Le français de spécialitébek.sibadi.org/fulltext/epd562.pdf · A l’issue de mes études...

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    Федеральное агентство по образованию Омский государственный институт сервиса

    Кафедра иностранных языков

    Ю.М. Анохина И. Н. Авилкина

    Le français de spécialité

    Французский язык

    Учебное пособие

    по обучению реферированию и аннотированию специальных текстов

    Омск ОГИС 2011

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    УДК ББК

    Рецензенты: к. ф. н, доцент кафедры иностранных языков СибАДИ Мусагитова Г.Н.

    Ответственный за выпуск: заведующая кафедрой иностранных языков, кандидат филологических наук, доцент С.Ю. Нейман

    Анохина, Ю.М., Авилкина, И.Н. Французский язык: учебное пособие по обучению реферированию и аннотированию специальных текстов / Ю.М., Анохина, И.Н., Авилкина. – Омск: Омский государственный институт сервиса, 2011. - 130 с. Данное учебное пособие разработано и предназначено Учебное пособие составлено в соответствии с Государственным образовательным стандартом высшего профессионального образования и предназначено для студентов 2, 3 курсов, бакалавров и аспирантов всех специальностей, изучающих французский язык. Печатается в авторской редакции

    УДК ББК

    ISBN

    © Омский государственный

    институт сервиса, 2011

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    Оглавление

    1. Основные сведения об аннотировании и реферировании…………..5

    2. Arts. Culture. Mode. Design………………………………………….. .11

    3. Commerce. Economie………………………………………………….46

    4. Tourisme………………………………………………………………..76

    5. Annexe I………………………………………………………………..113

    6. Annexe II……………………………………………………………….125

    7. Sources…………………………………………………………………130

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    Введение Данное учебное пособие подготовлено с учетом требований Государственного стандарта высшего профессионального образования. Основной целью данного пособия является повышение уровня практического владения студентами французским языком, расширение студенческого кругозора и овладение обучающимися профессионально-понятийным материалом. Настоящее пособие имеет целью научить студентов работать с профессиональной лексикой на иностранном языке, извлекать необходимую информацию по специальности из аутентичных текстов на французском языке, а также подготовить студентов к самостоятельному чтению оригинальной литературы по профессиональной тематике, пониманию читаемого, не прибегая к его переводу. Материал пособия охватывает содержательно-направленную лексику, устойчивые выражения, а также грамматические явления, наиболее важные для правильного понимания и построения высказываний на французском языке. Представленные в пособии текстовые материалы информативно насыщены и охватывают широкую профессиональную тематику. В пособии «Le français de spécialité» реализован инновационный подход: соединение речевых и тренировочных упражнений при обучении французскому языку с текстовыми аутентичными материалами. В каждой тематической части авторы сосредоточили внимание на тренировочных и речевых упражнениях, а также на устно-речевых учебных задачах. Представленные задания можно использовать для индивидуальной и групповой работы, целиком и выборочно, в зависимости от уровня владения учащимися французским языком. В процессе практической работы обучаемые овладевают рядом умений: трансформацией текстов, изменением их структуры и содержания (план, конспект, резюме, аннотация); реализацией описания в разных речевых ситуациях, переходом от письменного текста к устному. Таким образом, использование учебного пособия «Le français de spécialité» способствует развитию у студентов учебно-познавательной, коммуникативной и профессиональной компетентности. Авторы

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    Основные сведения об аннотировании и реферировании

    Аннотация – краткая обшая характеристика печатного произведения, напрвленная на описание содержания без проникновения в его сущность. Она дает предельно сжатую характеристику метериала, излагая содержание в виде перечня основных вопросов. Как правило, аннотация состоит из 3-х частей: 1) вводная часть (выходные данные: название работы, фамилия и инициалы автора, название издания, том, количество страниц, количество рисунков, таблиц, если таковые имеются); 2) текст аннотации (описание основных проблем); 3) заключительная часть (выводы, оценка составителя, рекомендации).

    Реферат – это достаточно полное изложение основного содержания первичного документа (документов), отличающееся постоянством структуры и предназначенное для выполнения разных информативных функций. Структура реферата: 1) вводная часть (предметная рубрика, наименование области знаний, к которой относится реферируемый материал, тема реферата, выходные данные); 2) описательная часть (начинается в формулировки главной мысли реферируемого материала, далее содержание ренферируемого материал излагается в последовательности первоисточника); 3) заключительная часть (содержит выводы автора по реферируемому материалу).

    Le résumé (резюме) – продполагает пердачу основных положений текста: 1) с соблюдением логического порядка, избранного автором; с использование слов-связок, имеющихся в тексте; 2) в более краткой форме, чем исходный текст, с позиции автора, без искажения его мыслей и выражения собственных идей; 3) без употребления слов и выражений, имебщихся в тексте, если это только ни необходимо для ясности изложения и понимания текста; 4) в объеме, составляющем не более 1/4 текста; 5) при соблюдении правил грамматики и стремлении к ясности и отсутствию избыточности.

    Le compte rendu – 1) может не соблюдаться люгический порядок исходного текста, если это необходимо; 2) выделяется основная мысль и прослеживается ее связь со второстепенными идеями; 3) устанавливается дистанция по отношению к исходному тексту: манера автора излагать свои мысли идентифицируется и описывается от третьего лица. Таким образом, данный тип изложения предполагает наличие: 1) вступления, определяющего особенности теста и формулирующего его основную мысль; 2) классификация второстепенных идей с выявлением их роли в системе рассуждений автора: служат ли они для подтверждения или опровержения тезиса, для его иллюстрации с помощью примеров или для смягчения его формулировки; 3) введения позиции автора с характеристикой его точки зрения: автор показывает, утверждает, критикует, обличает, и т.п.; 4) объема изложения большего, чем у резюме, compte rendu представляет 1/3 от исходного текста.

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    La synthèse – предполагает наличие нескольких исходных дукументов, часто даже разных по содержанию, форме и целям. На их основе конструируется единый вторичный текст, который 1) содержит краткое изложение их основных положений; 2) составляет 1/3 от общего объема исходных текстов; 3) несмотря на смешение нескольких документов, представляет собой текст логически связанный и организованный.

    Verbes introducteurs et expressions de référence

    Lorsque vous écrivez un compte rendu ou un syntèse du texte, vous pouvez utilisez certains verbes pour présenter l’opinion de l’auteur ou vous y référer. Voici une liste de ces termes. Attention, ils sont interdits dans un résumé et sont à utiliser avec modération dans les comptes rendus et syntèses qu’ils ne doivent pas alourdir inutilement !

    Table 1 Fonction Expressions Exemples

    Introduire le document

    - traiter de - aborder

    - Cet article traite du problème de (+ article et substantif)

    - Il aborde le problème de ... Raporte la position de l’auteur

    - Poser la question - S’interroger sur

    + substantif - Analyser / citer

    + substantif - Estimer, et avec

    la même consruction : affirmer, annoncer, souligner, confirmer, expliquer, noter, préciser, rappeler, remarquer, révéler, etc. que + indicatif

    - Préconiser de + infinitif ou préconiser + substantif

    - Proposer que + subjonctif

    - Proposer de + infinitif ou

    - Le journaliste pose la question du (+ article et substantif) statut des animaux de compagnie en France.

    - Dans cet article, il s’interroge sur le statut...

    - Le journaliste commente un rapport sur les animaux domestiques en France.

    - Il analyse les problèmes liés au trop grand nombre d’animaux dans les villes.

    - Il cite les conclusions du rapport. - Les experts estiment que la

    situation est sérieuse dans ce domaine.

    - Il préconise de moraliser le commerce

    - L’auteur du rapport préconise une moralisation du commerce.

    - Il propose que la reproduction des animaux soit mieux contrôléé.

    - Il propose de mieux contrôler la reproduction des animaux.

    - Il propose un contrôle renforcé

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    substantif - Souhaiter que +

    subjonctif - Souhaiter +

    substantif - Souhaiter +

    infinitif

    de la reproduction des animaux. - Il souhaite qu’un label de qualité

    soit créé. - Il souhaite la création d’un label

    de qualité. - Il souhaite voir créer un label de

    qualité. Table 2

    Pour amener une affirmation

    Pour amener une contestation

    Pour amener une réflexion

    Pour amener une confirmation

    Selon X, d’après X, X. Pense, croit, s’exclame Pour X Si l’on en croit X X constate, fait part de, évoque

    X refuse, s’indigne, revendique, conteste, s’insurge contre, déplore, craint, doute que

    X. explique, analyse, fait apparaêtre, montre, démontre, découvre que, met en évidence

    X. insiste sur, souligne que, rappelle que, confirme que, est d’accord avec, prouve aussi, partage cette idée

    Pour amener un complément

    Pour amener une question

    Pour amener un souhait, un conseil

    Pour amener une information implicite

    X. prolonge, complète, ajoute, précise

    X. se demande si, s’interroge sur - questionne X - se demande X

    X. souhaite, préconise, propose, conseille

    X. laisse entendre que, sous-entend que, suggère

    Pour faire le résumé

    Table 3 Le plan Les expressions

    Le titre (le nom) de l’article Le titre (le nom) de l’article est... Le nom de l’article que j’ai lu est ... J’ai lu un article qui s’appelle (qui a pour titre) ...

    L’auteur de l’article (où et quand cet article était publié, était imprimé)

    L’auteur de l’article est... Cet article est écrit par ... Il est publié (imprimé) dans le journal (la revue, le magazine « ... ») ... Cet article est publié (a paru) (une date) ...

    L’idée principale (essentielle) L’idée principale est consisté en ... L’idée essentielle de cet article est ... L’article est consacré aux problèmes de ... Le but de cet article est de donner au

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    lecteur l’information sur ... Il est nécessaire ( de + infinitif, que + subjonctif) ... Il est important ( de + infinitif, que + subjonctif) ...

    Le contenu de l’article L’auteur commence à raconter ... L’auteur écrit que ... L’auteur communique que ... L’auteur pose la question ... D’abord (avant tout, au début, puis, ensuite, après cela, enfin, à la fin de l’article...) l’auteur dit que ... L’auteur fait la conclusion que ... En conclusion on dit que ... On peut en tirer la conclusion suivante ...

    Votre opinion sur l’article Il me semble que cet article est très important, intéressant, utile ... Je crois, pense, compte que ... A mon avie cet article est intéressant (difficile, nécessaire, actuel, inutile...) Je partage d’opinion de ... Je suis du même avis.

    Présenter son Curriculum vitae (CV)

    Vous allez bientôt vous initier à la vie professionnelle. La première question qui va se poser alors : savez-vous écrire votre CV pour vous présenter au travail ? En voilà deux exemples : 1. Jeanne Dubois 55, rue de l’Arcade Française 75008 Paris Née le 20.11.1970 Tél. : (33) 01 22 22 22 22 à Paris e-mail : [email protected] Célibataire Formation 19 ... Baccalauréat 19 ... B.T.S. de secrétariat de direction bilingue 19 ... Diplôme de la Chambre de commerce Langues Français (lu, écrit, parlé) Anglais (notions) Allemand (notions)

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    Expérience professionnelle 19 ... Secrétaire bilingue au service des relations publiques de la société X 20 ... Secrétaire du directeur général. Banque la Hénin 2. Ivan Perov philologue 3-28, rue Tverskaya, Russe 112231 Moscou Né le 12.12.1980 Tél. : (495) 222 33 44 à Moscou e-mail : [email protected] Marié (2 enfants) Formation 19 ... Université Lomonossov de Moscou, faculté de Lettres 20 ... Mastère franco-russe de management international Langues Français (lu, écrit, parlé) Anglais (lu, écrit, parlé) Allemand (lu, écrit, parlé) Expérience professionnelle 20 ... Manager à l’entreprise Fakel 20 ... Contrôleur de gestion à Michelin Observez ces CV et faites attention à la présentation du document : la marge, les caractères. Il faut que le CV occupe toute la page ! d’autres conseils : un CV doit être facile à lire et à comprendre, il peut être accompagné d’une photographie du candidat. Exercices :

    1. Présentez correctement le CV de Karina Sabinova Experience professionnelle Anglais (lu, écrit, parlé) Célibataire Université Lomonossov de Moscou Faculté de droit Née le 30.06.1978 Karina Sabinova Juriste

    Formation Langues Russe à Moscou 14-8, rue Ivanovskaya 315006 Moscou été 2001 : secrétaire remplaçante à ... Tél. : (495) 123 45 67

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    2. Ecrivez votre CV. Lettre de motivation (exemple)

    Monsieur Alexandre Belov 31, rue Pouchkine, ap. 410, 634002 Tomsk, Russie Téléphone : (secrétariat) 3822 65 38 50 e-mail : [email protected]

    Tomsk, le 15 avril 2007

    Ecole Polytechnique Fédérale de Lausanne

    Service académique

    Bâtiment BP-Ecublens CH – 1015 Lausanne

    Objet : demande d’admission en master en architecture

    Madame, Monsieur, J’ai l’honneur de présenter ma candidature pour une inscription au Master Erasmus Mundus. A l’issue de mes études secondaires et mes études à l’école des arts, j’ai réussi les examens d’entrée à la faculté d’architecture de l’université d’architecture et de bâtiment d’Etat de Tomsk qui m’a délivré cette année le diplôme de baccalauréat en architecture (équivalent du bac + 4). Ma note moyenne est 4 sur 5. Aux cours de mes études j’ai participé à quelques concours en architecture, urbanisme, restauration, dont quelques-uns de l’échelle nationale. J’ai publié qulques projets dans les revues architecturales, j’ai participé ayx expositions de design et d’art graphique. J’ai la maîtrise des logiciels tels que Adobe Photoshop, 3D MAX, Auto CAD, Arhi CAD, Corel Draw, Illustrator. Auprès de l’université il y a un centre des langues où j’ai perfectionné mon français et j’ai reçu quelques notions d’anglais et d’espagnol. Je souhaiterai à présent compléter ma formation par une expérience à l’étranger et plus particulièrement en Suisse, à l’Ecole Fédérale Polytechnique de Lausanne et ce, pour plusieurs raisons. Les tendences architecturales et les technologies européennes sont très différentes, souvent pour les raisons climatiques, de celles qui sont utilisées en Russie. Des technologies, des matériaux, des formes et des constuctions employés dans l’urbanisme européen ne sont pas largement connus aux urbanistes russes. Aussi, je voudrais obtenir de nouvelles connaissances dans ce domain, absents de nom curus, et acquérir une expérience indéniable qui ferait de moi un spécialiste de haut niveau.

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    Je crois, de plus, que la connaissance de la culture des pays europées et la pratique du français contribueraient à mon développement personnel, ainsi que professionnel. Je me rends compte de toutes les difficultés qui peuvent se présenter dans le cas où ma candidature sera retenues, mais j’espère répondre à toutes les exigeances et faire de nom mieux pour réussir. En vous remerciant par avance de l’attention que vous voudrez bien porter à ma demande, je reste à votre disposition pour tout renseignement complémentaite et je vous prie de croire Madame, Monsieur, en l’assurance de ma plus haute considération.

    Alexandre Belov Arts. Culture. Mode. Design.

    Texte 1 1. Lisez plusieurs fois le texte. Puis cachez le texte et répondez aux questions.

    Yves Saint-Laurent, un célèbre couturier français

    La France est un pays de la haute couture. Du monde entier, les yeux des professionnels de la mode se tournent toujours vers les modèles présentés par les couturiers français. Ceux-ci présentent leurs créations chaque année au cours d’un défilé préstigieux, retransmis par les télévisions et les magazines dans toutes les langues. Un des plus préstigieux couturiers français de la deuxième moitié du XXe siècle se nomme Yves Saint-Laurent. Successeur de Christian Dior, il règne dans sa célèbre maison de couture située à Paris au 5 de l’avenue Marceau. C’est là qu’il dessine ses modèles. « Lorsque je prends un crayon, nous dit-il, je ne sais pas à l’avance ce que je vais dessiner. Je commence par le visage d’une femme puis peu à peu ses vêtements naissent sous mes doigts. » Il fait un croquis, puis le donne dans ses ateliers où ses ouvriers confectionnent le modèle avec beaucoup de soin. Chaque création demande de nombreuses heures de travail, quelquefois plus de cent heures. Le jour du défilé il faudra présenter deux cents modèles portés par de jeunes femmes grandes et minces : les mannequins. C’est Yves Saint-Laurent qui le premier a féminisé les costumes masculins en créant pour les femmes le blazer, la saharienne, le tailleur et le costume-pantalon, désormais très classique.

    Yves Saint-Laurent a pris sa retraite au début de l’année 2003, mais ses modèles et tout ce qu’il a créé autour, (comme les produits de beauté, de maquillage, les parfums, la lingerie masculine et féminine) continueront longtemps à promouvoir l’élégance et le raffinement de la haute couture française à travers le monde. 2. Compréhension du texte :

    1. Qu’est-ce que la haute couture ? 2. Les modèles des couturiers français sont-ils connus en dehors de la France ? 3. Quel est, chaque année, l’évènement le plus attendu dans le monde de la

    haute couture ? 4. A qui Yves Saint-Laurent a-t-il succédé ? 5. Où est située sa célèbre maison ?

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    6. Quelle est sa méthode de travail ? 7. Combien de modèles sont-ils présentés dans un défilé ? 8. Comment s’appellent les jeunes femmes qui présetent les modèles le jour du

    défilé ? 9. Qules sont les lignes de vêtements créés par Yves Saint-Laurent ? 10. Yves Saint-Laurent continue-t-il à créér de nouveaux modèles ? Pourquoi ?

    Texte 2 1. Observez le lexique, lisez le texte et faites des exercices après le texte.

    La capitale de la mode Vocabulaire

    inédit – новый, оригинальный exécuter à la mesure – выполнять по размеру un élan – порыв, стремление, разбег bénéficier – извлекать выгоду, пользу se dérouler – проходить, разворачиваться consacrer – посвящать une couture – швейная промышленность faire une apparition – появиться ajusté, e – прилегающий bouleverser – переворачивать une ceinture – пояс une hanche – бедро une cloche – колокол ample – просторный

    allonger – удлинять un talon aiguille – каблук-шпилька un accessoire – сопутствующий предмет un gant – перчатка une écharpe – шарф un soulier – ботинок un parfum – духи un métier – ремесло couture – création – пошив модной одежды quotidien, en – повседневный une chiffre d’affaire – торговый оборот Le Seconde Empire – Вторая Империя (время правления Наполеона III с 1852 по 1870)

    C’est sous le Second Empire que la couture, au sens moderne du terme, fait

    son apparition en France et dans le monde. Dans les années 1900 a été créée la silhouette de la femme moderne: robes

    droites ajustées. En 1922, ”La Garçonne” bouleverse les goûts. La ceinture descend sur les hanches, les cheveux sont courts sous un chapeau cloche qui est enfoncé jusqu’aux yeux. Avec la Seconde Guerre Mondiale, les robes sont courtes, mais amples (Coco Chanel). Après la guerre Christian Dior allonge les jupes et propose les talons aiguilles. On s’intéresse aux accessoires: gants, écharpes, souliers et parfums.

    L’âge d’or de la haute couture remonte aux années 50. Les clientèles célèbres étaient des Américaines (aujourd’hui les riches Américaines font 60 % de la clientèle).

    Dans les années 60, la profession s’oriente vers 2 types de production: la haute couture et le prêt-à-porter. La haute couture est l’aristocratie du metier des modes. Etre membre de la Chambre syndicale de la couture parisienne est un

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    honneur partagé par seulement 24 maisons de couture – création dont Pierre Cardin, Givenchy, Pacco Rabanne, Christian Lacroix, Pierre Cardin, Lapidus, Emanuel Ungaro, Guy Laroche, Nina Ricci, Louis Ferraud et d’autres. Les vêtements du prêt-à-porter s’adaptent au sport, aux loisirs, à la vie quotidienne: mini-jupes, combinaisons, pantalons.

    Aujourd’hui on constate le fait que les couturiers français n’ont pas formé de successeurs. Ainsi, la maison Paco Rabanne est gérée par un Espagnol et celle de J.-L. Scherrer est gérée par un Japonais.

    Le mot d’ordre d’aujourd’hui est : à chacun sa mode. De nos jours le poids de la mode dans l’économie française présente près de

    60 milliards de francs de chiffres d’affaires et environ 165 000 emplois. L’industrie du prêt-à-porter féminin et masculin réalise l’essentiel de ce chiffre, soit 50 millliards de francs, pour quelque 3 000 entreprises. Le marché de la haute couture (20 maison prestigieuses telles que Chanel, Dior, Saint-Laurent) et des créateurs de mode (Alaïa, Hermès, Kenzo …) affiche, lui, un chiffre d’affaire en France de 6,5 milliards de francs.

    Pour la formation des spécialistes il existe l’Ecole de la Chambre syndicale de la haute couture qui dispense des cours et l’école privée Esmod, fondée en 1841.

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    2. Répondez aux questions: 1. Pourquoi la France est-elle devenue la capitale de la mode? 2. Qui a créé la première maison de haute couture? 3. Comment appelait-on les premiers mannnequins? 4. Quels critères doivent remplir les maisons de haute couture? 5. Quand la couture, au sens moderne du terme, a-t-elle fait son apparition en France? 6. Quanq a-t-elle fait son apparition dans le monde? 7. La mode, a-t-elle changé au cours de la deuxième moitié du XX siècle? 8. Comment a-t-elle changé au cours de la deuxième moitié du XX siècle? 9. Quelle est la différence entre la haute couture et le prêt-à-porter? 10. Quel est le rôle de la haute couture et du prêt-à-porter dans l’écomonie française? 11. Quelles maisons de coutures connaissez-vous? 12. Lesquelles appréciez-vous? 13. Où forme-t-on les spécialistes de la haute couture? 3.Terminez les phrases si - dessous en vous inspirant du texte: 1. L’élan est donné … 2. La haute couture se compose actuellement … 3. Chaque année la haute couture représente … 4. Sous le Seconde Empire la couture, au sens moderne du terme … 5. La silhouette de la femme moderne du début du siècle (robes droites ajustées) a été remplacéeplus tard par ”La Garsonne”… 6. La silhouette de Coco Chanel – ce sont des robes … 7. Après la guerre Christian Dior allonge les jupes et … 8. Dans les années 60, la profession s’oriente vers deux types de production … 9. L’âge d’or de la haute couture … 10. La haute couture est l’aristocratie … 11. Les vêtements du prêt-à-porter s’adaptent … 12. Le mot d’ordre d’aujourd’hui est … 13. De nos jours le poids de la mode dans l’économie française représente … 14. L’industrie du prêt-à-porter féminin et masculin … 15. Le marché de la haute couture – ce sont … 16. On constate le fait que les couturiers français … 17. Pour la formation des spécialistes … 4. Traduisez les phrases ci-dessous: 1. Первые дома высокой моды созданы в Париже в период Второй Империи. 2. На выставке декоративных искусств их насчитывается уже 72. 3. Благодаря индустрии высокой моды, экспорт одежды, в 20 годы занимает второе место во внешней торговле Франции. 4. Дома высокой моды должны отвечать определенным критериям. 5. Каждый год дома высокой моды представляют в январе коллекции весна – лето, а в июле – коллекции – осень – зима.

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    6. В начале ХХ века был создан силуэт современной женщины, в моду вошли прямые приталенные платья. 7. В 20 – е годы стиль «ля гарсон» (пояс на бедрах, короткие волосы под шапкой – колоколом, низко надвинутой на глаза) полностью изменил вкусы. 8. Во время войны носили короткие, но широкие платья. 9. После войны Кристиан Диор удлинил юбки и предложил каблуки – шпильки. 10. В 60 – е годы происходит разделение швейной продукции на 2 вида: это высокая мода и готовое платье. 11. Быть членом цеха высокой парижской моды – большая честь. 12. Направление готового платья (мини – юбки, комбинезоны, брюки) приспосабливается к обыденной жизни.

    Texte 3 1. Lisez le texte qui suit. Sur votre cahier répondez aux questions après le

    texte.

    Naissance et développement de la haute couture Pour beaucoup d’étrangères la France est associée à la mode, à la haute

    couture. La première maison de haute couture a été créée par Charles – Frédéric

    Worth, à l’automne 1851 à Paris. Les premiers mannequins, alors appelés ”sosies”, présentent aux clientes fortunées des modèles inédits qui seront ensuite exécutés à leur mesure.

    L’élan est donné: des dizaines de maisons apparaissent au cours des décennies suivantes. A l’exposition universelle de 1900, elles sont 20, auxquelles viennent s’ajouter Lanvin en 1909, Chanel et Patou en 1919.On en compte 72 à l’exposition des Arts décoratifs de 1925.

    Grâce à cette industrie de luxe qu’est la haute couture, l’exportation de vêtements, dans les années 20, occupe la deuxième place du commerce extérieur français.

    La haute couture se compose actuellement de 22 maisons. Ces maisons créent des modèles originaux destinés à être reproduits aux mesures de leurs clientes.

    Pour bénéficier de cette appellation ”haute couture”, qui est juridiquement protégée, elles doivent remplir les critères suivants.

    - employer au minimum 20 personnes à la production dans leurs propres ateliers;

    - présenter à la presse chaque saison de printemps – été et d’automne – hiver, une collection d’au moins 75 modèles (cette présentation doit se dérouler à Paris);

    - présenter à la clientèle cette collection sur trois mannequins vivants et au minimum 45 fois par an. Chaque année, la haute couture présente en janvier les collections

    printemps-été et en juillet les collections automne-hiver.

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    La haute couture compte environ trois mille clientèles particulières dans le monde, dont un très grand nombre de clientèles étrangères. Quant aux acheteurs, ils sont également étrangers dans leur grand majorité. La haute couture constitue un laboratoire de recherches. Dans la presse du monde entier des mille de pages redactionnelles lui sont consacrées. Chaque représentation attire des journalistes français et étrangers. 2. Questions: 1. Comment s’appelaient les premiers mannequins? 2. Quelle place occupe la haute couture au commerce extérier de la France? 3. De combien de maisons se compose actuellement la haute couture? 4. Quelles sont les critères de la haute couture? 5. Pourquoi chaque représentation de la haute couture attire beaucoup de gens?

    Texte 4 1. Lisez le texte qui suit. Selon vous, comment faut-il s’habiller ?

    Savoir s’habiller Vocabulaire

    le savoir s’habiller – умение одеваться le savoir-vivre – знание правил хорошего тона goûter – любить, ценить il est flatteur – лестно exhiber – показывать

    parer – украшать s’enorgueillir – гордиться dissocier – разделять s’appliquer – относиться assortir – подбирать, сочетать insolite - необычный en dépit – несмотря на

    Née au XIX siècle, la mode s’est très rapidement développée. Elle a pris une

    grande importance culturelle et économique, puis elle s’est internationalisée et démocratisée, avant de s’adapter à l’individualisme de la société actuelle. Qu’en sera-t-il demain?

    Le savoir s’habiller est une pièce maîtresse du savoir-vivre français. Sortir avec une femme qui sait s’habiller est un des plaisirs raffinés que d’autres peuples goûtent moins que les Français.

    Certes partout ailleurs il est flatteur pour un homme d’exhiber une belle femme ou de manifester son standing social ou économique à travers les diamants qui parent la poitrine d’une femme chère; mais c’est surtout en France qu’on s’enorgueillit de cette qualité parfois dissociée de l’argent et même de la beauté: le goût!

    Savoir s’habiller fait partie de l’art de vivre français et s’applique principalement aux femmes. Une Française peut toujours racheter ses travers, en développant des techniques qui lui permettent d’assortir le vert de sa jupe à celui de ses yeux et de compléter un ensemble longuement porté par un accessoire insolite.

    En dépit des développements de la mode masculine, elle demeure un phénomène essentiellement féminin. 2. Répondez aux questions: 1. Quelle est la pièce maîtresse du savoir-vivre français?

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    2. Quel est le plaisir que les Français goûtent le plus? 3. Qu’est-ce que signifie ”le goût” pour les Français? 4. Quel est le trait particulier d’une Française? 5. Les femmes russes, savent-elles s’habiller avec du goût recherché? 6. Quel rôle les accessoires, peuvent-ils jouer pour une femme? 7. Par quels traits peut-on caractériser une vraie femme?

    Texte 5 1. Lisez le texte et ecrivez en quelques lignes les étapes suivantes : Situation initiale – Problème – Suite d’actions – Résolution du problème – Situation

    finale La recherche de nouvelles formes (1890-1925). Retour à la nature

    L’industrialisation entraîna des bouleversements économiques, techniques et sociaux. Dans les pays développés, une fraction importante de la population rurale avait abandonné le secteur agricole et rejoint les villes pour travailler dans l’industrie. Les conditions de vie y étaient très précaires. Les ouvriers vivaient à l’étroit dans des blocs d’immeubles souvent mal entretenus, les propriétaires ne cherchaient que le rapport. L’insuffisance des installations sanitaires (eau courante, toilettes, sans parler de salls de bains), le manque de luminosité et d’aération des appartemets contribuaient à l’extension des « maladies des pauvres », rachitisme et tuberculose. Ces lotissements, construits selon les lois du profit et non en fonction de critères sociaux ou d’hygiène, traversés par de longues rues désolées et sans verdure, étaient réservés à ceux qui ne pouvaient rien s’offrir de mieux, c’est-à-dire aux ouvriers. Le première réaction à cette misère fut, au début de XXe siècle, un mouvement de « retour à la nature ». l’hostilité envers les villes industrielles modernes ne toucha pas que la classe ouvrière. Parmi les couches plus favorisées. Nombreux étaient ceux qui se sentaient écrasées par le rythme du progrès technique, les changements sociaux trop rapides et le recul de la nature. Parallèlement à l’expansion urbaine, la nature s’était éloignée à une distance telle qu’elle n’était plus accessible que le dimanche. La « reforme de la qualité de vie » fut placée au centre d’un débat public, qui se traduisit, par exemple en Allemagne, par des mouvements de jeunesse comme le « Wandervogel » ou l’essor de l’anthroposophie, une doctrine fondée par Rudolf Steiner visant à remettre l’évolution de l’homme en harmonie avec l’univers, ou par l’apparition d ;une nouvelle mode qui permit aux femmes de se libérer du corset. Pour les architectes et les aertistes qui voulaient échapper à un historicisme sclérosé,létude de la nature étaient séduisante. On retrouva des formes végétales et fluides àgtravers des motifs comme les branchages, les cours d’eau ou les longues cheverures féminines ondulées. En Allemagne, cet « art nouveau » fut baptisé Jugendstill, au nom du magazine « Jugend » (« Jeunesse ») fondé en 1896 pour propager un renouveau de la pensée auprès de la jeunesse. En Autriche, le mouvement s’exprima à travers le style dit de la « Sécession » viennoise, en rupture avec l’art et le langage formel du passé. En Italie, ce fut le « Style Liberty », d’après le grand magasin londonien dont les étoffes exportées symbolisaient le renouveau. En Grande-Bretagne, on l’appela « Modern Style », en

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    Belgique et en France Art Nouveau. Il est caractérisé par l’individualisation poussée des formes, qui portaient la marque personnelle des artistes qui les créaient. Limité à des applications décoratives, l’Art Nouveau rappelait l’historicisme, mais il cfontenait déjà en greme le besoin moderne d’associer forme, matériau et fonction. Dans ce mouvement, qui revêtit des formes régionales et nationales variées, L’Art Nouveau espagnol, le « Modernismo », est dominé par l’architecte catalan Antonio Gaudi. Loin de se limiter à décorer les surfaces, il considérait les bâtiments commes des œuvres littéralement. Il moelait ses façades commes des parois rocheuses, les fenêtres comme des entrées de cavernes, les toits comme des récifs coralliens couverts de mosaïques abstraites faites de morceaux de verre ou de terre cuite. On lui demanda, en 1883, d’achever l’eglise néo-gothique de la Sagrada Familia, à Barcelone. Il en donna une interprétation très personnelle, mêlant au gothique des éléments mauresques, mais ne parvint pas à l’achever avant sa mort, en 1926. Il croyait en une architecture « totale » et individualiste. S’écartant des conceptions traditionelles des espaces architecturaux, il les remplaça par une distribution totalement nouvelle et progressiste des espaces. Il utilisa pourtant des techniques vieilles, comme les épais revêtements de maçonnerie dissimulant les ossatures d’acier. Le traitement artisanal de chacun de ses bâtiments où il veillait au moindre détail, ou de ses appartements de luxe, comme Casa Battló ou la Casa Milá, où il ne laissa plus un mur ni un angle droit, n’étaient assurément pas une solution pour résoudre la crise du logement, l’une des principales tâches de l’architecture du XXe siècle. 2. Composez le plan du texte. 3. Rendez le contenu du texte.

    Texte 6 1. Dans ce texte consacré au Versaille, relevez tous les indicateurs temporels.

    Versailles Nul château, parc, ou ensemble unrbain n’eut un tel rayonnement à l’époque baroque que Versailles. En 1623, Louis XIII fit construire dans cette petite localité située au sud-ouest de Paris un pavillon très simple dans l’esprit de la Renaissance, avec un bâtiment principal rectangulaire à trois ailes entourant une cour, la quatrième aile étant remplacée par des arcades basses. Celles-ci furent détruites en 1661, lorsque les travaux d’agrandissement du château commencèrent.

    Cette année-là, Louis XIV, le futur Roi Soleil, prend directement les rênes du pouvoir, qu’il conservera jusqu’à sa mort, en 1715. son long règne marqua l’apogée de la monarchie absolue en Europe et le fit de Paris le centre de la vie politique et culturelle du continent. Parallèlement, il marqua aussi le début des Lumières, un mouvement qui aboutit à la fin du XIIIe siècle à la chute de l’absolutisme.

    Le château de Vaux-le-Vicomte, construit près de Paris par le surintendant des finances Nicolas Fouquet, fut achevé l’année où Louis XIV entamait son règne

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    personnel. Le roi y trouva matière à s’inspirer et Louis le Vau, l’architecte, Le Brun, chargé de la décoration intérieure et André le Nôtre, créateur des jardins de Vaux-le-Vicomte, furent invités à travailler à Versailles, où Louis XIV vait décidé de bâtir sa nouvelle résidence. Les dimensions monumentales du palais n’étaient pas le seul défi lancé aux concepteurs. Le château devait aussi symboliser l’unité du pays et témoigner de la puissance royale aux yeux du monde entier. La transformation du vieux château commença en 1661 sur les plans de Le Vau. De 1668 à 1671, la cour d’honneur fut flanquée de deux ailes ouvetres aux façades en temple. Simultanément, la façade du côté des jardins s’élargit, Le Vau ajoutant deux pavillons – avec les salons de la Guerre et de la Paix – à l’aile existante. La terrasse reliant les deux pavillons souligna l’importance du premier étage, celui des appartements royaux.

    En 1678, Jules Hardouin-Mansart remplaça Le Vau, mort huit ans auparavant, à la direction du chantier. Il recouvrit la terrasse de la célèbre Galerie des Glaces. Les miroirs qui la garnissent lui donnent une luminosité exceptionnelle et provoquent, par un effet d’optique, l’impression qu’elle s’étire à l’infini – un effet typique de l’illusionisme baroque. Cette salle, illuminée par des centaines de bougies, servit de cadre à de somptueuses fêtes baroques mais aussi, du 18 janvier au 28 juin 1919, aux négociations qui aboutirent à la signature du traité de paix de Versailles.

    La nouvelle façade unifiée créée par Mansart fut encore élargie par l’ajout de deux ailes en retrait, si bien qu’elle finit par atteindre une largeur totale de 576 m. Baroque et mouvemanté à l’origine, l’édifice se drappa ainsi progressivement d’une solennité rigide et impressionnante, correspondant à l’attitude de Louis XIV, incarnation de l’Etat et souverain absolu, jusqu’à ce que le château, conçu pour servir le prestige royal, atteigne des dimensions dépassant l’échelle humaine. Cette ambition est également évidente en voyant l’immense esplanade et la grande cour d’honneur, à nouveau élargie par deux ailes sous Louis XV, à partir de 1742. L’une d’elles est due à Ange-Jacques-Gabriel, l’autre, sa copie exacte, fut érigée au XIXe siècle. Le château atteignait ainsi une profondeur totale de 407 mètres, une ampleur dont l’ambition était de rester égalée.

    En 1667, Le Nàtre commença l’aménagement des jardins, qu’il fit partir directement du château, entre le bassin de Neptune au nord et l’Orangerie au sud, à laquelle conduisent deux « escaliers à 100 marches » larges de 20 m chacun. André Le Nôtre renouvelle, en les magnifant, les parterres réguliers de broderie – typiques du baroque – bosquets, vases, statues, fontaines et pièces d’eau inaugurées à Vaux, mêlant l’art des janrdins à celui des bâtiments. Dans l’axe principal, perpendiculaire au château, on trouve successivement le bassin de Latone et le Tapis vert (64×335m) ainsi que le bassin d’Apollon (82×116 m), légèrement en contrebas. En son centre se dresse une statue du dieu du soleil – hommages au roi – sur un char tiré par des chevaux et des tritons. Le bassin est au centre du plan radial, axial et stellaire qui structure l’ensemble des jardins. En partie masqué par la croissance des arbres, ce système apparaît moins nettement de nos jours.

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    L’immensité du parc est encore soulignée par un canal de 1560 m de long, également situé sur l’axe central. Il est coupé transversalement par un canal plus petit, à l’extrémité nord duquel se trouvent deux petits châteaux d’agrément : le Grand Trianon, bâti en 1687-1688 par Hardouin-Mansart et Robert de Cotte et le Petit Trianon, érigé entre 1764 et 1768 par J.-A. Gabriel. Après la mort de Louis XIV, la cour les préféra au gigantesque château de Versailles.

    2. Faites le plan du texte en indiquant les indices que vous avez utilisés.

    Texte 7 1. Lisez et traduisez le texte.

    Futurisme et constructivisme A l’aube du XXe siècle, non seulement les intellectuels mirent leurs espoirs

    dans le nouveau monde, mais on croyait en général que le progrès technique, l’esprit nouveau et les modifications des sociétés amèneraient un âge nouveau et des hommes renouvelés. Cet enthousiasme produisit dans le domaine de l’architecture des résultats remarquables dans deux pays dont le développement politique et industriel était plutôt resté en retrait des autres : l’Italie et la Russie. En Italie naquirent un style, une pensée et tout un programme qui se nommaient futuriste (mot italien dérivé du latin). Le « Manifeste du fiturisme », publié en 1909 par Filippo Tommaso Marinetti, thématisé le problème des rythmes, du danger et de la violence de l’âge industriel, se plaint de l’omniprésence de l’héritage artistique de l’Antiquité ressenti comme un fardeau et appelle à la destruction du monde suranné. On glorifie donc la guerre, « seule mesure saine pour le monde » et « les hauts idéaux, pour lesquels il vaut la peine de mourir ». une phrase célèbre du manifeste dit : « Une voiture de course à la carrosserie ornée de gros tubes semblables à des serpents crachants le feu ; une bolide vrombissant est d’une plus grande beauté que la Victoire de Samothrace.» En architecture, les futuristes avec en tête de file Antonio Sant’Elia (tombé en 1916, à l’âge de 28ans) mais aussi Virgilio Marchi, se préoccupèrent avant tout de constructions servant à la technique ou à la circulation, donc bien de nouvelles tâches nées de la révolution industrielle, et qui servirent à la célébrer : des centrales électriques, des gares, des aéroports er bien sûr aussi des villes entières privilégiant la démultiplication de l’espace, avec accumulations d’immeubles colossaux, des successions et superpositions de voies de circulation automobile. Dans leur planification urbaine, les futuristes se montrèrent cependant plus ouverts que l’avant-garde d’autres pays er respectèrent le chaos des métropoles. Ces projets d’édifices titanesques, aux rythmes dynamiques qui fendaient l’air, ne furent toutefois réalisés que çà et là. Ils étaient trop en avance sur leur temps, tant par leur coût qu’esthétiquement. Mais autant ne réalisait-on pas ou pour les projets des futuristes, autant leurs manifestes proliféraient. Leurs discours enflammés et leus utopies pénètrèrent jusqu’en Russie, débouchant là-bas sur le constructivisme qui ne tarda pas à s’affirmer, semblable au futurisme en ce qu’il s’enthousiasma, lui aussi, pour les infinies possibilités offertes en apparence aux architectes grâce aux nouvelles techniques. Le cubisme et le suprématisme, fondé par Kasimir Malevitsch, influencèrent les futuristes. Le suprématisme priviligiait les formes abstraites et géométriques en

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    peinture, pour en arriver à l’art des formes constuctives et absolues. Le constuctivisme dans le domaine architectural fut diffusé en Allemagne, par El Lissitzky, un artiste aux multiples talents qui lui apporta une contribution de premier ordre. Il fut en 1922 parmi les organisateurs de la première exposition d’art russe à Berlin et contribua notamment à ce que la constructivisme influença De Stijl et le Bauhaus. Appliqués à l’architecture, les principes constuctivistes signifaient l’élévation droite ou oblique dans l’espace littéralement fendu par une rythmique dynamique de croissance, des articulations posées sans transition les unes sur les autres ou juxtaposées, une réorganisation spatiale réduite à la langage formel minimum et aux couleurs primaires, dérobée au matériau et le dévoilant, l’exhibant par de grandes surfaces vitrées. Les projets les plus célèbres furent le monument de Tatlin en 1919 pour la IIIe Internationale, une sculpture architecturale mobile qui devait servir à l’organisation mondiale communiste d’immeubles de bureaux et de palais des congrès ; la tribune d’orateur conçue par El Lissitzky en 1920-1924 pour Lénine, un support à la colombages d’acier s’élevant en oblique au-dessus des masses à convaincre ; et ses gratte-ciel « Wolkenbügel » esquissés autour de 1925. Avec ses dessins de nouveaux univers d’objets, dits les « Proun », des combinaisons libres et amusantes de corps géométriques et les surfaces de différentes structures et couleurs, El Lissitzky donna de nouvelles impulsions à l’architecture moderne. Parmi les quelques rares édifices réalisés, se trouvent le bureau moscovite de la Leningradskaïa Pravda à Moscou (projet des frères Vesnine, 1923) et le mausolée de Lénine, dont le projet date de 1924 mais réalisé seulement en 1930 sur la Place Rouge à Moscou. (A. Schussew). Que les utopistes avec leur esthétique et leur plastique radicale se soient sentis fortement attirés par les idéologies politiques radicales se conçoit aisément. Les répercussions furent beaucoup plus néfastes pour les constuctivistes aux tendances communistes que pour les futuristes italiens liés au fascisme de leur pays. Adhérant aux premiers dogmes des Bolchevistes nouvellement au pouvoir, ils se virent très vite exposés aux attaques permanentes, puis complètement bannis, à la montée de Staline au milieu des années 1920, qui avait déjà amené un radissement de la situation politique. Les idées du constructivisme laissèrent tout le même leur empreinte : le club des ouvriers municipaux de Golosov (Moscou, 1927-1929), avec son alternance de maçonnerie et de verre, de formes rondes et de formes rectangulaires d’une extrême clarté pourrait avoir été construit dans les années 1990. 2. Proposez le résumé du texte de 10 phrases environ.

    Texte 8 1. Lisez et traduisez le texte. Trouvez dans le texte les adjectifs qui

    caracterisent le déconstructivisme

    Le déconstructivisme Une nouvelle modernité? Vers 1990, le postmodernisme fut supplanté par le

    déconstructivisme, courant que Philip Johnson intitula ainsi à la suite d’une

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    exposition («Deconstructivist Architecture») organisée en 1988 à New York, qui tenta de l’affirmer. Les médias avaient le regard rivé sur le nouveau style. Il est fondé sur un langage formel élitaire ayant sa source spirituelle dans la philosophie de Jacques Derrida. Opérant avec le degré d’abstraction déjà contenu dans le Mouvement moderne, et des motifs connus situés par ses interprètes dans le climat intellectuel et le contexte historique du Mouvement moderne, il s’intitula, logiquement, Nouveau Mouvement moderne. Comme les interprètes du postmodernisme, les déconstructivistes recherchent un langage spéctaculaire sans égards pour les exigences fonctionelles, s’y opposant même par un refus des normes constructives et ornementales. La devise « form follow fantasy » ( la forme naït dans l’imagination) inventée par Bernard Tschumi pour qualifier le déconstructivisme et dérivée de « form follows function », fut peut-être bien la déclaration de guerre au postmodernisme. Les déconstructivistes, comme les constructivistes et les suprématistes, s’inspirent de l’avant-garde russe du début de XXe siècle. La conception de la « perfection dérangée » qui en découle, est comparable à un jeu de cubes minutieusement élaboré que l’on aurait fait s’écrouler ou à un jeu de mikado que l’on aurait fait bouger, donnant naissance à des éléments d’une grande finesse en côtoyant d’autres surdimensionnés et monstrueux dans une construction qui suggère, au bout du compte, la fragilité. Le déconstructivisme met en œuvre tous les moyens pour déranger toute autre perception du quotidien que sa remise en question, et faire revivre à travers la distanciation obtenue, l’art de l’architecture, plus immédiatement, cette fois en tant qu’art. L’architecture britannique Zaha Hadid, née en Irak, créa pour la firme Vitra à Weil-sur-le-Rhin, une caserne de pompiers paraissant affaissée dans un sol. Un auvent sans fonction précise mais très expressif renoue avec l’ambition démesurée d’accéder au ciel. Celui du centre, oblique, paraît tombé à la renverse. Ces motifs déconstructifs sont très appréciés. Dans l’institut Hysolar d’énergie solaire à Stuttgart, un projet de Günter Behnisch (1987), les pièces semblent superposées en désordre, entassées n’importe comment. La surface du premier étage, en porte-à-feux par rapport au rez-de-chaussée, transparaît à l’extérieur. Un tube rouge criard, ne servant à rien, transperce le bâtiment du haut de son toit de verre jusqu’au sol. La nouvelle toiture du cabinet d’avocat maître Schuppich à Vienne, couvrant une maison de style ancien, procède du même jeu de construction. C’est une œuvre de Wolf Prix et d’Helmut Swiczinsky, intitulée COOP Himmelblau. Une arête de la toiture, dépassant dans le vide, semble foudroyer la vielle façade et la déchirer sans raison apparente, provenant même d’un chaos indescriptible. Les architectes ont voulu suggérer l’idée d’éclair renversé ou l’arc tendu. C’est réussi.

    C’est une architecture qui aime éveiller l’imperession de provisoire et de bricolage et use des matériaux convenant aux intentions recherchées. L’architecte américain Frank O. Gehry utilisa pour la transformation de sa maison de Santa Monica (1978) des matériaux bon marché, planches de bois, tôle ondulée et fil de fer. La construction suggère une baraque où se bousculent quantité de souvenirs, bien qu’ils proviennent d’un tout autre contexte d’aménagement. Comme Gehry et Hadid, Bernard Tschumi fait partie d’une équipe d’architectes qui firent connaissance dans les années 1970 lors de l’Architectural Assocaiations de

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    Londres. Ses Folies du Parc de la Villette, des pavillons recouvrant tout le parc d’une trame austère, paraissent inachevées ou déformées et les constructions d’acier ont l’aspect d’un chantier de ruines. L’envie de détruite, par saturation et dégoût, est présent, ici aussi. Chose pareille aurait été inconcevable après la guerre où le dégoût pour la ruine n’avait nullement besoin d’être ravivé par les architectes. Cette manière de voiler les structures et de presser les fonctions dans des moules n’a rien en commun avec la rigueur et la clarté du Mouvement moderne classique. Ce sont des ouvrages spéctaculaires déterminant individuellement le paysage architectural, sans s’inscrire dans une conception d’ensemble. On peut être impatient de voir l’utilisation faite d’un projet de Daniel Libeskind (1989), comme hall d’expositions du Musée juif de Berlin, avec son espace anguleux et ses murs obliques. Mais l’objectif fonctionnel n’est pas la préoccupation première de cette nouvelle architecture. Elle se veut autonome, sans contrainte fonctionnelles sans égard pour usage des objet, l’urbanisme ou l’environnement naturel. Pour son projet de club, « The Peak », primé lors d’un concours, mais non réalisé, Zaha Hadid voulait faire aplantir un sommet de montagne. Est-il étonnant que le Musée de Libeskind ait, en sous-sol, des salles cohérentes et conventionnelles ?

    2. Composez le plan du texte, en indiquant les indices que vous avez utilisés, puis faites le contenu du texte.

    Texte 9

    1. Parcourez le texte des yeux et dites de quelles tendances s’agit-il ? Tendances

    Apprendre de ses erreurs ? Tandis que postmodernisme et constructivisme font la une des médias, des courants rationalistes dans l’esprit du Mouvement moderne classique continuent de persévérer, essayant d’éliminer les abus et de renouer avec les débuts glorieux des années vingt : pureté des couleurs, des volumes et des matériaux. Une construction comme celle de Tadao Ando « Eglise au bord de l’eau » à Tomamu au Japon (1985-88) est le plus bel exemple de l’esthétique recherchée. Il utilise le béton brut de décoffrage, comme pour sa chapelle sur la montagne Rokko à Kobe (1985-86). L’eglise, d’une grande simplicité, à une façade entièrement vitrée et le regard, au lieu de tomber sur un autel, s’accroche à une croix dans l’eau. La rigueur formelle et l’austérité des volumes ne se trouvent toutefois pas seulement dans ses édifices religieux. Ando cherche à exhorter à l’ascèse dans le quotidien, isole ses édifices contre le bruit de la ville en les enveloppant dans les murs de béton pleins, et construit des maisons sans isolation thermique et sans chauffage. Une fuite anti-moderne devant la réalité se greffe sur l’esthétisme du Mouvement moderne classique et ses exigences pédagogiques. On se saurait mieux caractériser l’ambivalence et le manque des contours de l’architecture depuis la fin des années 80. Les temps modernes ont-ils expiré au moment où l’on commença à ne plus avoir la foi dans le progrès, au moment où l’industrie « traditionnelle » fut en perte de vitesse ? Le modernisme prit-il une autre voie à l’avènement de l’informatique, de la communication et des prestations de service ? Mies van der Rohe peut-il être moderne sans être

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    fonctionnel ? Ou est-ce que ses bâtiments sont précisément modernes parce qu’ils offrent de multiples usages ? Un atout certes considérable à une époque où la fonction d’un bâtiment est amenée à changer plus vite que n’usent ses matériaux. Le désir de renouer avec le Mouvement moderne classique est-il rétro ? Le déconstructivisme marque-t-il le vrai commencement de la construction moderne, comme l’affirma Zaha Hadid ? Ou bien engendre-t-il, à l’image de l’architecture postmoderne, sous une forme modifiée, la vanité des objets et de l’ornementation, et du même coup, celle de ses constructeurs ? La grande variété de styles est d’autant plus troublante que certains architectes n’ont de cesse de changer de principe directeur et de structure. Philip Johnson et Oswald Mathias Ungers passèrent du modernisme strict au postmodernisme, puis retournèrent au rationalisme. Certains critiques désignent l’évolution actuelle de « pluralisme moderne », terme indiquant que la construction a rejoint la musique populaire ou les styles de coiffures modernes et se manifeste dans quelques tendences qu’il est impossible d’ignorer mais qu’on ne suit pas ou peu. Chacun fait, en fin de compte, ce qu’il veut. Le postmodernisme a au moins légué une sensibilisation pour l’environnement et l’architecture passée, l’estime de la ville traditionnelle, et l’utilisation de matériaux ou de formes qui, en fait, au premier abord, ne se marient pas. La technologie est mise au service d’une construction en accord avec l’environnement, l’isolation thermique ou les capteurs solaires. Bien que le déconstructivisme ne semble pas s’affirmer, certains de ses éléments formels sont repris ça et là. L’architecture tend actuellement à un retour au rationalisme, mais en incorpore parfois quelques-uns. Une forme revue et corrigée au Mouvement moderne. Les multiples tâches que doit assumer l’architecture, ces dernières années, non seulement tolèrent ce pluralisme de styles, mais encore le réclament à proprement parler, étant donné la croissance effrénée de la population et de ses exigences. Il faut construire vite et rationnellement. Or, on ne peut pas inventer chaque semaine un nouveau style. En outre, les propriétaires exigent l’exclusivité. L’exclusivité pour tous n’est-elle pas une contradiction en soi ? L’essentiel est que les constructions correspondent à ce qui est exigé d’elles. Elles se ressembleront de toute façon, que l’on abuse d’ornements baroques ou que l’on soit partisan de la nudité. On a parfois l’impression qu’un principe directeur manque à cette diversité, ou éclectisme, à ces innovations aussi. Mais telle est notre époque, l’architecture n’est plus depuis longtemps soumise à l’appréciation de quelques architectes ou planificateurs. Même la dissociation des fonctions dans les villes exigée par la charte d’Athènes et pratiquée à grands frais en de nombreux endroits après la guerre, n’a plus besoin entre-temps d’inventions étatiques. Elle s’accomplit d’elle-même, mue par des mécanismes de marché, elle est entre les mains de quelques investisseurs ou de groupes de pression pour qui il est devenu impossible d’intégrer l’urbanisme dans leus plans. A Berlin, la guerre, puis la division de la ville et les plans de reconstruction de deux systèmes politiques et de deux idéologies urbanistiques n’ont pas seulement laissé d’immenses friches en plein centre-ville, mais ont conduit au dépeuplement de quartiers qui étaient autrefois d’une animation intense. On essaye à présent, coûte que coûte, depuis le chute du mur, de reconstruire la ville réunifiée telle qu’on l’a connue jusqu’en 1945.

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    Habiter, consommer, se récréer, travailler dans ses bureaux, cohabiter en parfaite harmonie avec une industrie propre, non bruyante, sans gaz d’échappement. Cela semble toutefois impossible. L’ancienne urbanité, avec sa vivacité, ne saurait être reconstruite. Là où elle existe encore, elle est en voie de disparition, comme partout. Ce que les pionniers de l’architecture moderne réclamaient avec enthousiasme est réalisé depuis longtemps, sans qu’il soit besoin d’un programme ou d’une intention politique. L’architecture et l’urbanisme modernes, ont engendré un espace déstructuré, colonisé, en accord avec notre vie moderne.

    2. Partagez le texte en 3 parties. Proposez un titre à chaque partie.

    Texte 10 1. Lisez le texte et posez des questions d’après le texte. Travaillez en paires.

    Pierre Cardin à Moscou

    Le couturier français Pierre Cardin, qui travaille étroitement avec la Russie depuis l’époque de l’URSS, est devenu membre d’honneur de l’Académie des Beaux-Arts russe. Premier couturier à avoir été élu à l’Académie des Beaux-Arts française, il s’est vu remettre une tunique et un couvre-chef d’académicien par le présient de l’Académie russe Zourab Tsereteli.

    « Mon métier représente aussi une œuvre d’art », a déclaré M.Cardin, 86 ans qui a confié être « un grand ami de la Russie » où il se rend régulièrement depuis 40 ans. « J’espère continuer à élargir les relations culturelles entre les deux pays » a-t-il ajouté.

    Cardin voue une sincère sympathie pour notre pays. La première production des prêts-à-porter masculins est liée à son nom. Ses modèles exclusifs ont été présentés sur la Place Rouge. Plusieurs dizaines d’usines travaillent pour sa marque, à l’époque de l’URSS. Pierre Cardin a également aidé Slava Zaïtsev, le premier couturier russe, à démarrer.

    L’une des muses du couturier est la grande danseuse russe Maïa Plissetskaïa, 83 ans, pour laquelle il avait créé plusieurs costumes scéniques et qu’il habille dans la vie.

    A la fin des années 1980, grâce à Pierre Cardin, Junon et Avos, spectacle phare du théâtre moscovite Lenkom, a été présenté sur la scène du Théâtre Espace à Paris. Aujourd’hui le compositeur russe Alexandre Rybnikov et Pierre Cardin ont l’intention de réaliser un nouveau projet-spectacle. Voici ce qu’en dit Alekseï Rybnikov : « Il est prématuré pour le moment de parler de ce nouveau projet. Sans doute, sera-t-il, Junon et Avos, mais dans une version nouvelle. Ou peut-être un spectacle tout nouveau. Les spectateurs verront cette fois-ci le spectacle L’étoile et la vie de Joachin Murietta. Il y aura seulement 4 représentations. Les tournées en Europe et en Amérique suivront aussi. J’espère que Pierre Cardin assistera à la première.»

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    Texte 11 1. Quelle est ľidée essentielle de chacun des paragraphes de ce texte ?

    Chanel, Armani et Lacroix au plus près de leurs codes

    Trois monstres sacrés de la haute couture se sont succédé à Paris pour le printemps-été 2008. Trois visions singuliers.

    « Vous savez, vette veste e tweed, celle que tout le monde veut toujours voir, avec son volume boîte, inretpellait Karl Lagerfeld, lundi soir, dans son studio de la rue Cambon, Gabrielle Chanel l’a lancée dans les années 1950 ; moi, je m’amuse à en reviser les proportions. » Sur le podium Chanel, le lendemain, « the » veste trône, monumentale, sous la verrière du Grand Palais, haute d’une quinzaine de mètres. Pierre angulaire de la logique maison, la veste Chanel est incontournable (écrasante ?), le message est clair. Comment renouveler sa formule lors des collections prêt-à-porter, haute couture, croisière et du défilé des métiers d’art ? Pas simple. Pour cette haute couture printemps-été 2008, elle sort taillée en X, à basque diabolo. Sa version en paillettees noires sur chemise blanche est explicite, la coupe gagne en netteté, mais l’épaule reste ronde. Dessous, une jupe récurrente : courte, drapée et croisée tulipe, une bonne façon de rafraîchir le propos. Les mannequins, eux, ne passent qu’en bellerines, hyperjuvéniles, flattés par les tweeds nacrés, aux teintes porcelaine, beige, rosé, gris brume. « Le coquillage, ses formes et ses couleurs font partie de l’inspiration », avaiet grissé le maître, le veille. Résultat : des drapés tourbillonnant comme une conque, des épaulettes coquilles matelassées sur une veste noire, des poches coquillages (hum !) sur une robe longue. Le soir, la palette demeure délicate et nuancée, mais les effeuillages de chiffon de mousseline, les ruches frisottés, les feuilletés d’organdi en font parfois trop. Au final, Karl Lagerfeld sort pêcher les bravos que les fans continuent de lui adresser. Encore et toujours.

    Chez Christian Lacroix, point de veste totem monumentale mais la tuyauterie peinte du plafond du centre Geirges Pompidou en guise de décor. Et cela sied parfaitement à cette haute couture et ses soies peintes, qui confirme ici son incroyable modernité. Point de podium, les mannequins passent tout près, à hauteur d’homme. Cette proximité rend émouvant et quasi miraculeux ce travail éblouissant des ateliers Lacroix. L’Arlésien semble avoir assouvi à travers son exposition « Histoires de mode » au Musée des Arts déco sa manie des collages et des patchworks. Ici, avec une évidence sidérante, les modèles sont rincés de leur surcharge, même si le couturier procède toujours par ajouts successifs. Soie gouachée de grands lavis colorés, manches en organza meringué, suplis de dentelle, chantilly enluminée d’or, robes « pigments » à l’intensité frémissante, fausses mariées immaculées, robe « fleur » froufroutante, volumes hyperboliques ou fragilité mouelleuse des mousselines... Les mots ne suffisenet pas. Si ce n’est pour affirmer que le couturier livre ici une de ses meilleures sollections. Celle d’un homme à la main sûre et au cœur heureux.

    Giorgio a mis en scène un défilé... Armanissime pour Armani Privé. C’est-à-dire que l’on retrouve la silhouette chère au créateur milanais : petite veste ajustée, jupe droite moulée à la louche quand elle n’est pas « lampion cratère »

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    telle que la définit Armani himself. Un leitmotif qui présente l’avantage d’une cohérence implacable. L’inconvenient ? La répétition. Mais les clientes fans ne s’en lassent pas, qui continuaient de parler chiffon lors du dîner, donné ensuite pour elles par le maestro, au restaurant La Maison Blanche.

    Passage de teintes sable et de délicats imprimés pastel abstraits, de grands sequins demi-lune brodés, très Sonia Delaunay. La comédienne américaine Hilary Swank sort son téléphone portable et prend une photo. Passe une veste ajustée sur jupe cratère, Hilary ressort son portable et reprend une photo. Le scénario se répète jusqu’au final de la robe en organza de couleur. Bref, Hilary a adoré. Claudia Cardinale ondule sur son siège au rythme de la mussique. Sophia Loren suit le tempo du bout de pied, ambert Wilson a l’air de chercher quelque chose à se mettre, Dita von Teese est plus chignonnée que jamais, et Ellen Pompeo, de la série Grey’s Anatomy, a l’air d’une petite chose sans sa blouse de chirurgien. On est bien chez Armani, « le » rendez-vous du glam.

    Virginie Mouzat Avalon Vega. Samuel François, du magazine Numéro, et son comparse

    Daniel Fumaz présentent la deuxième saison couture d’Avalon Vega. Allusion aux déesses nubiennes, aux plissés Fortuny, aux tuniques de la Grèce Antique, aux neveloppements non chalantes façon sari ou, plus couvrants, des Touaregs... On plonge dans un ailleurs où un gilet crétois laisse la poitrine nue sous un capuchon drapé de gaz indienne, un univers que n’aurait pas renié le peintre Lawrence Alma-Tadema. La microtunique en voile mauritanien tie and dye au drapé asymétrique ou la jupe sarde en voile encre et tournesol distillent aussi un charme certain.

    Boudicca. Zowie Broach et Brian Kirby délivrent eux aussi leur deuxième saison de couture parisienne. C’est bref mais formidablement exécuté, particulièrement la technique tailleur. Veste en satin blanc à dos noir et épaules pagode sur pantalon droit ou trench noir à col montant sont impeccables. Les accumulatuions de plissés soleil en lamé argent à l’épaule d’un justaucorps intégral blanc ou le tablier froncé en soie rouge accroché à la taille sont, eux, moins évidents. Mais le couple britanniques a le mérite d’injecter un peu d’exentricité british au sein de la couture parisienne.

    Cathy Pill. Cathy Pill est officiellement au calendrier. Haute couture ? Prêt-à-porter ? Printemps-été ? Automne-hiver ? On n’y comprend plus rien. Pour le reste, on n’attendait plus, même si l’exercice ne manque pas de grâce.malgré tout, les finitions, les tombes, la fluidité, les coulissés omniprésents sur toutes les pièces semblent un peu maigres. Avec le manteau en mérinos ivoire à l’épaule froncée apparaît enfin un peu de volume, d’opulence. L’idée d’une jupe sac coulissée à la taille est assez poétique mais le rendu l’est moins. On aime quand même les deux robes longues monacales en maille scintillante du final.

    2. Pour chaque personnalité, répondez aux questions suivantes. 1) Quelle est sa nationalité ? 2) Quand elle est née ? 3) A quel age a-t-il commencé sa carrière professionnelle? 4) A quelle date est-il devenu célèbre? 5) Comment est-il devenu célèbre ?

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    3. Proposez un résumé de 10 phrases environs

    Texte 12 1. Lisez et traduisez le texte.

    Chefs-d’œuvre de la collection du Musée national Picasso

    Installé dans un de ces hôtels particuliers dans le Marais, le Musée Picasso constitue le principal centre d’études sur la vie et l’œuvre de Pablo Picasso. Il regroupe des œuvres diverses, de la peinture à la céramique en passant par les statues monumentales. Le musée a été ouvert au public en 1985. En 25 ans, ce musée a acquis une rénommée internationale et accueilli plus de 10 millions de visiteurs, soit en moyenne plus de 500 000 par an !

    Ainsi, le musée de Paris est, après celui de Barcelone, le plus important musée Picasso au monde. On ne fera pas ici le catalogue de tout ce qui est présenté dans ses salles : portraits, costumes de théâtre, paysages, animaux, fleurs, formes pures, autant dire le catalogue du monde entier, mais on pourra certainement feuilleter celui de l’exposition, qui est très attendue en Russie en 2010.

    On pourra y admirer de ses propres yeux plusieurs chefs-d’œuvre. Il s’agit souvent des œuvres inédites, comme les statues monumentales installés dans le jardin attenant au musée, mais aussi des œuvres provenant de la collection personnelle de Picasso. Ainsi donc, aux côtés de ses œuvres se trouvent des ouvrages des maîtres qu’il admirait : Ingres, Degas, Cézanne, Matisse, Braque, et des œuvres primitives dont on sait l’influence essentielle sur l’artiste.

    Sont aussi retracées les phases successives de création de Picasso, des œuvres de jeunesse, encore marquées par un certain académisme, et les débuts du cubisme.

    L’exposition livre ainsi les différents engouements de l’artiste, son bref engagement aux côtés du surréalisme, ses liens avec le communisme, son amour de la corrida et surtout des femmes, dont le tourbillon jalonnera l’œuvre.

    Pablo Picasso est né en 1881 à Malaga en Andalousie. Il avait commencé à dessiner dès son plus jeune âge, puis entamé ses études artistiques d’une manière classiquement académique. Mais très vite, son père qu’il adorait, le peintre José Ruiz-Blasco, stupéfait du génie de son fils, l’emmène au Prado à Madrid où il découvre les toiles des maîtres de l’école espagnole : Goya, Vélasquez, Zurbaran, qui ne le quitteront plus. De même que El Greco avec lequel il entame en 1899 un dialogue qui se poursuivra toute sa vie. D’où cette autre palette de Picasso, celle de l’âme ou de l’esprit, comme on voudra, où se mêlent la joie, l’ivresse, la mort ou l’exaltation surhumaine. Quel enchanteur que cet artiste et quelles illustrations de l’une de ses phrases célèbres : «A douze ans je savais dessiner comme Raphaël, mais j’ai eu besoin de toute une vie pour apprendre à peindre comme un enfant. »

    2. Posez des questions aux mots soulignés à votre voisin(e) ou à votre groupe. 3. Rendez le contenu du texte.

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    Texte 13

    1. Observez le document ci-dessous et composez le plan du texte.

    La Ruche et les Russes « La Ruche, cette grande fourmilière

    russe du passage Dantzig. » Pinchus Krémègne

    La Ruche fut la première « cité d’artistes » de France, cité destinée aux peintres et sculpteurs désargentés.

    C’est en 1902, qu’Alfred Boucher, un sculpteur d’origine modeste, qui en eut l’idée. Il récupéra, à sa fermeture, pour une bouchée de pain, des éléments de l’Exposition Universelle de 1900, et, notamment, le Pavillon des vins de Bordeaux construit par Gustave Eiffel. Sa forme est celle d’une ruche qui donnera son nom au phalanstère, et les habitants en seront les « abeilles ».

    La Ruche devient le rendez-vous de peintres et de sculpteurs avant-gardistes, dont, peu à peu, la renommée sera mondiale. Arrivées des pays de l’Est, Chagall, Zadkine, Soutine, Krémègne, Kikoïne ou Archipenko sont les plus célèbres.

    Le premier locataire russe de la Ruche est Alexandre Archipenko arrivé de Moscou en 1908 après avoir suivi les cours des Beaux-Arts de Kiev. Il se lie d’amitié avec Fernand Léger. Sa famille lui ayant coupé les vivres, quand il ne peint pas, Léger bricole pour survivre : il travaille chez un architecte ou fait de la retouche chez un photographe. Les jours de disette, pour gagner quelques sous, les deux camarades de misère arpentent Paris avec une harpe et s’exhibent dans les rues et les cours de Paris. Léger joue, tandis que Archipenko, de sa chaude voix de baryton, chante des chansons russes et ukrainiennes.

    En 1909, le Lituanien Jacques Lipchitz vient à Paris, en 1911 il devient locataire de la Ruche. Puis Ossip Zadkine, à qui son père a offert un billet de chemin de fer dans un mauvais train pour quitter Smolensk, vient découvrir la capitale française. Il ne parle que russe et anglais, il ne connaît personne, hormis le jeune peintre Victor Mekler, déjà là depuis une année. Avec une lettre de recommandation de comte Davidoff, Zadkine est admis à suivre les cours de l’atelier Enjalbert à l’Ecole des Beaux-Arts. Il s’en lasse très vite, préférant la fréquentation de l’Ecole Sainte-Geneviève où il tente de déchiffrer l’œuvre de Balzac avec un dictionnaire. Voilà comment il décrit sa première nuit à la Ruche : « Couché sur mon modeste grabat pour passer ma première nuit à la Ruche, je me sentis assez heureux malgré tout. Heureux d’avoir coupé la pauvre ficelle ombilicale qui me reliait encore à une institution. Je me sentais nu et nul encore mais prêt à commencer une nouvelle vie. Oui, je m’endormais heureux. » Zadkine ne reste que deux ans dans cet atelier, avant de déménager dans un premier studio 114, rue de Vaugirard.

    En 1910, Marc Chagall vient à Paris. Grâce à Léon Bakst qui l’encourage à approfondir ses talents de peintre, et à la bourse lui offerte par Maxim Winaver,

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    député de la Douma, Chagall quitte la Russie. Il s’installe à la Ruche, mais il ne se lie guère avec ses voisins, il reste secret, peint la nuit, et comme Soutine, jette par la fenêtre ses toiles qu’il juge ratées. Il préfère la compagnie d’intellectuels comme Guillaume Apollinaire ou Blaise Cendrars, qui, parlant le russe, trouvent pour lui les titres de ses tableaux et les traduisent en français. « C’est entre ces quatre murs que je suis devenu peintre », dira-t-il plus tard. En 1911-1912, Chagall peint un Hommage à Apollinaire, en octobre 1913, Cendrars lui dédie son poème Portrait :

    Il dort Il est éveillé Tout à coup il peint Il prend une église

    et peint une église Il prend une vache

    et peint avec une vache Avec une sardine Avec des têtes, des mains, des couteaux... Pour échapper à cinq années de service militaire, Léon Indenbaum quitte la

    Russie en 1911, après avoir fait des études aux Beaux-Arts d’Odessa et apprit l’ébénisterie et la mécanique. De 1911 à 1920, il travaille chez Bourdelle et sculpte ses figures personnelle dans la pierre, le bronze, la terre cuite ou le plâtre dans son atelier de la Ruche. Chez lui, c’est une varie volière, car il a la manie de nourrir de boulettes de pain les pigeons du jardin qui viennent se poser sur les sculpteurs.

    Une deuxième vague d’artistes étrangers apparaît bientôt, avec trois amis ordinaires de Biélorussie qui se retrouvent bientôt à la Ruche : Michel Kikoïne, Pinchus Krémègne et Chaïm Soutine. Pour survivre, Krémègne travaille la nuit aux abattoirs de Vaugirard. Kikoïne vit une année chez son cousin Joseph avant de s’installer à la Ruche et d’épouser Rosa Bunimovitz, sa camarade bien aimée du lycée de Minsk. En 1913 Soutine vient s’installer à la Ruche. Les années à la Ruche sont importantes pour l’œuvre de Soutine, car c’est là qu’il peint notamment ses premiers Coq, Poulet et Bœuf écorché, dont le modèle en chair et en os transporté dans son atelier à dos d’homme est un cadeau d’un des tueurs des abattoirs de Vaugirard. Krémègne se souvient des années passées à la Ruche : « A cette époque, à la Ruche, il y avait beaucoup de peintrs russes et, entre nous, il y avait une vraie fraternité. En ce temps-là, nous marchions beaucoup à pied de la Ruche, de la Porte de Versailles jusqu’au boulevard Saint-Michel pour trouver un camarade et le taper d’un franc, de 50 centimes... Quand nous avions de l’argent, rarement, nous avons partagé en communauté. Nous mangions des petits pains blancs en buvant du thé comme les Russes ont l’habitude de le faire. »

    Depuis cent ans, la Ruche est toujours à la même place. On peut encore visiter l’endroit aujourd’hui, joliment restauré à la fin des années 60. L’ensemble est toujours une cité d’artistes, gérée par la fondation la Ruche Seydoux. Tous les ateliers sont occupés. Avec un peu de chance, on peut tomber sur un artiste qui vous ouvrira son atelier.

    La Ruche, lieu de rencontre d’artistes venus de tous les pays du monde, les accueille toujours et leur ouvre « un débouché vers la réussite et la gloire ».

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    D’après D. Paulvé, La Ruche, un siècle d’art,

    Catherine Triomphe, La Russie à Paris.

    2. Présentez ľannotation du texte.

    Texte 14 1. Lisez et traduisez le texte.

    Auvers-sur-Oise : le souvenir de Van Gogh A environs 35 kilomètres de Paris, sur un coteau qui domine l’Oise,affluent

    de la Seine. Auvers aligne ses ruelles tortueuses et dersse son église, aujourd’hui mondialement connue grâce au tableau de van Gogh (Eglise à Auvers, Musée d’Orsay). En 1846, le chemin de fer partant de la gare Saint-Lazare met Auvers à une heure de Pris. Une foule de Parisiens... et de peintres viennent ici chercher la vraie nature. Il y a là, sur le coteau calcaire, des champs cultivés, des bois, toute une vie de campagne. L’Oise est propice au canotage, des guinguettes s’installent. Daubigny circule de la Seine à l’Oise sur son bateau-atelier, qu’il appelle « le Rotin », une large barque en bois à fond plat, dont le ponton est surmonté d’une cabane. Il s’ancre souvent au pied des coteaux d’Auvers avant d’acquérir dans le village, une maison et un atelier qui se visitent aujourd’hui. Daubigny est un naturaliste. Il peint la campagne, les champs, les paysans. Ses scènes de vendange en Bourgogne où l’on voit l’énorme cuve à raisin, les bœufs au repos, les vendangeurs au travail (Musée d’Orsay) sont célèbres. Mais le trait peut devenir moins précis, la lumière irisée du paysage le transforme quelque peu. C’est le cas de Soleil couchant sur l’Oise (Musée d’Orsay), de la Seine au Petit-Andelys, coucher de soleil (Musée de Grenoble) et le Château-Gaillard, les Andelys (Musée d’Orsay).

    En 1872, le docteur Gachet y achète une maison avec un jardin bordé de falaises où se creusent des remises et un atelier troglodyte (accessibles au public).

    Le docteur Gachet est un éminent médecin. Spécialiste des maladies liées à la « mélancolie », comme on dit à l’époque, il soigne acteurs, artistes... C’est un féru de peinture, un collectionneur ouvert aux tendances nouvelles. Lui-même consacre du temps à des œuvres naturalistes qu’il expose parfois au salon des Indépendants sous le pseudonyme de Paul van Ryssel. Il fréquente à Paris les « dîners du rouge et du bleu », où il côtoie Seurat, Signac, Pissaro, Redon... Il flaire en Sézanne des 1872, alors que celui-ci venait d’arriver à Paris, un peintre d’avenir, et l’attire à Auvers. Cézanne était resté deux ans parcourant la campagne. Ce sont ses « années impressionnistes » où il peint une Vue panoramique d’Auvers, où il s’initie au thème récurrent dans son œuvre de la Route tournante et exécute de nombreuses natures mortes. La réputation du docteur Gachet est telle que c’est à lui que s’adresse Théo Van Gogh lorsque son frère, en perdition, doit quitter l’asile de Saint-Rémy. On connaît le riche et tragique épisode du séjour de quatre mois à Auvers où, avant de se suicider, le peintre accomplit une œuvre immense : pas moins de trente dessins et soixante-dix tableaux, dont ceux du Docteur Gachet, de Mademoiselle Gachet au jardin, Mademoiselle Gachet au piano... Auvers, haut

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    lieu de la peinture, est aussi un lieu de pèlerinage pour les amoureux des toiles de Van Gogh. On peut y visiter la chambre de Vincent, petite mansarde éclairée par une lucarne au premier étage de l’auberge ravoux. Elle est vide, mais poignante. Dans une salle attenante, un diaporame présente des toiles de Van Gogh. On peut entendre des extraits de lettres du peintre à son frère Théo. En passant devant l’église, on peut se rendre au petit cimetière où les deux frères sont enterrés. La promenade dans les champs alentour permet d’évoquer partout Vincent et ses toiles. Le château d’Auvers-sur-Oise abrite un Musée de l’Impressionnisme où la muséographie très contemporaine présente un parcours-spectacle : « Voyage au temps des impressionnistes. »

    2. Pouvez vous citer des impressionistes français ? 3. Que savez-vous d’autre au sujet de l’Impressionnisme

    Texte 15 1. Lisez et traduisez le texte.

    Giverny : le paradis de Monet En 1883, Monet s’installe à Giverny, en bordure de Seine, dans une

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