Riduzione dell’opera Pietro il Grande

(musica di Gaetano Donizetti)

a cura di Marialuisa Bafunno, Alice Guarente

e Silvia Lorenzi con il coordinamento

di Michele Balistreri, Paolo Ferrari e

Francesco Micheli

Regia, macchinari, scene e dialoghi Ondadurto

Teatro - Marco Paciotti e Lorenzo Pasquali

Pietro il Grande / Magistrato Gabriele Nani

Carlo Scavronski Gwangseok Oh

Madama Fritz Anaìs Mejìas

Annetta Mazepa Anna Delfino

Performer Chiara Becchimanzi,

Valerio Marinaro

Direttore Alberto Zanardi

Pianista Anna Bosacchi

Quartetto d’archi dell’Orchestra Gli Originali

Teatro Sociale

27, 28, 29 novembre – 9.30 (elementari) 11.30 (medie)

DONIZETTI OPERA

Pietro il Piccolo

FESTIVAL 2019

Quaderno per l’insegnante

PIETRO IL PICCOLO

Riduzione dell’opera Pietro, il Grande

(musica di Gaetano Donizetti)

A cura di Marialuisa Bafunno, Alice Guarente e Silvia Lorenzi

Con il coordinamento di Michele Balistreri, Paolo Ferrari e Francesco Micheli

Regia, macchinari, scene e dialoghi Ondadurto Teatro - Marco Paciotti e Lorenzo Pasquali

Pietro il Grande - Zar delle Russie in incognito Gabriele Nani – basso Carlo Scavronski - Falegname di Livonia, Gwangseok Oh – tenore orfano e innamorato di Annetta

Madama Fritz - Locandiera, Anaìs Mejìas – mezzo soprano confidente e amica di Carlo

Annetta Mazepa - Innamorata di Carlo Anna Delfino – soprano e orfana di un traditore della patria

Magistrato – Figura ampollosa e arrogante Gabriele Nani – basso

Performer Chiara Becchimanzi e Valerio Marinaro

Direttore Alberto Zanardi Pianoforte Anna Bosacchi Quartetto d’archi dell’orchestra Gli Originali

INDICE

1. SEZIONE OPERA

- Prefazione: perché l’evidenza sulle emozioni? Pag. 3

- Perché portare la figura di Gaetano Donizetti nella scuola? Pag. 4

- Le 5 cose da sapere su Donizetti Pag. 5

- L’ABC dell’Opera Pag. 7

- Le regole - guida all’uso per fruire correttamente dell’Opera Pag. 9

2. SEZIONE SPETTACOLO

- 200 candeline per Pietro il Grande Pag. 11

- Genesi dell’opera Pag. 12

- La trama dell’opera Pag. 13

- Libretto in pillole Pag. 14

- La messa in scena di Ondadurto Pag. 18

3. SEZIONE DIDATTICA

- Canale visivo

o Scuola primaria: realizza la valigia Pag. 19

o Scuola secondaria: realizza il “Mobile” Pag. 24

- Canale narrativo

o Scuola primaria: una lettera per dire Grazie Pag. 29

o Scuola secondaria: l’indovinello Pag. 36

- Canale musicale

o Scuola primaria: lezione di canto e cori Pag. 42

o Scuola secondaria: lezione di canto e cori Pag. 46

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1. SEZIONE OPERA

PREFAZIONE: PERCHÉ L’EVIDENZA SULLE EMOZIONI?

Inserire nel programma scolastico l’insegnamento dell’opera lirica richiede, a chi lavora nel campo dell’educazione, una riflessione attenta. L’insegnante, approfondendo i punti di forza dell’opera, ha la possibilità di sperimentare l’efficacia di questo strumento nella didattica. Nello specifico sono due le peculiarità che si rivelano come una risorsa nell’insegnamento:

- Opera come multilinguaggio: il rapporto testo-musica-scena (melodramma), essenziale per la

comprensione dell’opera lirica, vede l’intreccio di più linguaggi (iconico, musicale, verbale). Questi codici, presenti nella didattica scolastica spesso separati (educazione artistica, educazione musicale, letteratura), possono trovare nell’opera lirica una sintesi mirabile, capace di esprimere e suscitare emozioni. Il multilinguaggio favorisce inoltre la trasversalità del sapere e l’interdisciplinarità, che per sua natura abbraccia filosofia, arte, musica, letteratura, scienza, etc., offrendo nello specifico occasioni di intraprendere percorsi interculturali, di educazione all’affettività, di scrittura creativa, di tecniche espressive e pittoriche, di approfondimenti di periodi storici e di conoscenza delle biografie dei grandi autori musicali. L’opera offre alla scuola diversi elementi di incrocio con la sua didattica, non solo nel campo dell’educazione musica, ma anche nelle discipline linguistiche, storiche, visive e scientifiche.

- Opera come amplificatrice delle emozioni: possiamo definire l’opera lirica un “teatro delle

emozioni”. L’amore, la vendetta, il coraggio, la sete di potere e la guerra sono spesso i temi sviluppati nell’opera. Si tratta di temi non sempre facili da affrontare, soprattutto con i bambini più piccoli, ma che rappresentano una ricchezza nel percorso educativo. Psicologi e pedagogisti evidenziano la necessità di offrire, anche nel contesto scolastico, fin dalla scuola primaria, occasioni di educazione all’affettività e alla gestione emotiva. In tal senso il melodramma (testo, musica, scena) rappresenta un’opportunità: ha la capacità di esprimere la forza delle passioni umane, di descrivere i sentimenti, di attivare l’intelligenza emotiva. Più di ogni altra espressione artistica il melodramma ha il dono di trasmettere a chi ascolta l’impeto delle passioni, come se le stesse vivendo in prima persona. Nel contempo, queste simulate passioni sono organizzate in una forma che tiene distinti tra loro gli ambiti della scena e del reale, permettendo al pubblico di partecipare emotivamente senza reale sofferenza. La simulazione formalizzata consente e facilita il ragionamento sulle passioni e favorisce la verbalizzazione e la presa di coscienza delle relative dinamiche, innescando una sana processazione.

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PERCHÉ PORTARE LA FIGURA DI GAETANO DONIZETTI NELLA SCUOLA?

Donizetti è un compositore nato a Bergamo, che già in vita raggiunse fama internazionale. Donizetti seppe sempre amare la propria terra, intessendo rapporti solidi e duraturi con persone e luoghi legati alle proprie origini. Oggi è uno dei più celebri artisti dell’Ottocento. Scrisse più di settanta opere e ancora oggi è il più rappresentato all’estero. Secondo una ricerca dell’Università Bocconi, ogni anno un milione e mezzo di persone si muove per assistere a una sua opera. Da qui l’importanza di far conoscere e presentare alle giovani generazioni la ricchezza lasciata da questo grande artista bergamasco. Grande contributo storico di Gaetano Donizetti è stato aver saputo inserire all’interno del teatro d’opera i temi del Romanticismo europeo. Oggi è considerato l’inventore del melodramma romantico, avendo più di altri fatto coincidere tra loro le emozioni espresse da musica, testo e scena. In tal senso le sue opere ben si prestano al lavoro di interdisciplinarità che abbiamo delineato come elemento cardine del rapporto opera-scuola. I suoi capolavori sono carichi di teatralità, di fantasia, di emozioni e di passioni, a volte anche estremizzate ed enfatizzare. In questa chiave Donizetti può essere considerato “maestro di emozioni” al servizio del mandato della scuola: non solo sa istruire e formare lo studente, ma riesce anche ad educare la persona.

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LE 5 COSE DA SAPERE SU DONIZETTI I record di Donizetti Gaetano Donizetti è nato a Bergamo ed è sepolto a Bergamo nella Basilica di Santa Maria Maggiore, vicino alla tomba di Simone Mayr, che fu il suo primo professore e sostenitore. È vissuto più di duecento anni fa, eppure, grazie alla musica che ha lasciato, è come se fosse ancora tra noi. Ogni anno, in tutto il mondo, vengono allestiti più di 23.000 spettacoli d’opera, di questi più di 1000 sono opere di Donizetti, per oltre 1 milione di spettatori. Tra tutti i compositori della storia dell’opera Donizetti è il sesto più eseguito al mondo, e tra tutte le sue opere, quelle che più piacciono al pubblico internazionale, sono “Lucia di Lammermoor” e “L’elisir d’amore”. In Italia gli sono state dedicate moltissime vie e piazze, e a Bergamo è stato creato un festival di musica interamente dedicato a lui. Niente male per un giovane nato, più di due secoli fa, in una umile famiglia e che, ancora oggi con la sua musica, conquista il cuore e le orecchie di milioni di ascoltatori.

Un successo lungo 200 anni Le opere di Donizetti portano le emozioni in primo piano. Le storie dei personaggi in scena coinvolgono lo spettatore grazie alla potenza della musica che il compositore ha saputo creare. L’opera più famosa di Donizetti è “Lucia di Lammermoor”, che racconta la storia di una ragazza costretta a sposare un uomo che non ama. Dopo mille avventure, tradimenti, inganni e delitti, la protagonista impazzisce e muore, in preda al dolore per aver perso il suo amato Edgardo che, alla fine, si uccide. La musica di Donizetti sottolinea i momenti più tragici della storia con melodie meravigliose che emozionano e commuovono. Quando l’opera venne eseguita per la prima volta, nel 1835, ebbe un notevole successo; alla fine della rappresentazione il pubblico in teatro iniziò ad applaudire e a festeggiare il grande Donizetti. Ancora oggi, dopo quasi duecento anni, ogni volta che “Lucia di Lammermoor” viene messa in scena, in un qualsiasi teatro del mondo, tutto il pubblico rimane profondamente emozionato e alla fine scoppia in un fragoroso applauso: è questa la potenza della musica di Donizetti.

Tantissime opere Gaetano Donizetti ha scritto più di 70 opere. Una quantità davvero enorme! Ha scritto opere serie, semiserie ma anche opere buffe, oltreché musica sacra e da camera. Se eseguissimo tutte le sue opere, una dopo l’altra, senza fermarci mai, dovremmo suonare e cantare per più di una settimana, notte e giorno! Donizetti scriveva opere con estrema facilità, riuscendo a creare melodie meravigliose che, ancora oggi, hanno un fascino irresistibile. Spesso veniva deriso per questa sua abilità, si diceva che componeva dozzine di opere, come se sfornasse pizze. Addirittura qualcuno lo prendeva in giro storpiano il suo cognome da “Donizetti” a “Dozzinetti”. La verità è che Gaetano aveva sempre moltissime idee musicali che, con gran rapidità, scriveva sul pentagramma per comporre le sue opere, una caratteristica che solo pochi geni (come Mozart) avevano.

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Il grande sostegno di Simone Mayr Donizetti nacque a Bergamo, in una famiglia molto umile. Quando aveva solo nove anni venne ammesso alle “Lezioni caritatevoli di musica”. Durante queste lezioni il grande compositore Simone Mayr notó il grande talento del giovane Donizetti e decise di seguire personalmente l’istruzione musicale del piccolo Gaetano. Mayr aveva proprio ragione, grazie al suo sostegno e a uno studio approfondito e rigido, Donizetti si rivelerà essere quel gran compositore che Mayr aveva intuito. Come dimostra la carriera di Donizetti, con tanto studio e una grande forza di volontà si ottengono sempre grandi risultati! Il fratello di Gaetano La famiglia Donizetti era composta dal papà Andrea, dalla mamma Domenica e da sei figli. Oltre a Gaetano, l’altro musicista della famiglia era Giuseppe. Invece di scrivere opere, Giuseppe si dedicò alla musica militare, conobbe Napoleone e divenne il maestro di musica del Sultano dell’Impero Ottomano. Giuseppe ha composto l’inno dell’Impero Ottomano e, per il suo grande impegno nella diffusione della musica in Turchia, venne anche nominato Pascià: una carica importantissima e molto prestigiosa. A causa della lontananza, Gaetano ebbe pochissimi contatti con il fratello Giuseppe, eppure gli rimase sempre affezionato; nelle sue lettere lo chiamava “il mio fratello turco”.

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L’ABC DEL TEATRO D’OPERA Libretto È proprio un piccolo libretto, come dice la parola stessa, nel quale è riportato il testo che i personaggi dell’opera cantano. Il libretto solitamente è scritto in versi, ed è molto utile per capire come si svolge la trama, chi sono i personaggi e come interagiscono tra di loro. Il libretto specifica anche in quanti atti e scene è suddivisa un’opera e include alcune didascalie che descrivono il luogo nel quale si svolge l’azione. È in definitiva una mappa dell’intera opera, manca solo la musica. Partitura È un grande librone che racchiude tutta la musica scritta dal compositore per quell’opera. Nella partitura è scritto esattamente cosa suona ciascuno strumento dell’orchestra, cosa deve cantare ogni cantante e cosa deve cantare il coro. È lo strumento di lavoro principale del direttore d’orchestra, che deve mettere assieme tutti coloro che partecipano alla realizzazione della recita d’opera. Il direttore d’orchestra inoltre, durante le prove di lettura con l’orchestra, decide quanto devono suonare “piano” gli strumentisti, fino a che “forte” possono arrivare, che tempi devono avere, e che timbri devono risaltare. Ai cantanti dà importantissime indicazioni al fine di rendere espressive le melodie che devono cantare.

Regia Per mettere in scena un’opera c’è bisogno di un regista che costruisca uno spettacolo, di uno scenografo che si occupi delle scene, di una costumista che si occupi dei costumi e di un light designer che scelga le luci migliori per creare effetti luminosi di grande effetto. Il regista conosce benissimo la storia da rappresentare e, durante le prove di scena con i cantanti, istruisce tutti gli artisti su come devono muoversi, che gesti devono fare, che espressione devono avere e come devono interagire tra di loro per catturare l’attenzione del pubblico una volta che il sipario si alza. Cantanti Sono coloro che, per dar vita all’opera, devono sia cantare che recitare. Devono calarsi nei panni dei personaggi che interpretano e fare emozionare il pubblico con lo strumento che hanno a disposizione: la voce. Ci sono cinque grandi tipologie, timbri, di voci: ● Soprano: è la voce femminile più acuta. Solitamente al soprano è affidata la parte di protagonista femminile. Il suo personaggio può essere una giovane donna che vive un’appassionata e tragica storia d’amore (opera seria), o una ragazza intraprendente e vivace che con astuzia sceglie il proprio consorte (opera buffa), ecc. ● Mezzosoprano: è, rispetto al soprano, una voce femminile meno acuta e dal timbro più scuro. Solitamente al mezzosoprano è affidata la parte di un’ancella, di un’amica o confidente della protagonista, a volte invece è la nemica del soprano. ● Tenore: è la voce maschile più acuta. Il tenore è solitamente il protagonista maschile dell’opera, ed emerge per il coraggio, la forza e la determinazione del suo spirito e delle sue azioni. Solitamente è innamorato del soprano ma, ahimè, spesso è travolto da un tragico destino. ● Baritono: è una voce maschile, più grave, cupa e tuonante rispetto a quella del tenore. Il baritono solitamente rappresenta il cattivo dell’opera, quello che ostacola il tenore e vuole imporre le proprie volontà al soprano.

● Basso: è la voce maschile più scura e profonda. Per il suo timbro penetrante e grave questa

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voce spesso è usata per rappresentare un personaggio soprannaturale, oppure per un personaggio anziano e saggio, come il padre della protagonista o un fidato consigliere.

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LE REGOLE: GUIDA ALL’USO PER FRUIRE CORRETTAMENTE DEL TEATRO D’OPERA Una caccia al tesoro Quando andrai a sentire la tua prima opera, preparati per tempo! Cerca su internet chi è l’autore, leggi la storia, ascolta la musica e guarda qualche video prima dello spettacolo; ti farai così già un’idea di cosa andrai a sentire e tutto risulterà più facile e godibile. Poi, una volta tornato a casa, scegli l’aria o il brano che più ti ha colpito e mettilo nella tua playlist!

Arriva puntuale, anzi un po’ prima A teatro è assolutamente vietato arrivare a spettacolo iniziato. Quando le porte si chiudono, chi rimane fuori dovrà aspettare l’intervallo per entrare in sala. Questo per evitare di disturbare non solo gli altri spettatori, ma anche l’intera orchestra, il direttore, i cantanti, il coro, e tutti i professionisti che stanno dando vita allo spettacolo. Oltretutto un ingresso all’opera è già uno spettacolo di per sé! Arrivando prima si può passeggiare per il foyer, scoprire il teatro e lasciarsi affascinare dall’architettura e dalla storia del luogo. Ogni volta a teatro è una vera e propria esperienza!

Vestiti a modo Ogni luogo richiede il suo abito! Andresti mai in spiaggia, ad agosto, con cappello di lana e giubbotto di pelle? Oppure a scuola in costume e canottiera? Oppure ancora in un museo travestito da Babbo Natale? Quando si va all’opera è meglio vestirsi per bene, eleganti. Il teatro d’opera è un luogo di cultura, che accoglie tutti e che propone bellezza. Il teatro dà lavoro ad artisti e a tantissime altre figure professionali, che con impegno e passione danno vita allo spettacolo, permettendo al pubblico di vivere esperienze rare ed emozionanti. Per questo sarebbe bello che anche tu ti presentassi con un abbigliamento adatto all’occasione. Non è carnevale ma ci sono le maschere! Quando si entra in un teatro d’opera, può essere difficile capire qual è il proprio posto. Ci sono teatri grandissimi da 1000, 2000 o 3000 posti, e bisogna accomodarsi al posto giusto, indicato sul biglietto. Per questo ci sono le “maschere”, ovvero il personale del teatro preposto ad aiutare il pubblico e pronto a rispondere a tutte le domande. Le maschere accolgono il pubblico e danno il benvenuto. Si possono riconoscere per la divisa che portano (ogni teatro ha la sua) e sono sempre molto disponibili ed educate.

Leggi il programma di sala Ad ogni rappresentazione è buona cosa prendere un programma di sala. Lì si trovano curiosità sullo spettacolo, foto, qualche testo che aiuta a comprendere meglio lo spettacolo e i nomi di tutti gli interpreti. Una volta a casa, il programma diventerà il ricordo di un bel momento passato a teatro. Si abbassano le luci e… Una volta seduti al proprio posto, si aspetta che le luci si abbassino per poi spegnersi. La sala diventa buia e tutta l’attenzione viene rivolta al palco. Dopo pochi secondi il

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direttore d’orchestra entra nella buca, dove è sistemata l’orchestra, e lì viene accolto da un primo applauso, un modo per incoraggiare tutti gli artisti che stanno per calcare la scena. Il direttore si rivolge al pubblico, lo saluta, poi si gira verso l’orchestra, alza la bacchetta e la magia dell’opera ha inizio. Attento a te! Una volta seduto in platea, in un palco o nel loggione, mentre guardi lo spettacolo non puoi mangiare o bere, inoltre non bisogna far rumore scartando caramelle o facendo cadere oggetti, non si deve chiacchierare col vicino e soprattutto non si può usare il cellulare, che deve essere rigorosamente spento, né scattare foto, né fare video. Applausi Se è la prima volta che vai a vedere un’opera, fidati di cosa fa il pubblico, eviterai così di sbagliare. Solitamente si applaude solo all’inizio e alla fine dell’atto, ma alcune volte, dopo un’aria o un momento particolarmente emozionante, è possibile che tutto il pubblico si sciolga in un applauso fragoroso, per esprimere la propria emozione e per celebrare la bravura dell’artista. Qualcuno si spinge addirittura a urlare “bravo!”, altri battono i piedi, qualcuno invece, se lo spettacolo non è piaciuto, fischia, altri semplicemente esprimono il loro dissenso non applaudendo. Nelle serate più importanti, quando sono in scena grandissimi artisti, può succedere che il pubblico getti sul palco decine di fiori per celebrare il cantante, il direttore o il regista dello spettacolo!

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2. SEZIONE SPETTACOLO

200 CANDELINE PER PIETRO IL GRANDE

Il Donizetti Opera Festival ogni anno mette in scena almeno due opere della produzione donizettiana. Per la prima volta in ambito nazionale e internazionale, un Festival si è dotato di un progetto artistico a lungo termine denominato “Donizetti Opera Progetto 200”, il cui obiettivo è quello di eseguire ogni anno un’opera che compie i 200 anni dalla prima esecuzione. Ogni anno la programmazione terrà dunque conto di un rigoroso ordine cronologico che presenterà allo spettatore il percorso vissuto da Donizetti. Dopo la felice esperienza del Pigmalione che ci ha permesso di scoprire il primissimo lavoro teatrale di un Donizetti ancora studente e dopo aver messo in scena nel 2018 l’Enrico di Borgogna, quest’anno proponiamo al nostro pubblico Pietro il Grande, Kzar delle Russie o sia il falegname di Livonia. L’intento è quello di ripercorrere tutte le tappe salienti di Donizetti, uomo e artista, in un lungo cammino che svelerà nuovi aspetti del compositore, anno dopo anno. Pietro il Grande è la seconda opera teatrale messa in scena da Donizetti, sempre a Venezia, dopo l’insuccesso di pubblico di Enrico di Borgogna dell’anno precedente. Per questa occasione, pensando al pubblico di giovanissimi, abbiamo creato una seconda versione, costola di Pietro il grande, intitolata Pietro il piccolo. Tagliando e ricucendo l’opera madre, e accostando alla trama del libretto un secondo piano narrativo, abbiamo reso più fruibile il linguaggio operistico. In questa riduzione a beneficio degli studenti, partendo dall’esperienza del giovane Donizetti, indagando il suo carattere, le sue emozioni e i suoi desideri, abbiamo voluto sviluppare i temi del controllo delle emozioni, della partenza e del successo personale sostenuto dagli affetti, dagli amici e dalle figure guida. Donizetti così come Carlo, il tenore protagonista dell’opera, ha dovuto moderare la sua spontanea irruenza e lasciare la terra in cui è cresciuto per trovare così il proprio successo, prima nei teatri veneziani e poi a Napoli. Lasciando Bergamo però non lasciava solo un luogo, ma anche gli affetti più cari: la sua famiglia, il suo maestro Simone Mayr e una ragazza sua coetanea, una certa Giuditta Paganini, violinista bergamasca, che già in adolescenza aveva destato il suo interesse. Il tema della partenza, necessaria per ottenere il successo, è uno degli argomenti ricorrenti nelle lettere di Donizetti, che negli anni esprimerà una grande nostalgia per la propria famiglia e per il proprio maestro. Così qualche anno dopo il debutto di Pietro il Grande scriverà al suo maestro prima di partire per il Regno di Napoli:

Pregiatissimo Signor Maestro,

Io parto! Che ne dirà il buon Mayr? Applaudirà o sarà di diverso parere? Togliendomi alla Lombardia, mi tolgo il pascolo a mille lingue maldicenti… Spero risarcire in Seno a Partenope l’onore perduto sull’Olona, lo voglia il cielo: Mayr sa di avere in me un debole Servitore, mi comandi adunque e sarò contento di poterlo compiacere. Mille doveri alla Signora ed un bacio alla figlia. Suo devoto Ossequiosissimo Servitore, Donizetti

(Gaetano Donizetti a Giovanni Simone Mayr, 11 dic 1822)

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GENESI DELL’OPERA

Dopo gli anni di formazione a Bergamo sotto la guida di Simone Mayr, dopo gli anni di perfezionamento a Bologna, dopo il debutto con l’Enrico di Borgogna al Teatro San Luca di Venezia, Donizetti torna in scena con una nuova opera nel 1819. L’anno prima l’Enrico a causa dei suoi interpreti canori non ebbe il successo di pubblico desiderato, ma Donizetti ad ogni modo non si scoraggiò e tornò a Venezia l’anno successivo con un nuovo titolo: Pietro il Grande, Kzar delle Russie o sia il falegname di Livonia. L’opera, definita dal compositore stesso “melodramma burlesco”, andò in scena al Teatro San Samuele il 26 dicembre 1819, quando Donizetti aveva appena compiuto 22 anni. Con Pietro il Grande il giovane compositore entrò a far parte definitivamente del mondo teatrale dell’epoca. Il libretto era opera del marchese Gherardo Bevilacqua Aldobrandini, uomo di mondo nato a Ferrara, ma che a Roma frequentava i salotti più alla moda. Il marchese, amante del teatro, scenografo per passione e librettista per diletto, aveva conosciuto in ambiente romano la commedia Le menuisier de Livonie di Alexandre Duval dalla quale ricavò la trama per questo suo lavoro. Quella stessa commedia, solo qualche mese prima, aveva dato vita ad un altro libretto, di Felice Romani per il celebre compositore Giovanni Pacini. Per questo motivo, per evitare equivoci, si dovette prendere una decisione all’ultimo momento e cambiare il titolo dell’opera in Pietro il Grande Kzar delle Russie (come risulta nel frontespizio del libretto stampato) seppure Donizetti in ogni aria, duetto, coro o recitativo del manoscritto qualifichi il suo lavoro come Il falegname di Livonia. Per questo suo lavoro Donizetti fu più fortunato con la compagnia di cantanti a cui affidò la sua opera, infatti nel title role di Pietro ebbe il basso Pio Botticelli, appartenente a una famosa famiglia di bassi; cantante di carattere simpatico ed eclettico, dalla verve scanzonata ma dal timbro nobile: perfetto per interpretare il ruolo di Pietro il Grande così come immaginato dal compositore e dal librettista. Tra i ruoli di basso per cui venne ricordato (Cenerentola, Gazza ladra, Donna del lago, Guglielmo Tell di Rossini; Beatrice di Tenda di Bellini) è testimoniato anche un altro incontro col Donizetti per Il furioso all’isola di San Domingo nel 1833. Il tenore fu Giovanni Battista Verger nel ruolo di Carlo Scavronski che debuttò proprio con Pietro il Grande nel 1819. Verger incontrerà ancora Donizetti, essendo per lui primo interprete tenorile, nel 1827 in Olivo e Pasquale al Valle di Roma e nel 1828 in Alina regina di Golconda al Carlo Felice di Genova. Il tenore e sua moglie vengono ricordati anche come vivaci animatori della vita culturale milanese degli anni trenta, come partecipanti ai popolari “Venerdì sera di casa Rossini” unitamente a grandi divi quali Giuditta Pasta e Adolphe Nourrit. Verger sarà ancora per Donizetti Percy in Anna Bolena, Edgardo in Lucia di Lammermoor, Pollione e Alamiro in Belisario. Nel ruolo di Madama Fritz ci fu il mezzosoprano Caterina Amati: una voce e un’interprete certamente versatile. Nel 1816 approda alla Scala fungendo da comprimaria all’ombra delle primedonne. Nel 1817 ha poco incontro di pubblico come Rosina del Barbiere di Siviglia per antipatie di partito. È poi Ninetta nella Gazza ladra di Rossini. Opterà quindi per una corda squisitamente sopranile in Amenaide in Tancredi, di cui nel 1826 interpreterà anche il ruolo contraltile del protagonista.

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LA TRAMA DELL’OPERA

“Pietro il grande”, di cui qui presentiamo una versione “piccola”, debuttò nel 1819, 200 anni fa. Si tratta di un’opera semiseria, il che vuol dire che fa un po’ piangere e un po’ ridere (ma soprattutto ridere!). È ambientata all’inizio del 1700 in Livonia, una regione baltica. Il protagonista è il giovane Carlo, un falegname, focoso e irruente, fidanzato con la dolce Annetta, ahimè figlia di un ribelle. La locandiera Madama Fritz è molto affezionata a Carlo e lo protegge e consiglia come una madre; tuttavia Carlo a causa del suo caratteraccio continua a mettersi nei guai. Tra un litigio e l’altro del vivace Carlo, un evento straordinario turba la solita vita: giunge uno strano forestiero vestito da ufficiale, anche se in realtà si tratta di Pietro, lo zar! Egli, sotto mentite spoglie, ha raggiunto quel lontano paese per cercare il fratello perduto di sua moglie, la zarina Caterina. Durante l’infanzia i due fratelli furono separati e da allora mai più ricongiunti. Lo zar ha motivo di pensare che il giovane si trovi lì. Appena arrivato, fa la conoscenza della locandiera e si imbatte in Carlo. Tra i due uomini nasce subito un litigio. Lo zar accusa Carlo di aggressione e fa chiamare il Magistrato affinché venga fatta giustizia. Madama Fritz cerca di intercedere presso il Magistrato chiedendo clemenza per il suo pupillo, senza purtroppo ottenere alcun risultato, mentre Annetta è spaventata dall’idea di perdere il suo amato. Il Magistrato, personaggio ampolloso e arrogante, non vuole sentire ragioni, sta per condannare Carlo, quando Madama Fritz irrompe mostrando una lettera che attesta che Carlo discende da una nobile famiglia. Tra lo stupore di tutti, lo zar Pietro fa subito liberare il giovane. Poco dopo, in segreto, gli svela la sua vera identità: Carlo è il fratello perduto della zarina! I due si abbracciano commossi. Lo zar invita il giovane a Pietroburgo; Carlo accetta, ma ad una sola condizione: poter portare anche la sua amata Annetta. Questo è un altro problema perché Annetta è figlia di un ribelle. Ma poiché il padre è defunto da tempo, lo zar accetta anche Annetta nella sua nobile famiglia. Finalmente Pietro può svelare a tutti la sua identità di zar, imperatore di Russia, e si prepara per partire con, il cognato Carlo e la giovane Annetta. Nel giubilo generale solo Madama Fritz sembra non gioire, perché perderà il suo pupillo e la cara Annetta; ma la locandiera è una donna dall’animo nobile e generoso, e per il bene di chi ama è disposta a qualsiasi rinuncia: abbraccia Carlo, lo saluta e gli augura di proseguire felice per la sua strada.

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LIBRETTO IN PILLOLE È l'alba. Mentre è al lavoro, il falegname Carlo ribadisce il suo amore per la sfortunata Annetta, figlia innocente di un traditore della patria.

Carlo e Annetta:

Cara, vezzosa immagine del tenero idol mio! Sempre ti porto, oh Dio! scolpita nel pensier. Io pur ti stringo al seno idolo del mio cor! Sarei felice appieno se a te mi unisse amor Amor! pietoso amor; quando verrà quel dì, che finirà il mio cor di palpitar così? Carlo, focoso e ribelle, dà prova del suo caratteraccio aggredendo malamente un uomo che ha tentato di corteggiare la sua Annetta. Attirata dalle grida, compare la locandiera Madama Fritz, sua protettrice e consigliera, che cerca di calmarlo.

Madama Fritz:

Quale ardir! Qual brando ignudo! Quale alterco inusitato! Vo, che sia più rispettato il mio albergo, il mio decor. Questa non è una bettola d’ignobile baccano: freni lo spirto insano prudenza, e civiltà. Imponi o ardente giovane sui propri affetti impero: e in lei signore io spero maggior docilità. Pace gioconda vi animi a più gentil fervor. Giunge un forestiero. È lo zar Pietro, in viaggio sotto mentite spoglie, alla ricerca del fratello di sua moglie, disperso dall'infanzia. Lo zar spera di trovarlo in quella regione.

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Pietro:

Con menzognero vanto e padre e re si dice, colui che sol felice del giogo altrui si fa. È re chi ognor politico internamente vede; è padre chi provvede l’oppressa umanit Pietro interroga Madama Fritz a proposito di quel giovane falegname, Carlo, di origini ignote ma che sostiene di essere un gentiluomo. Carlo non gradisce quelle domande e ancora una volta inizia ad alterarsi. Pietro fa mettere Carlo sotto sorveglianza, mentre Madama Fritz lo invita ad essere più umile. Chiamato a gran voce, compare il tronfio magistrato.

Magistrato:

Chi mi cerca? chi mi turba fra i bei simboli d’Astrea? Chi è quell’anima plebea, che mi toglie a’ miei sudor? Madama Fritz perora la causa di Carlo presso il Magistrato. Annetta è preoccupata per le sorti del suo amato.

Annetta:

È riposta, o caro oggetto! in te sol la mia speranza: sol per te con tal costanza soffro esilio, e povertà. Ah! s’è ver che un puro affetto qualche grazia in cielo ottiene, te sollievo a tante pene il destin mi lascerà. Il Magistrato inizia il processo a Carlo, accusato di offesa ad un ufficiale.

Magistrato:

Lor posti prendino: che tutti seggano, che qui mi ascoltino senza fiatar. si hanno da svolgere per giudicar. Quest’abito m’infonde eroismo, e grandezza. Oh! se potessi

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vestir sempre in tal foggia! Olà! Notaio? Si processi, e condanni il delinquente. Astrea! figlia di Giove! Famoso damerin de’ tempi andati! Fa che vibrando un raggio De’ tuoi bei lumi nella mente mia un Numa, un Fabio, un Salomone io sia. «Conciosia fosse che essendo cosa che nell’anno ottantre reggendo il regno un re.» Adesso punto, e virgola, parentesi e da capo, «Nella Locanda nobile insegne della Luna fu carcerato un giovane di genio perfidissimo e il giudice rettissimo questa sentenza diè.» Sentiam questo periodo, leggi Notaio, a te Quando la sua condanna sembra essere ormai decisa, Madama Fritz irrompe e dà lettura di un documento che attesta i nobili natali di Carlo.

Madama Fritz poi Pietro:

«Nell’equipaggio del Ministro Luterano fu ritrovato questo giovine. Egli è figlio di Carlo Scavronski, gentiluomo di Lituania, morto al servizio della Svezia. Egli aveva una sorella, che dicesi perita nel saccheggio di Marienburgo: ma si vuole forse alla Corte del Kzar in Pietroburgo. Ecco la firma del Ministro. Attesto e giuro a tutti ec.» Pietro capisce di aver trovato l'uomo che cercava! Chiede di liberare Carlo e lo fa vestire con abiti di lusso. Sempre più frastornato, Carlo riceve la visita di Pietro, che gli svela la propria reale identità. Carlo apprende che Caterina è ora moglie dello zar. Prima di ricongiungersi con la ritrovata famiglia a Pietroburgo, desidera presentare l’amata Annetta e portarla con sé.

Carlo:

Il dolce nome, e tenero pur di fratello io sento. Tre lustri, o ciel! di lagrime compensa un sol momento. Per voi non son più orfano;

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per voi son fuor d’affanni. Alfin l’amica amabile trovai dei miei verd’anni. Ah! di quest’alma il giubilo è d’ogni idea maggior. Ah! quando di un’anima le gioie son tante capace di esprimerle il labbro non è. Finalmente Pietro, nello stupore generale, svela la propria identità a tutti e concede a Carlo di portare con sé Annetta (nonostante sia figlia di un traditore). Mentre fervono i preparativi per la partenza, Madama Fritz esprime il proprio dolore per la separazione da Carlo, ma nello stesso tempo gli rinnova tutta la sua fiducia e il suo affetto.

Madama Fritz:

In questo estremo amplesso ricevi, in questo addio, pegno dell’amor mio, viva, e sincera fè. Ah! che vicino a perderti mi uccide il mio dolore. (Quanto mi costa, o amore, il trionfar di te!) Sentirsi accendere per un oggetto e dover spegnere la fiamma in petto è troppo barbara fatalità come resistere al fier cimento più rio tormento no, non si dà. Spronare un amico vuol dire anche sostenerlo nelle sue scelte, nella decisione di partire per trovare la propria strada. Il gruppo parte alla volta di Pietroburgo, salutato dalle grida di gioia di tutti.

Tutti e Coro:

Dopo soffio di nembo, e procella scintillante risorge la stella, che consola l’afflitto nocchier. Canta lunge dall’armi nemiche le passate sanguigne fatiche nella pace il glorioso guerrier.

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LA MESSA IN SCENA DI ONDADURTO

Saranno Gaetano Donizetti e Giuditta Paganini ad accompagnare i ragazzi e le ragazze in un viaggio sorprendente alla scoperta dell'Opera Pietro il Piccolo.

Appariranno sotto forma di fantasmi per lanciarsi in una giocosa scaramuccia d'amore che diverrà un pretesto per portarci all'interno della storia, dei suoi personaggi e della sua genesi.

Forte sarà l'impatto visivo dato dall'impianto scenografico; macchine e strutture, manipolate dal vivo dagli stessi attori andranno a disegnare di volta in volta lo spazio scenico.

Chiave distintiva della regia è il forte equilibrio nel dialogo tra i differenti linguaggi utilizzati: parola, teatro danza, video e la forte presenza dei cantanti e dell'orchestra andranno a creare per gli studenti e le studentesse un'esperienza unica nel suo genere.

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3. SEZIONE DIDATTICA

CANALE VISIVO SCUOLA PRIMARIA: REALIZZA LA VALIGIA

È tutto pronto. Carlo ha scoperto la sua vera identità: essere il fratello della moglie dello zar. Non resta che salutare gli amici, la terra e partire con Annetta alla volta di Pietroburgo. Ma non è facile lasciarsi tutto alle spalle, soprattutto se si tratta di amici! Madama Fritz è molto triste per la partenza di Carlo, ma è comunque pronta a donare ancora tanto amore e tanta fiducia, e a incoraggiarlo a intraprendere la propria strada. Di certo Carlo, con tutto quello che dovrà portarsi dietro, avrà bisogno di una valigia enorme! Per aiutarlo a partire con tutto il necessario, i bambini ne costruiranno una insieme, simbolo di tutto ciò che è necessario portare con sé nel momento di partire verso il proprio futuro. La scenografia dello spettacolo è fatta di forme e colori ben precisi (un cerchio rosso, un rettangolo lungo blu...) con riferimenti visivi che derivano dalle avanguardie russe come il Suprematismo (si veda l’approfondimento sotto). Per questo motivo i bambini si ispireranno all’Arte Astratta per decorare la valigia di classe. Cari insegnanti, è importante mostrare in classe alcuni esempi di quadri degli esponenti più famosi affinché i bambini possano comprendere meglio la corrente artistica studiata e riconoscere le forme geometriche in cui viene semplificata la realtà. Nella sezione “Formazione” del sito Donizetti.org è disponibile il download di una dispensa con le immagini delle opere. ELENCO MATERIALI: - 2 fogli di cartone 70x100 (consegnati dalla Fondazione Teatro Donizetti) - cartoncino bianco - tempere colorate (colori a vostro piacimento) - colla, forbici, pennelli PROCEDIMENTO Si costruirà la valigia collettivamente utilizzando i due fogli di cartone 70x100 cm consegnati all’incontro con la Fondazione. La valigia potrà essere costruita della dimensione che si preferisce, purché stia nella grandezza dei 2 cartoni. Ecco un modo semplice per costruirla:

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Dopo aver costruito la valigia con il cartone, potrete scegliere un materiale per ricoprirla o un colore per dipingerla, lo sfondo deve essere uniforme. Ma come riempirla? La partenza è sempre associata a stati d’animo ed emozioni più o meno intense, talvolta contrastanti: possiamo ritrovare la paura o il timore, la nostalgia, ma anche felicità, entusiasmo e curiosità. Vista l’età dei bambini si consiglia di focalizzarsi sulle emozioni primarie e più semplici, quali paura, gioia, tristezza, sorpresa. Ed è proprio con queste emozioni e la loro rappresentazione grafica che faremo lavorare i bambini: si comincia col far riflette i bambini sul tema della partenza e del lasciare gli affetti, momenti che il protagonista sta attraversando, facendo emergere i loro pensieri con domande del tipo: secondo voi come si sentirà il protagonista? Quali emozioni potrebbe provare? Potrebbe essere necessario aiutare i bambini nell’individuare delle emozioni primarie che abbiamo individuato sopra. Dopo aver raccolto le impressioni dei bambini si può permettere l’identificazione personale, solo verbale: quando vi è capitato di provare quelle emozioni? Ciascun bambino è invitato a pensarci e condividere. E ancora: pensando di dover partire, come il protagonista, quale sarebbe tra quelle che abbiamo detto l’emozione/i che provereste di più? Possono anche sceglierne più di una, pensando a quale sentirebbe di più e quale meno. Ora rappresentiamo queste emozioni: diamo loro una forma e un colore! A questo punto si mostrano ai bambini forme di diverso tipo e dei colori tra i quali potranno scegliere, e il significato associato. Ogni colore ha un significato ben preciso e comunica particolari emozioni, proprio come l’Arte Astratta ci ha insegnato. Ecco alcuni esempi: - Quadrato/rettangolo - Trapezio/piramide - Triangoli - Cerchio/ovale - Curve

- Bianco: sorpresa - Blu: tristezza - Rosso: rabbia - Giallo: gioia/felicità - Verde: disgusto - Nero: paura

A questo punto i bambini sono invitati, individualmente, a scegliere una o più forme e colorarle con i colori che rappresentano le emozioni che ciascuno ha individuato. Ricordate che è possibile che un bambino individuai più emozioni e quindi più forme con diversi colori. La valigia di Carlo è pronta per essere decorata con le sagome di tutti i bambini, accostandole e cercando di trovare un modo per farle convivere tra loro. Il manufatto dovrà essere consegnato all’ingresso del teatro, prima che inizi lo spettacolo.

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APPROFONDIMENTO: L’ARTE ASTRATTA

Nei primi anni del XX secolo nasce una nuova corrente artistica che tenta di abbandonare la rappresentazione della realtà per semplificarla in linee, forme geometriche e colori: l’Arte Astratta. Il passaggio dall’arte figurativa all’astrattismo non è stato così semplice! Ci sono stati quadri diventati famosi per le loro sfumature, per la bellezza dei dettagli e per le luci ed ombre, altri invece sono stati rivoluzionari per la rinuncia a tutto questo. Gli artisti, dopo aver deciso di non volere più imitare la natura così com’era, hanno dovuto trovare un nuovo metodo per esprimere il mondo che li circondava. L’occhio dell’artista ha iniziato a guardare dentro di sé per raccontare il mondo fuori, dando nuove connotazioni alla forma ed il colore, caricandoli molto spesso di un significato emotivo e simbolico. LE AVANGUARDIE RUSSE: IL SUPREMATISMO

All’interno dell’Arte Astratta ci sono vari esponenti e diverse correnti, quella su cui vogliamo concentrarci è il Suprematismo, una delle più importanti tra le avanguardie russe. Il Suprematismo, di cui il maggior esponente fu Kazimir Malevič, indica la supremazia della pura sensibilità nell’arte, l’espressione del sentimento più intimo, non inquinato da riferimenti ad oggetti esterni o da scopi politici, sociali e religiosi. Se inizialmente Malevič imitò la realtà semplificandola in forme geometriche (fig. 1), con il passare del tempo si concentrò solo sull’uso del colore nella sua espressione suprema, non dandogli più una funzione marginale e secondaria (fig. 2). La sua pittura, tra questi due estremi, si basa maggiormente sulla composizione di forme geometriche essenziali come cerchi, quadrati, rettangoli, linee, dipinte con pochi colori piatti (fig. 3).

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FIG. 1 Un inglese a Mosca (1913) FIG. 2 Quadrato nero (1915) Stedelijk Museum, Amsterdam Galleria Tret'jakov, Mosca

FIG. 3 Suprematismo (1915) Fondazione Beyeler, Riehen

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SCUOLA SECONDARIA DI PRIMO GRADO: REALIZZA IL “MOBILE” Nella storia di Pietro la giustizia e la verità vincono grazie alla fratellanza e all’amicizia tra i personaggi, riportando l’equilibrio tra tutti. Per raccontare questa storia, la scenografia dello spettacolo si è ispirata all’Arte Astratta: sono state utilizzate forme geometriche e colori ben precisi (un cerchio rosso, un rettangolo lungo blu...) con riferimenti visivi che derivano dalle avanguardie dei primi ‘900. Quale modo migliore per ritrovare questi elementi fondamentali se non guardando le sculture di Alexander Calder? Le sue sculture sospese, i “Mobiles”, non sono altro che forme astratte in equilibrio tra loro. Per questo gli studenti saranno chiamati a costruire una piccola opera d’arte ispirata proprio a questo grande artista: un “Mobile” di classe. Cari insegnanti, aiutate i ragazzi a comprendere come queste sculture aeree sono costruite, il loro movimento nello spazio e le regole dell’equilibrio. Fate notare che ogni forma e colore ha un significato ben preciso e comunica particolari emozioni, proprio come l’Arte Astratta ci ha insegnato (si veda l’approfondimento sotto). La scultura astratta non sarà altro che il simbolo dell’equilibrio e della giustizia di classe possibile solo tramite la fratellanza e l’aiuto tra i vari membri che la compongono. Nella sezione “Formazione” del sito Donizetti.org è disponibile il download di una dispensa con le immagini delle opere. ELENCO MATERIALI: - circa 6 mt di fil di ferro (consegnato dalla Fondazione Teatro Donizetti) - cartoncino bianco - tempere colorate (colori a vostro piacimento) - filo da pesca o nylon - pinze, forbici, scotch, pennelli - graffetta PROCEDIMENTO L’obiettivo è quello di realizzare un “mobile” di classe attraverso la costruzione di sagome personali. Ogni ragazzo potrà costruire la sua sagoma su cartoncino, libero di esprimere ciò che la storia di Pietro gli suscita, riportando poi queste emozioni nella propria storia personale. Ed è con queste emozioni e la loro rappresentazione grafica che faremo lavorare i ragazzi: Si comincia col far riflette i ragazzi sulle vicende che il protagonista sta attraversando, facendo emergere i loro pensieri con una serie di domande: secondo voi come si sentirà il protagonista? Quali emozioni ritrovate nella sua storia? Potrebbe essere utile aiutare i ragazzi a far emergere emozioni di vario tipo e a capirne la complessità, da quelle primarie (rabbia, paura, tristezza, gioia, disgusto, sorpresa) a quelle secondarie (vergogna, invidia, speranza, perdono, offesa...), più elaborate. Dopo aver raccolto le impressioni dei ragazzi si può permettere l’identificazione personale: quali emozioni ritrovate in particolare nella vostra vita? Possono anche sceglierne più di una, pensando a quali sono presenti in misura maggiore o minore. E ancora: quando vi è capitato di provare quelle

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emozioni? Ciascun ragazzo è invitato a pensarci, ma non si propone la condivisione immediata. Ora rappresentiamo queste emozioni: diamo loro una forma e un colore! A questo punto si mostrano ai ragazzi forme di diverso tipo e dei colori tra i quali potranno scegliere, e il significato associato. Ogni colore e forma ha un significato ben preciso e comunica particolari emozioni, proprio come l’Arte Astratta ci ha insegnato. Ciascun ragazzo è invitato a scegliere la forma che più lo rappresenta associandovi il colore corrispondente alle emozioni che ciascuno ha individuato in precedenza. Ecco alcuni esempi: - Quadrato/rettangolo: fiducia, stabilità, uniformità, onestà, uguaglianza, sicurezza - Trapezio/piramide: crescita, maggiore stabilità - Triangoli: dinamismo, forza, tensione, equilibrio, pace - Cerchio/ovale: completezza, amore, movimento, protezione, femminilità - Curve: creatività, ritmo, generosità

- Bianco: sorpresa - Blu: tristezza - Rosso: rabbia - Arancione: vergogna - Giallo: gioia - Azzurro: speranza - Verde: disgusto - Nero: paura - Rosa: perdono - Viola: invidia - Grigio: nostalgia - Marrone: delusione

Ora sono invitati a scrivere dietro ad ogni forma, il momento o la circostanza nel quale ricordano di aver provato quella/e emozione/i. Si ricordano che possono prendere più forme, magari calibrando la dimensione a seconda dell’intensità dell’emozione provata. Si lascia poi la possibilità, per chi volesse, di creare una forma ed un colore con un significato personale ed importante per loro, che magari non sono presenti tra quelle proposte. Una volta costruite le sagome individuali, le si potrà dipingere a piacimento. È il momento di creare il “Mobile” di classe. Ogni sagoma dovrà essere sospesa con il filo di nylon o attaccandola direttamente al fil di ferro. Tagliate il fil di ferro alla distanza che preferite, è importante trovare più livelli affinché la scultura sia visibile e contenga tutte le sagome. Partite sempre dal basso per trovare il punto di equilibrio e salite fino al gancio per appendere la scultura. Il gancio può essere anche una semplice graffetta. La scultura dovrà essere visibile dalla platea, quindi tenete a mente che sia alta almeno 1 metro.

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Finita la scultura potrete divertirvi a trovare un titolo che colga il suo significato. Il piccolo manufatto dovrà essere consegnato all’ingresso del teatro, prima dell’inizio dello spettacolo. Tutti i manufatti consegnati saranno, a tempo debito, inseriti nella scenografia.

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APPROFONDIMENTO: L’ARTE ASTRATTA

Nei primi anni del XX secolo nasce una nuova corrente artistica che tenta di abbandonare la rappresentazione della realtà per semplificarla in linee, forme geometriche e colori: l’Arte Astratta. Il passaggio dall’arte figurativa all’astrattismo non è stato così semplice! Ci sono stati quadri diventati famosi per le loro sfumature, per la bellezza dei dettagli e per le luci ed ombre, altri invece sono stati rivoluzionari per la rinuncia a tutto questo. Gli artisti, dopo aver deciso di non volere più imitare la natura così com’era, hanno dovuto trovare un nuovo metodo per esprimere il mondo che li circondava. L’occhio dell’artista ha iniziato a guardare dentro di sé per raccontare il mondo fuori, dando nuove connotazioni alla forma ed il colore, caricandoli molto spesso di un significato emotivo e simbolico. ALEXANDER CALDER E I SUOI “MOBILES”

“Un mobile in movimento lascia dietro di sé una scia invisibile, o meglio, ogni elemento lascia una scia individuale dietro la propria singola presenza. A volte queste scie si contraggono una dentro l'altra, a volte invece sono visibili.” A. Calder Alexander Calder è un artista americano, tra i più importanti e creativi del Novecento, famoso per la sua rivoluzionaria concezione dell’arte come qualcosa che non è fermo, immobile, ma, al contrario, sempre in movimento e in trasformazione. Soprannominato il “meccanico artista”, inventa giocattoli, assembla oggetti, dipinge, crea gioielli e decora automobili e aerei fino ad arrivare alle famose sculture cinetiche. Nel 1926 crea il “Cirque Calder” (FIG. 1), un circo realizzato come un assemblaggio di minuscoli artisti, animali, attrezzi di scena, fatti con filo metallico, cuoio, stoffa e materiali di recupero vari. L'artista scoprì che gli piaceva lavorare con il fil di ferro, e ben presto cominciò a ricavare da questo materiale sculture in cui ritraeva gli amici e i personaggi del suo tempo. Arrivato a Parigi visita lo studio di Mondrian e rimane profondamente colpito da una parete tutta rivestita di rettangoli di cartone colorato, da quel momento si avvicinerà all’Astrattismo. “In quel momento pensai a come sarebbe stato bello se tutto avesse preso a muoversi”, racconterà in seguito, quasi a sottolineare come da quella visione fosse nata l’idea che sarà alla base del suo universo creativo. Calder realizzò la sua prima vera scultura cinetica, il suo primo “Mobile” al quale ne seguirono molti altri (FIG. 2-3), dando vita a un genere artistico del tutto nuovo.

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FIG. 1 Cirque Calder (1926-31) FIG. 2 Cascading Flowers (1949) The Whitney's Collection, New York National Gallery of Art, Washington

FIG. 3 Mobile (ca. 1934) Collezione Peggy Guggenheim, Venezia

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CANALE NARRATIVO

SCUOLA PRIMARIA: UNA LETTERA PER DIRE GRAZIE

Il maestro e l’allievo La Bergamo di primissimo Ottocento nella quale il giovane Donizetti si andava formando era un contesto denso e stimolante, una cittadina nella quale anche un giovane di pochi mezzi (quale Donizetti era) poteva avere accesso all’istruzione. Le Lezioni Caritatevoli di Musica, istituite per il Pio Istituto Musicale dal Maestro Simone Mayr, furono il luogo dove avvenne la formazione musicale di Gaetano Donizetti. Se è dunque vero che fin da bambino egli mostrò di avere doti innate, tuttavia queste vennero coltivate grazie ad un apprendistato che non si limitò al solo artigianato musicale, perché Giovanni Simone Mayr offriva ai suoi allievi anche lezioni di Cultura Generale, e coi più dotati intrattenne per tutta la vita un colloquio continuo e informale, attraverso incontri e scambi epistolari. Anche Donizetti gli scrisse sempre, per mantenerlo al corrente delle sue attività e per ringraziarlo del supporto dato. In virtù di questo rapporto speciale tra il maestro e l’allievo, ai bambini viene chiesto di condividere questo sentimento attraverso un’attività narrativa: la scrittura di una lettera, da indirizzare ad una figura di riferimento, per ringraziarlo/a della sua presenza e del suo aiuto. La lettera verrà poi lanciata sul palco in forma di aeroplano. Ai bambini si può suggerire di realizzarne due copie, una da lanciare in teatro e l’altra da conservare, nel caso decidessero di farla leggere al destinatario, o come ricordo di un importante momento di riflessione sui propri legami. Di seguito il testo inserito nel materiale per gli studenti. UNA LETTERA PER DIRE GRAZIE Il Maestro Mayr è stato una persona molto importante per me: oltre ad avermi insegnato la musica, mi ha salvato dalla bocciatura. Mica poco… Ero stonatissimo, non sapevo proprio cantare, ma avevo un dono che gli altri bambini più buoni e più intonati non avevano: sapevo comporre musica. Impiegavo tutto il mio impegno, tutto il mio tempo, sacrificandomi per quello che amavo fare: scrivere musica per gli altri. Il maestro Mayr lo sapeva e mi ha difeso, esattamente come Madama Fritz. Lui è il mio eroe, la musica la mia salvezza. In questo modo ho potuto continuare a studiare e diventare il compositore che desideravo essere. Sono molto riconoscente al mio maestro. Durante tutta la mia vita gli ho scritto delle lettere per ringraziarlo della fiducia avuta in me. Penso che sia molto importante saper riconoscere le persone che credono in noi, e ringraziarle per essere nella nostra vita. Sei pronto a dimostrare riconoscenza come ho fatto io? Sì? Allora scrivi una “lettera della gratitudine” ad un maestro, ad un genitore, oppure a qualcuno che ti ha aiutato, incoraggiato, qualcuno di cui non potresti mai fare a meno. Metti da parte la timidezza e scrivigli semplicemente grazie, oppure qualsiasi altra cosa il tuo cuore suggerirà. Poi piega la lettera per trasformarla in un piccolo aeroplano. Puoi usare il foglio che ti consegneranno le tue maestre, e seguire le istruzioni del modello che preferisci. Oppure, se ti senti più avventuroso, puoi scegliere una carta colorata, o trasformare in aeroplano un disegno fatto da te… via libera alla creatività!

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Fallo volare alto, e lancialo sul palco al momento opportuno: creeremo una contagiosa tempesta che farà piovere gratitudine dappertutto! Ah, e a proposito: GRAZIE PER ESSERE QUI IN TEATRO CON ME, E PER AIUTARMI A FAR CONOSCERE E AMARE IL MIO NOME E LA MIA OPERA.

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ISTRUZIONI PER LA COSTRUZIONE DELL'AEROPLANO

Di seguito trovate alcuni modelli di aeroplano di carta con relative caratteristiche e appunti per la costruzione.

Questi modelli, in ordine di difficoltà crescente, sono pensati a partire da un foglio A4 di grammatura 80, ovvero un normale foglio da fotocopie. Lo spessore della carta può influenzare il volo dell’aereo, che non deve essere troppo pesante né troppo leggero. Ad esempio, la grammatura standard del campionato mondiale è 100, che corrisponde all’incirca ad un foglio spesso di quaderno: tuttavia è possibile anche utilizzare un cartoncino leggero.

Tenete presente che anche la colorazione della carta con pennarelli o la scrittura a mano possono influenzare il delicato equilibrio di volo. Due colori diversi sulle due facce dell’aeroplano lo rendono più allegro e movimentato, ma attenzione alla leggibilità del testo (alcune lettere verranno lette a prima vista dagli attori in scena). Suggerite sempre ai bambini di seguire le indicazioni e le linee di piegatura con precisione ed attenzione, e di fare qualche prova (su carta di riciclo) perché possano impratichirsi con il modello scelto per la loro lettera. Buon divertimento!

Carlo: Semplice ma efficace, se realizzato bene può raggiungere grandi distanze e donare grandi soddisfazioni.

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Annetta: Piccolo e molto veloce, ha un volo leggiadro ed elegante.

Pietro: Imponente e deciso, vola in modo rapido e ben direzionato. Attenzione alla doppia piegatura verso l’esterno del punto 9.

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Magistrato: Volo breve ed un po’ tortuoso, ma scenografico (Attenzione al punto 4: piegare verso il basso seguendo la linea tratteggiata e poi di nuovo verso l’altro lasciando circa 1 cm tra la prima piegatura e la seconda. Al punto 6 si ritorna alla forma successiva al punto 4, ma con l’aggiunta delle piegature delle ali.)

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APPROFONDIMENTO: LA PALESTRA DELLA GRATITUDINE

Riuscire a essere grati fa parte del corretto sviluppo emotivo della personalità: rappresenta una risorsa importante per affrontare gli imprevisti, le difficoltà e le incomprensioni. Nei bambini aiuta a prendere consapevolezza di sé stessi, a diminuire le tensioni e a coltivare la flessibilità in situazioni sconosciute. Rivolgendo la gratitudine verso altri, impareranno difatti a conoscere meglio anche sé stessi, e a riconoscere le loro capacità e i loro limiti, senza per questo sentirsi inadeguati o soffrire il confronto con gli altri. Per i bambini, la pratica dell’"essere grati" può portare benefici nell'immediato, e i risultati perdureranno durante la crescita e nell'età adulta. È inoltre fondamentale per superare la possessività e per creare un’immagine di sé positiva, nella consapevolezza che molte cose nella loro vita siano un dono e non siano sempre disponibili per tutti. La gratitudine è un sentimento nobile, perfettamente rappresentato nell’opera lirica, e nello specifico nel doppio livello drammaturgico presente in “Pietro, il piccolo”. Come nell’opera il personaggio di Carlo diventa la proiezione di Gaetano Donizetti, Madama Fritz può essere considerata una declinazione di Simone Mayr, ovvero il maestro/a che aiuta e sostiene, il bersaglio della gratitudine del giovane Carlo/Donizetti. Per riflettere su questo tema, in vista della scrittura della lettera da portare in teatro, suggeriamo di seguito alcune possibili attività. Il Barattolo della Gratitudine Sistemate in un luogo visibile e facilmente raggiungibile della classe un barattolo grande trasparente. Ritagliate poi insieme ai bambini dei quadratini di circa 5/6 centimetri di lato: potete usare forbici per lo zigzag e cartoncini colorati scelti dagli studenti. Leggete un testo in classe per ispirare la riflessione (alcuni spunti possono venire dalla fiaba di Esopo Il leone e il topo riconoscente o dalla canzone Gracias a la vida, oltre che dalla storia raccontata nell’opera Pietro il Grande). Poi ogni bambino verrà invitato a scrivere un bigliettino ed imbucarlo nel barattolo della gratitudine, senza dimenticare la data e la firma. I bimbi più piccoli possono inserire oggettini, disegni, souvenirs, che ricordino loro dei momenti felici. Può diventare un breve rito da fare in particolari momenti della vita scolastica, per tenere nota di tutte le cose positive del percorso. Piano piano il barattolo della gratitudine si riempirà di colori: alla fine dell’anno potrete festeggiare leggendo i pensieri tutti insieme. In questo modo i bambini capiranno concretamente la forza della gratitudine, dell'empatia, dell'amore. Un racconto per dire grazie Dopo aver riflettuto insieme ai bambini, scegliete cinque parole sulle quali poter costruire una storia. Potete scrivere ogni parola su un foglio e usarle in ordine casuale. Con questi elementi i bambini potranno, individualmente, in piccoli gruppi o come gruppo classe, costruire passo passo il loro racconto. Il tema sarà l’importanza di dire grazie. Alla fine del gioco di scrittura si potrà realizzare anche la rappresentazione illustrata del racconto, magari da appendere insieme alla storia su un bel cartellone di classe. Una lettera per Donizetti Oltre alla lettera della gratitudine che i bambini porteranno in teatro, è possibile approfondire lo studio

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di questa forma di comunicazione e cogliere l’occasione per esercitarsi. La lettera è un mezzo per comunicare con una persona, per informarla di qualcosa o per chiederle qualcosa. Il tipo di linguaggio usato dipende da chi sia destinatario della lettera. Una lettera personale è un testo scritto per raccontare avvenimenti, riferire esperienze, comunicare emozioni, sentimenti, stati d’animo a un parente o a un amico lontani. Di solito contiene: l’indicazione della località da cui si scrive e la data; l’intestazione, cioè l’indicazione del nome del destinatario; il testo, in cui viene affrontato l’argomento della comunicazione; la formula di chiusura, con i saluti o altra espressione equivalente, anche affettuosa; la firma del mittente; eventualmente un P.S., abbreviazione di poscritto, dal latino post scriptum, per aggiungere qualcosa dopo la firma. Essa è scritta per essere letta solo dal destinatario. In genere si usa un tono familiare, con espressioni semplici, amichevoli e confidenziali, talvolta spiritose. La lettera ufficiale è un testo indirizzato a un’autorità, a qualcuno di importante, oppure ad un ente, per chiedere informazioni, fare reclami, sottolineare delle necessità o delle richieste. Si compone delle stesse parti della lettera personale, ma il linguaggio in questa lettera è formale. Il mittente si rivolge al destinatario con rispetto usando formule impersonali. Nel corso della lettera è segno di particolare riguardo scrivere in maiuscolo i pronomi o gli aggettivi possessivi che si riferiscono alla persona a cui ci si rivolge. A partire dalla distinzione qui riassunta, si può chiedere ai bambini di immaginare di scrivere a Gaetano Donizetti, o ad uno dei personaggi dell’opera Pietro il Piccolo, scegliendo il tipo di lettera più indicato. Ad esempio una lettera al Magistrato per chiedere informazioni su un processo, o a Gaetano Donizetti. E’ poi possibile far progredire l’attività didattica invitando i bambini a scrivere la stessa lettera due volte, rispettando di volta in volta i due codici diversi (personale e ufficiale).

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SCUOLA SECONDARIA DI PRIMO GRADO: L’INDOVINELLO UNO ZAR IN INCOGNITO

Nella vicenda di Pietro il Grande il sovrano si presenta mascherato da ufficiale, quindi irriconoscibile ed in incognito. Il suo travestimento serve a renderlo libero di proseguire indisturbato la ricerca del fratello della zarina, creduto morto ma probabilmente ancora in vita, sebbene inconsapevole della sua identità. Allo stesso modo Carlo, il giovane falegname di Livonia, ci appare come un ragazzo dal temperamento sanguigno, pronto alla rissa e chiassoso, ma si rivelerà poi essere di nobili origini e destinato a trasferirsi a San Pietroburgo tra gli onori della corte. Anche Annetta, presentata come il prototipo della giovane innamorata, nasconde la sua identità di figlia di ribelli. Insomma, molti dei personaggi vivono un’ambiguità connessa alla loro identità, e sono in parte ignari della loro vera natura: tuttavia, la verità non tarda ad emergere, attraverso l’agnizione e il finale lieto, che ribadisce come sia impossibile fuggire da ciò che si è. L’invito fatto ai ragazzi è quindi quello di comporre un indovinello per il personaggio di Pietro, che consenta a tutti di indovinare la vera natura del sovrano. Scopo dell’indovinello è, naturalmente, far scoprire il nome del personaggio, ma anche riflettere sui molteplici livelli del nostro presentarci al mondo: la composizione stessa dell’indovinello è infatti a doppio soggetto, perché ha un significato reale nascosto dietro un significato apparente. Questo il testo inserito nel libretto per gli studenti: #GUESSME Guess me significa indovinami. Hai presente quando Harry Potter deve rispondere all’enigma della sfinge durante la terza prova del torneo Tremaghi? O gli acrostici, dove ad ogni lettera di un nome scritto verticalmente corrisponde la prima lettera di una frase? O ancora, quando ci si presenta attraverso una sola foto e una frase pubblicata su Instagram? Questi sono tutti modi originali di raccontarsi attraverso la scrittura, e di comunicare qualcosa di noi agli altri, incuriosendoli e stimolandoli a conoscerci meglio. Oscar Wilde diceva che ogni uomo mente, ma dategli una maschera e sarà sincero. A volte un piccolo inganno può rendere più facile dire la verità: l’importante è saperlo svelare al momento giusto! Come succede nella storia di Pietro il Grande, dove il sovrano si presenta in incognito per non farsi riconoscere, e proprio grazie a questo travestimento avrà modo di verificare l’arroganza e l’ingiustizia del Magistrato nei confronti di Carlo. Alla fine potrà rivelare la verità e raddrizzare tutti i torti: ma perché questo avvenga, è necessario che almeno Giuditta e Gaetano lo riconoscano, perché la storia possa continuare. Tocca a te: hai un compito molto importante, ovvero scrivere un indovinello dedicato al personaggio di Pietro, che Giuditta e Gaetano leggeranno insieme. Puoi scrivere un acrostico, un enigma, due frasi in rima, farlo da solo o con i tuoi amici o con l’aiuto dell’insegnante. Ricordati solo una cosa: c’è un segreto speciale per creare l’indovinello perfetto.

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Te lo svelo in quattro indizi: -Il primo è un diverso senza verso -Il secondo è un verso ma non so -Il terzo canta il ritornello al contrario (ma per far prima leggi solo rit) -Il quarto è sulla scala, due passi indietro al re Se sei difficoltà e non ci riesci affatto ogni indizio è una sillaba e voilà: il gioco è fatto.

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APPROFONDIMENTO: IDENTITÀ ED ADOLESCENZA

Un ragazzo in fase di crescita vive il timore di mettersi a nudo e in discussione, di mostrarsi nella propria naturalezza e farsi capire per quello che realmente sente e prova. Anche per gli adulti non è semplice: nei luoghi di lavoro, come nelle relazioni sociali, spesso è più funzionale indossare un profilo che non sia il nostro, o che lo sia solo parzialmente. Esibire difetti e fragilità durante l’adolescenza sembra particolarmente pauroso, per il timore che gli altri (il gruppo di pari e non solo), li additino come debolezze e per la paura di fare una brutta figura, di non essere all’altezza. Oggi, con l’avvento dei social media, i ragazzi sentono spesso di poter in parte superare la difficoltà costruendo un’immagine virtuale ad hoc. Grazie ai social network possono avere in un certo senso la possibilità di scegliere chi vogliono essere. Il rischio è quello di mostrarsi agli altri non come realmente si è, ma solo per la maschera che si indossa. Dunque foto ritoccate e rispondenti ad un’estetica comune di riferimento, pensieri copiati, ripetizione di moduli e modelli già conosciuti, sono la rappresentazione di quello che i ragazzi vorrebbero essere, ad esempio più ricchi, più famosi, più grandi. Per riflettere su questo tema, anche in vista dell’indovinello da consegnare in teatro, suggeriamo di seguito alcune attività. “E io, chi sono?” È certamente vero che lasciandosi coinvolgere completamente da Internet si può perdere qualcosa di reale, ma è anche vero che su Internet si può ‘realizzare’ e ‘vivere’ qualcosa di reale. L’identità online può diventare l’occasione per riflettere sull’identità fisica. Si può sviluppare quest’idea partendo da alcune domande: “che immagine date di voi stessi agli altri? E sui social network come vi piace presentarvi? Quanto coincide con la vostra identità?”, invitando poi i ragazzi a raccontarsi attraverso 5 immagini, la cui didascalia sia un indovinello. Tipi di indovinelli ed esempi Gli indovinelli possono essere sfruttati per una riflessione ampia sulla necessità di utilizzare in modo preciso ed arguto le parole, senza limitarsi al significato più immediato. Possono essere un gioco competitivo (chi indovina di più) o un gioco collaborativo (scriviamo tutti insieme un indovinello divertente da risolvere). Nella letteratura e nell’arte esistono molti personaggi che si sono cimentati con indovinelli ed enigmi, da cui si può prendere spunto per il lavoro con i ragazzi. Ecco di seguito alcuni esempi: Tibi mitto navem prora puppique carentem - è un indovinello storico. Significa ti mando una nave senza poppa e senza prua, quindi togliendo la poppa e la prua resta nAVEm, ovvero ti mando un AVE, che non è altro che il saluto romano. Si usava questo indovinello alla fine delle lettere. Invitate i ragazzi a creare una versione in italiano di questa formula. Nel film La Vita è Bella, il protagonista ed un ufficiale nazista si sfidano a colpi di indovinelli. Nel libro “Lo Hobbit”, l’incontro tra Bilbo Baggins e Gollum si trasforma in una gara di indovinelli. Lo stesso accade nell’opera lirica Turandot, di Giacomo Puccini, nella famosa scena degli enigmi, dove Calaf risolve i tre indovinelli di Turandot, ottenendo così di averla in sposa.

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Dal film La vita è bella (Roberto Benigni): Biancaneve in mezzo ai nani, risolvi questo enigma cervellone nel tempo che ti dà la soluzione. (Sette minuti) Più è grande e meno si vede. (L’oscurità) Se fai il mio nome non ci sono più, chi sono? (Il silenzio) Dal libro Lo Hobbit (J.R.R. Tolkien): Radici invisibili ha, più in alto degli alberi sta, lassù fra le nuvole va e mai tuttavia crescerà. (La Montagna) Trenta bianchi destrier su un colle rosso battono e mordono, ma nessuno si è mosso. (I denti) Non ha voce e grida fa, non ha ali e a volo va, non ha denti e morsi dà, non ha bocca e versi fa. (Il vento) Vedere non si può e neanche sentire fiutare non si può e neppure udire. Sta sotto i colli, sta dietro le stelle Ed empie tutti i vuoti, tutte le celle. Per primo viene, ultimo va, a vita e a riso termine dà. (Il buio) Questa cosa ogni cosa divora, ciò che ha vita, la fauna e la flora; i re abbatte, e così le città, rode il ferro, la calce già dura; e dei monti pianure farà. (Il tempo) Dal libro Harry Potter e il Calice di Fuoco (J.J. Rowling) «La mia prima è la terza di passione, e tre ne vuole la sottomissione, la seconda è colei che, amica o amante, del cuore è la compagnia costante, la terza è un albero dalla chioma folta,

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nobile ramo di foresta incolta. Ora unisci le tre e dimmi, o tu, viandante: nero, sei zampe, sporco e ripugnante, veramente baciarlo è cosa grama. Sai ora dirmi come esso si chiama?» (Scarafaggio) Dall’opera lirica Turandot (G. Puccini, su libretto di Adami/Simoni) I tre enigmi di Turandot Turandot: Nella cupa notte vola un fantasma iridescente. Sale, spiega l'ale, sulla nera, infinità umanità! Tutto il mondo lo invoca, tutto il mondo lo implora! Ma il fantasma sparisce con l’aurora per rinascer nel cuore! Ed ogni giorno nasce, ed ogni giorno muore! Calaf: Si! rinasce! E in esultanza, mi porta via con sé, Turandot "la speranza". Turandot: Guizza al pari di fiamma, e non è fiamma! E' talvolta delirio! E' tutta febbre! Febbre d'impeto e ardore! L'inerzia lo tramuta in un languore! Se ti perdi o trapassi si raffredda! Se sogni la conquista avvampa! Avvampa! Ha una voce che trepido tu ascolti, e del tramonto vivo il bagliore! Calaf: Si, principessa, avvampa e insieme langue, se tu mi guardi, nelle vene, "il sangue!" Turandot: Gelo che ti dà foco! E dal tuo foco più gelo prende! Candida ed oscura! Se libero ti vuol, ti fa più servo! Se per servo t'accetta, ti fa re! Sù straniero! Ti sbianca la paura! E ti senti perduto! Sù, straniero! Il gelo che dà foco, che cos'è? Calaf: Ah! Non mi sfuggi!

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Non mi sfuggi più! La mia vittoria, ormai t'ha data a me! Il mio foco ti sgela, o "Turandot!" Giochi di parole Alcuni esempi di giochi ed indovinelli basati sul canale narrativo, che possono essere utilizzati in maniera trasversale per raccontare in modo diverso personaggi di libri studiati, o anche come un modo per raccontarsi agli altri. Si possono usare gli acrostici, e provare a sintetizzare la vita di un personaggio utilizzando soltanto le parole che iniziano con le lettere del nome del personaggio stesso. Molto divertente è anche il tautogramma, nel quale si cerca di esprimere le principali caratteristiche dell’attività di un personaggio usando solo la lettera iniziale del suo cognome. Ed infine, la sciarada, che consiste nell'identificazione di una parola sulla base di definizioni o di due o più elementi di significato autonomo nei quali la parola può essere scomposta (spesso le sillabe). L’indovinello che abbiamo inserito come esempio nel libretto per gli studenti appartiene alla categoria delle sciarade. (Soluzione divertirsi).

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CANALE MUSICALE: I CORI E NON SOLO… Con i cori si desidera avvicinare il bambino/ragazzo al territorio musicale donizettiano, alimentando le personali spinte creative e favorendo lo sviluppo della sensibilità musicale. La vocalità dei ragazzi è qui intesa come opportunità di accesso a contenuti musicali, emotivi e culturali. La voce è uno strumento naturale, immediatamente fruibile e propedeutico all’apprendimento; in particolare il gesto vocale rappresenta un mezzo per familiarizzare con il suono musicale prima e con le strutture musicali poi. Prestando la propria voce, ben intonata e aggraziata, all’interpretazione di semplici melodie del nostro genio, il bambino/ragazzo avrà l’opportunità di confrontarsi con un Gaetano ancora molto giovane ma già consapevole delle proprie risorse. Inoltre il giovane pubblico cantando potrà condividere gli ideali e le emozioni dei protagonisti dell’opera, sostenendoli con la propria voce e contribuendo attivamente alla realizzazione di un lieto fine.

SCUOLA PRIMARIA

Primo momento di canto, condiviso tra artisti e pubblico.

Cari insegnanti, quando arriverete al bellissimo Teatro Sociale di Città Alta per assistere all’opera Pietro il Piccolo (riduzione realizzata per le scuole, dall’opera Pietro il grande di G. Donizetti), per prima cosa assisterete alle fluttuazioni emozionali dei vostri alunni, che varcando l’ingresso del teatro si ritroveranno all’interno di un mondo magico, fatto di musica, arte ed emozioni. In questo mondo tutti avranno un ruolo e attraenti attività da svolgere.

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LEZIONE DI CANTO

Il primo compito sarà quello di sostenere gli artisti, aiutandoli a risolvere la scena in un momento particolare.

La storia sarà arrivata al punto in cui:

Carlo è appena stato sgridato da Madama Fritz per il suo comportamento impulsivo e irascibile: egli crede di essere nel giusto e si mostra offeso, ma i “modi” che usa lo fanno passare dalla parte del torto…

Nel frattempo, due misteriosi spettatori hanno assistito alla scena: sono Gaetano e Giuditta, tornati, in qualità di “fantasmi”, nel teatro che li ha visti muovere i primi passi nella musica. Infatti in “Pietro il piccolo” si intrecciano due storie: quella dei personaggi del libretto da cui è tratta l’opera (Carlo, Annetta, Madama Fritz, lo zar Pietro e il Magistrato), e quella di Gaetano e della sua filarina Giuditta. Le due storie hanno tra loro importanti parallelismi: Carlo è simile a Gaetano per irruenza e coraggio nell’affrontare il futuro; Annetta è pacata e riflessiva come la giovane violinista Giuditta; mentre Madama Fritz guida Carlo nelle sue scelte come il M° Mayr fece con Gaetano.

La rappresentazione è una sorta di gioco di specchi tra i personaggi delle due storie: gli uni aiutano gli altri a comprendere i propri errori e a mettere in atto le giuste scelte.

Per aiutare Carlo a capire l’importanza della capacità di ascolto e di riflessione introspettiva, verrà messo in scena un gioco: una lezione di canto, ma attenzione, i protagonisti della storia avranno bisogno dell’aiuto del pubblico, senza di esso non riusciranno a superare questa prova.

In questo frangente Giuditta è in disaccordo con il comportamento di Carlo, mentre Gaetano lo accetta e sembra persino divertito. Sarà Giuditta, riflessiva e posata, a far capire al suo compagno quanto sia importante ascoltare i buoni consigli che amici, genitori e maestri sanno dare.

Per questo i due giovani cominciano a fare il “gioco dell’allievo e del maestro”: Giuditta fa la maestra mentre Gaetano fa l’allievo, ma il ragazzo è in difficoltà: forse per timidezza, o forse per paura di non riuscire bene. Questo sarà il momento in cui gli spettatori/bambini saranno chiamati a intervenire: dovranno aiutare il protagonista a tirare fuori la bella voce che ancora non sa di avere. Canteranno tutti insieme, e se sapranno trasmettere entusiasmo e emozioni, il successo sarà garantito!

Nella sezione “Formazione” del sito Donizetti.org è disponibile il download di una “lezione di canto” da condividere in casse.

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CORO I I bambini affronteranno la loro secondo attività vocale quando, sotto le mentite spoglie di un ufficiale, sarà comparso in scena e avrà cantato la sua aria, lo zar Pietro. Spetta al pubblico, ora, accoglierlo con un bel coro!

P.S. Insieme ai ragazzi canteranno anche gli artisti in scena, accompagnati dal pianoforte. Nella sezione “Formazione” del sito Donizetti.org è disponibile il download del brano.

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CORO II Ed ecco un ultimo coro che i bambini canteranno proprio alla fine dell’opera, condividendo il lieto fine con gli artisti sul palcoscenico: una piccola morale a testimonianza di quanto temperanza, amicizia e impegno siano gli ingredienti necessari al successo di giovani come Gaetano.

P.S. Insieme ai ragazzi canteranno anche gli artisti in scena, accompagnati dal pianoforte. Nella sezione “Formazione” del sito Donizetti.org è disponibile il download del brano.

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SCUOLA SECONDARIA DI PRIMO GRADO

Primo momento di canto, condiviso tra artisti e pubblico.

Cari insegnanti, quando arriverete al bellissimo Teatro Sociale di Città Alta per assistere all’opera Pietro il Piccolo (riduzione realizzata per le scuole, dall’opera Pietro il grande di G. Donizetti), per prima cosa assisterete alle fluttuazioni emozionali dei vostri alunni, che varcando l’ingresso del teatro faranno un tuffo nel passato ritrovandosi in una dimensione ottocentesca, in un luogo carico di metafore, fatto di musica, arte ed emozioni. In questo mondo tutti avranno un ruolo e attraenti attività da svolgere.

LEZIONE DI CANTO

Il primo compito sarà quello di sostenere gli artisti, aiutandoli a risolvere la scena in un momento particolare.

La storia sarà arrivata al punto in cui:

Carlo è appena stato sgridato da Madama Fritz per il suo comportamento impulsivo e irascibile: egli crede di essere nel giusto e si mostra offeso, ma i “modi” che usa lo fanno passare dalla parte del torto…

Nel frattempo, due misteriosi spettatori hanno assistito alla scena: sono Gaetano e Giuditta, tornati, in qualità di “fantasmi”, nel teatro che li ha visti muovere i primi passi nella musica. Infatti in “Pietro il piccolo” si intrecciano due storie: quella dei personaggi del libretto da cui è tratta l’opera (Carlo, Annetta, Madama Fritz, lo zar Pietro e il Magistrato), e quella di Gaetano e della sua filarina Giuditta. Le due storie hanno tra loro importanti parallelismi: Carlo è simile a Gaetano per irruenza e coraggio nell’affrontare il futuro; Annetta è pacata e riflessiva come la giovane violinista Giuditta; Madama Fritz guida Carlo nelle sue scelte come il M° Mayr fece con Gaetano.

Questa rappresentazione è una sorta di gioco di specchi tra i personaggi delle due storie: gli uni aiutano gli altri a comprendere i propri errori e a fare le giuste scelte.

Per aiutare Carlo (e tutti i giovani come lui!) a capire i propri errori, e a valorizzare le personali capacità di ascolto e di riflessione introspettiva, verrà messo in scena un gioco: una lezione di canto... ma attenzione, i protagonisti della storia avranno bisogno dell’aiuto del pubblico, senza di esso non riusciranno a superare questa prova.

In questo frangente Giuditta è in disaccordo con il comportamento di Carlo, mentre Gaetano lo approva e ne è persino divertito. Gaetano si schiera dalla parte di Carlo, mentre Giuditta sostiene Madama Fritz. La scena comincia a scaldarsi… Giuditta, riflessiva e di buon cuore, desidera aiutare Gaetano a calmarsi e a comprendere che l’impulsività non può fargli ottenere la ragione che merita. Giuditta gli ricorda quanto in passato questo suo caratteraccio l’abbia notevolmente messo in difficoltà, arrivando a rischiare l’espulsione dall’istituto delle lezioni caritatevoli, e come la sua voce si dimostrasse indomabile, irruente e sgraziata, proprio come il suo carattere. Gaetano, un po’ per amore e un po’ per desiderio di farsi vedere “grande”, decide di darle ascolto: comincia così la lezione di canto: Giuditta sa che educando la voce ne gioverà anche il carattere… Ma l’impresa è ardua e Gaetano un “osso duro”! Giuditta, in un momento di crisi,

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dati i limiti caratteriali e vocali di Gaetano, chiederà aiuto al pubblico: 400 “maestri” tutti insieme sono sicuramente meglio di uno solo! Nella sezione “Formazione” del sito Donizetti.org è disponibile il download di una “lezione di canto”.

BODY PERCUSSION

Ecco un momento davvero coinvolgente. Quando il Magistrato farà̀ la sua comparsa in scena, il pubblico lo accoglierà eseguendo una breve ma intensa performance di body percussion.

Tutti in piedi e via!

La frase di body percussion va ripetuta più volte, in un crescendo d’intensità, fino a concludere con un’ovazione.

Nella sezione “Formazione” del sito Donizetti.org è disponibile il download di un video tutorial.

Si ringrazia Lucia Barcella per la consulenza sulla body percussion.

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CORO

Ed ecco un ultimo coro che i ragazzi canteranno proprio alla fine dell’opera, condividendo il lieto fine con gli artisti sul palcoscenico: una piccola morale a testimonianza di quanto temperanza, amicizia e impegno siano gli ingredienti necessari al successo di giovani come Gaetano.

P.S.

Insieme ai ragazzi canteranno anche gli artisti in scena, accompagnati dal pianoforte. Nella sezione “Formazione” del sito Donizetti.org è disponibile il download del brano cantato.