la mitad y al abrirla nuevamente, muestra un

patrón de tinta que sirve de material para crear una obra gracias a

lo que provoca al nivel subconsciente.

Otras formas de expresión artística fueron usadas y

experimentadas, siempre en un esfuerzo por explorar al máximo la

libertad creativa.

Ejemplo de un "cadáver exquisito" original de los artistas Yves

Tanguy, Joan Miró, Max Morise y Man Ray

El cadáver exquisito fue un proceso creativo basado en un juego,

en el cual diferentes artistas creaban dibujos o poemas en conjunto.

Sin ver lo que el otro hacía, la obra iba pasando de uno en uno y

cada artista iba añadiendo un trozo nuevo o palabra nueva. Al

terminar. se desplegaba el papel y compartían el resultado en busca

de ideas novedosas.

Otro proceso de construcción artística alternativo fue el “objet trouvé” (objeto encontrado), inventado por Marcel Duchamp (1887-

1968). Duchamp fue un pintor, escultor y poeta francés, una de las

principales figuras del Dadaísmo.

Ejemplo de "object trouvé": Téléphone-Homard (Teléfono-lagosta) -

metal, yeso, goma, resina y papel, 1936 - Salvador Dalí, MoMa, NY

A esa premisa se le sumó el toque del absurdo, es decir, la

superposición de lo improbable y extraño, como el caso de la obra

que enlaza una langosta a un teléfono, o el caso de Meret

Oppenheim que cubrió una taza y una cuchara con pelo.

Object (objeto) 1936 - Meret Oppenheim

(1913-1985, artista plástico y fotógrafa suiza), MoMa, NY

Esta forma de construcción artística relacionaba objetos cotidianos

que normalmente no tienen nada que ver el uno con el otro, lo que

provoca una perturbación del sentido y de esa forma, estimula el

inconsciente. Se trataba de la yuxtaposición entre lo familiar (el

objeto común) y lo improbable y absurdo, el escenario impuesto al

objeto.

Los artistas del surrealismo frecuentemente incorporaban también

las imágenes y objetos de otras culturas, sobre todo de las

primitivas. Esta actitud tenía, sobre todo, intenciones anti-

colonialistas y anti-racistas.

Principales artistas y obras Max Ernst

Les Hommes n'en sauront rien (Los hombres que no saben nada) -

óleo sobre tela, 1923 - Max Ernst, Tate, UK

Max Ernst (1891, Brühl, Alemania - 1976, París, Francia) fue uno de

los pioneros del Dadaísmo y luego se incorporó al Surrealismo,

destacando en la pintura y en la poesía.

Aún en Alemania, Ernst participó activamente en la I Guerra

Mundial, hecho que dejó marcas profundas en él y, eventualmente,

influenció su trabajo como artista. Haber estado expuesto a los

horrores de la Gran Guerra hizo que se posicionara en contra de la

sociedad y los valores de la época con mayor vehemencia.

La Virgen bendecida castigando al Niño Jesús delante de tres

testigos: Andre Breton, Paul Eluard y el Pintor - óleo sobre tela,

1926 - Max Ernst, Museum Ludwig, Köln, Alemanha

Su obra se caracteriza sobre todo por la exploración de lo absurdo,

la construcción de escenarios fantásticos y el mundo de los sueños.

A lo largo de su vida artística experimentó con varias técnicas como

el collage y el frottage, y estuvo bastante influenciado por el arte de

las tribus nativas americanas.

Salvador Dalí

La persistencia de la memoria - Óleo sobre tela, 1931 - Salvador

Dalí, MoMa, NY

Salvador Dalí (1904-1989, Figueres, España) es el más famoso de

los surrealistas y su nombre pasó a ser, con el tiempo, sinónimo del

movimiento. Esto ocurrió a pesar de que, alrededor de 1937 y como

consecuencia de la transformación de su estilo y de sus posiciones

políticas, Breton lo expulsara del Surrealismo. Por ende, Dalí es el

más controversial.

En su obra es muy notoria la influencia del imaginario onírico, es

decir, del mundo de los sueños. Su expresión artística fue hecha

fundamentalmente a través de la pintura y de la escultura, pero a lo

largo de su vida también utilizó otras formas y técnicas.

Inclusive, dejó huella en el cine, dada su colaboración con dos

películas del director español Luis Buñuel (1900-1983): Un perro

andaluz (1929) y La edad de oro (1930).

Más sobre La persistencia de la memoria de Salvador Dalí

Jirafa en llamas - Óleo sobre madera, 1937 - Salvador Dalí,

Kunstmuseum Basel, Basilea, Suiza

Además de ser un artista revolucionario en su tiempo, Dalí fue

también un genio a la hora de auto-promocionarse y fue un

verdadero hombre del espectáculo.

Sus obras rondan tres temas principales: el universo y las

sensaciones del ser humano, la simbología sexual u las imágenes

ideográficas. La mayoría de su trabajo consiste en la representación

secuencial de un sueño, algo que logró ejercitando su mente para

acceder al subconsciente y tomar de allí su inspiración.

Para Dalí los sueños y la imaginación eran fundamentales en el

proceso creativo, y defendía también una variante del automatismo,

una especie de paranoia. En este proceso de paranoia, el artista

debía embarcarse en un estado de alucinación para crear, dando

momentáneamente un alto a su racionalidad a pesar de estar

consciente en cierto grado. Joan Miró

El cazador (Paisaje catalán). Óleo sobre tela, 1924 - Joan Miró,

MoMa, NY

Joan Miró (1893, Barcelona - 1983, Palma de Mallorca, España) es

uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Las obras más

conocidas del artista son sus pinturas, aunque también creó como

escultor, diseñador, ceramista, etc.

Así como otros artistas, Miró pasó por varios movimientos, se dejó

influenciar por ellos y también dejó su marca. Comenzó, de hecho,

por el Fauvismo, pasó luego al Dadaísmo y de este al Surrealismo y

al Abstraccionismo.

El carnaval del arquelín. óleo sobre tela, 1925 - Joan Miró,

Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, US

En su vida artística practicó el automatismo y en la pintura procuró

alejarse lo más posible de las convenciones como una forma de

reaccionar en contra de los principios burgueses instituidos.

Sus primeras pinturas representan sobre todo formas biomórficas

sin contraste. Temáticamente son composiciones que remiten al

cruce entre el mundo fantasmagórico y el de los sueños. Con sus

innovadoras composiciones, Miró influenció a sus contemporáneos

así como a innumerables generaciones posteriores.

René Magritte

Los amantes. Óleo sobre tela, 1928 - René Magritte, MoMa, NY

René Magritte (1898, Lessines, Bélgica - 1967, Bruxelas, Bélgica)

fue un artista belga y uno de los nombres del surrealismo más

aclamados internacionalmente, a pesar de que su fama llegaría

apenas alrededor de los años 50.

Aunque es uno de los artistas que más se asocian al Surrealismo,

las obras de Magritte se distancian del ilusionismo de Dalí y del

automatismo de Miró.

Para Magritte, lo importante no era tanto lo que la obra mostraba,

sino aquello que ocultaba, es decir, las segundas intenciones de

fondo. Para él lo importante era representar el misterio, y así

muchas de sus composiciones pictóricas presentarían figuras

humanas con la cara tapada con un velo, dejando al espectador en

la eterna curiosidad e insatisfacción por no poder nunca revelar lo

que se oculta tras este.

Esto no es una pipa. Óleo sobre tela, 1929 - René Magritte,

LACMA, LA

Durante su vida artística, Magritte recurrió varias veces al mismo

tema y también utilizó obras famosas de otros artistas para crear

versiones surrealistas.

El humor también representó una parte importante en su obra, y un

ejemplo de eso es La traición de las imágenes, en la que se

representa una pipa perfectamente pintada con una inscripción en

el lienzo que dice: “Esto no es una pipa”.

Expresionismo. Pintura Expresionista

Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de

los sentimientos y las emociones del autor más que la

representación de la realidad objetiva.

Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias

históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la

alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las

grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los

sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial

es el principal motor de su estética.

El fin es potenciar el impacto emocional del espectador

distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones

sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna

y de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza

psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y

puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa

ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.

La obra de arte expresionista presenta una escena dramática, una

tragedia interior. De aquí que los personajes que aparecen más que

seres humanos concretos reproduzcan tipos. El primitivismo de las

esculturas y máscaras de África y Oceanía también supuso para los

artistas una gran fuente de inspiración.

El estímulo más importante lo encuentra Munch en las imágenes

simplificadas de las obras de Gaugain, que le servirán para

transmitir la angustia y la soledad. Vivió angustiado, tuvo problemas

psíquicos y esos sentimientos son los que volcará en su pintura.

En él la expresión surge como resultado de su vida atormentada.

Siente predilección por la figura humana y las relaciones

personales. Le obsesiona la impotencia del ser humano ante la

muerte y la identifica con la mujer. Tiene una visión negativa de la

vida, de la indefensión, de la soledad humana y del sexo

El grito es la expresión de su miedo personal, pero en este cuadro Munch logra expresar el desfallecimiento del hombre ante una realidad cada vez más compleja y confusa.

El movimiento expresionista se desarrolló principalmente en

Alemania.

Pop Art caracteristicas

El pop art, conocido en español como arte pop, es un movimiento

plástico que tuvo su origen en la década de 1950. Nació entre Gran

Bretaña y Estados Unidos, pero fue este último el país que se

convirtió en el abanderado del movimiento. Sin embargo, el arte pop

generó una onda expansiva en todo el mundo, tanto en Europa

como en América Latina, Asia y Oceanía.

Claes Oldenburg: Giant Three Way Plug. 1970.

El arte pop se contextualiza en el pleno proceso de conformación de

la sociedad de consumo, cuyo impulso definitivo tuvo lugar tras la

segunda guerra mundial y la llegada de la televisión, la nueva

invasora de los hogares.

Este estilo artístico nació como un intento de hacer un arte que

tomara en cuenta el universo de símbolos y temas de interés

masivo, es decir, los símbolos "populares" a los cuales la élite

cultural parecía dar la espalda y negar su movilizadora penetración

en el imaginario colectivo.

Características del arte pop

Inspiración en la cultura de masas

Roy Lichensteins: Whaam! Óleo y pintura acrílica sobre lienzo.

1963.

Si los antiguos habían representado la imagen del mundo como lo

conocían y concebían en sus obras, era obligación de los artistas

contemporáneos hacer lo propio. Los artistas pop acudirían a

aquellos objetos cotidianos que se estaban convirtiendo en los

nuevos símbolos de "civilización": ídolos mediáticos, figuras

políticas, objetos fabricados en serie, tiras cómicas (cómics),

carteles, embalajes y toda clase de imágenes simbólicas (señales

de tráfico, collages, etc.).

Ampliación de la noción de belleza al repertorio de símbolos pop

Andy Warhol: Latas de sopa Campbell's. Serigrafía y polímero sintético sobre tela. 1962.

El pop art comprendía que incluso los objetos de la cultura de

masas podían contener elementos de belleza, y no solamente las

venus y madonas de la Antigüedad. Claro que esto no dejará de ser

también una provocación para el entorno intelectual, aspecto que

los artistas pop aprovechan muy bien a su favor.

Descontextualización

Robert Rauschenberg: Persimmon, Óleo y serigrafía sobre tela.1964.

Una de las estrategias del pop art fue tomar los objetos prestados y

descontextualizarlos. Por ejemplo, sacar de su contexto una lata de

sopa, un cuadro famoso o una fotografía, intervenirlos y

transformarlos en una obra o una nueva obra. Algo semejante

habían hecho los dadaístas con su técnica ready made desde que

Marcel Duchamp creó su famosa Fuente: un urinal intervenido con

la firma del artista, bajo el seudónimo R. Mutt, y que fue presentado

como una obra museística.

Andy Warhol: Elvis doble. Serigrafía y polímero sintético sobre tela.

1963.

Estos artistas no preconizaban el virtuosismo como un valor. Con

esto, el arte pop rompía con la idea de una obra de arte como

resultado de un proceso complejo, largo y difícil, lo que favorecía el

principio de reproducción múltiple.

Por ello, implementaron técnicas absolutamente inusuales en el

campo de las bellas artes, como la serigrafía, el cómic con sus

viñetas y estilo de la línea, algunas técnicas de la publicidad y de la

producción masiva, además de collages y fotografías.

Algunos artistas fueron más radicales y produjeron happenings y

espectáculos interactivos, lo que asestaba un golpe contra el

coleccionismo y la mercantilización del arte.

Claes Oldenburg: Lápiz labial en ascenso. Acero resistente a la

intemperie. 1969.

El universo de símbolos que ofrecía el arte pop no era muy fácil de

asimilar para los intelectuales de la vieja escuela, y, además, los

artistas pop tampoco tenían una única posición frente a lo que

representaban, lo que dificultaba las cosas. Por ende, sus

propósitos no necesariamente estaban claros. ¿Criticaban el

consumo? ¿Validaban el consumo? ¿Sacaban provecho de las

circunstancias? Creaban así imágenes aparentemente

incongruentes y provocadoras.

Humor

May W lson: Retrato ridí culo (con cello y quer

Como no pretendía ser un arte intelectual, el arte pop fue también

un movimiento cargado de humor y guiños cómplices al espectador.

Lejos de las posturas infatuadas de los grandes teóricos e

intelectuales del medio, los artistas pop ironizaban y reían del orden

circundante. Quizá era un modo diferente de hacer crítica.

Provocación

Jasper Johns: Tres banderas. Encáustica sobre lienzo. 1958.

Todo esto hizo del arte pop un arte provocador, incitante, polémico.

Por ejemplo, al cuestionar la idea de originalidad cuestionaban

también la superioridad del genio creador, figura a la que se le

rendía tributo desde el renacimiento. Cuestionaban asimismo el

papel de los críticos, de los historiadores del arte, el concepto de los

museos, los criterios de selección, los principios de la

museografía...

Pero más allá de todo lo que hace interesante al pop art, es

evidente que nada surge por generación espontánea, y que, antes

de que los artistas pop se formularan este programa estético,

generaciones previas fueron creando las condiciones para esta

auténtica revuelta de los signos artísticos. Veamos cuáles fueron

sus antecedentes y qué relaciones tenía el arte pop en el contexto

creativo de los años 50.

Antecedentes del arte pop

Las influencias del pop art pueden hallarse en corrientes como el

dadaísmo, surgido en la primera ola de vanguardias. Fue un

movimiento cultural que cuestionaba el orden racional positivista y

que, particularmente en la pintura, se destacó por haber propuesto

nuevas técnicas como el ready-made, técnica que consistía en

tomar objetos de uso cotidiano, intervenirlos y transformarlos en

objetos aptos para la exposición en un museo, sin ocultar sus

características ni su origen.

Más cerca en el tiempo, un impulsor directo fundamental fue el

Grupo Independiente, conocido por las siglas de su nombre en

inglés IG (Independent Group).

El IG surgió en 1952 en el Institute of Contemporary Art de Londres

y estuvo activo hasta 1955. Durante este período Gran Bretaña, al

igual que otros países plenamente industrializados en Europa,

experimentaba el crecimiento de una cultura popular urbana

distinta, tras el racionamiento y la austeridad que supuso la

segunda guerra mundial.

¿Por qué y para qué nació el arte pop?

Las características del arte pop que hemos expuesto ponen en

evidencia que este movimiento tuvo un sentido profundo, al

contrario de las sentencias que lo acusan de superficial.

Este movimiento puede ser visto como un arte sin compromiso,

pero algunas veces esta afirmación puede resultar injusta. Es cierto

que tiene una fuerte carga visual, es cierto que no se escandaliza

ante los símbolos de la cultura masiva, pero también existe un

sentido en el fondo de ello.

En el caso muy particular de los artistas de EE.UU. a estos les

interesaba indagar sobre la esencia última del norteamericanismo

en medio de esta vuelta de tuercas de significaba el paso a la

sociedad de masas. Junto a esto, de algún modo también

pretendían redescubrir la pintura figurativa que el expresionismo

abstracto había escondido detrás del ropero.

Keith Haring: Sin título, del portafolio Andy Mouse. Serigrafía en

papel. 1986.

Pero en términos generales, los artistas pop de todo el mundo

tenían claro que la ironía les permitía hacer ver que el materialismo

y la vulgaridad participaban del orden hegemónico que el campo

masivo ha establecido ya entre 1950 y 1970.

En un sentido amplio, por medio de la incorporación de los símbolos

de la sociedad de consumo, el arte pop no solo ampliaba el

repertorio de los temas iconográficos del arte, sino que fijaba

posición frente a dos cosas: el reordenamiento de la sociedad de

consumo y la negativa de las élites intelectuales a reconocer que

este fenómeno atravesaba toda la cultura.

Así, Marilyn Monroe, Elvis Presley, Mao Tse Tung, Superman o

Batman resultaban tan “culturales” y dignos de atención para su

mundo contemporáneo como el repertorio de afroditas, venus,

adonis, apolos, vírgenes, santos, aguadores, pastores, paisajes,

reyes y personalidades para el siglo XVI.

Artista más destacado

Andy Warhol (1928-1987)

TRABAJO PRACTICO( tema a desarrollar por el alumno)

1- Explique con sus palabras que entiende por el termino

VANGUARDIA.

2- Con sus palabras haga una breve reseña de las vanguardias

mencionadas en el texto

CONSULTAS O DUDAS: rominatellone@yahoo.com.ar